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EC e seus bateristas

2010-11-19T16:11:00.013-03:00

Acho que sempre fui meio fã do Eric Clapton. Quando comecei a me interessar por música, no final dos anos 80, ele já estava num momento artisticamente meio duvidoso de sua carreira – tinha lançado o “Journeyman” e veio até tocar aqui em Brasília, no Ginásio Nilson Nelson. Mesmo assim, era uma figura que despertava o meu interesse. E à medida que esse interesse foi crescendo, comecei a fuçar as coisas mais antigas, tentando entender um pouco mais de sua carreira.

Bom, 20 anos depois, com a cronologia de sua carreira (e de sua vida pessoal) bem entendida, resolvi escrever sobre ele. Na verdade, vou falar sobre alguns dos bateristas que o acompanharam ao longo de quase 50 de música e, de tabela, comentar a carreira de EC.

A idéia desse texto surgiu de um artigo da Modern Drummer (pô, eu sempre cito essa revista, né?) de uns anos atrás, intitulado “The Drummers of Steely Dan”, que enfileirava os músicos que participaram dos discos dos doidões Becker e Fagen. Só que no caso da dupla norte-americana a coisa era bem mais lógica, já que os dois eram famosos por escolherem os melhores entre os melhores para cada uma de suas gravações. Daí, falar sobre seus bateristas é, de certa forma, falar sobre os tops desse período.

Já com EC, a coisa é muito mais doida. Tirando os seus tempos de músico de banda (Cream, Blind Faith, Yardbirds e John Mayall & The Bluesbreakers), parece que ele nunca deu muita bola para quem estivesse segurando as baquetas. Mesmo tendo tocado com feras de grosso calibre, suas declarações nunca foram muito entusiasmadas sobre o assunto baterista. Na sua autobiografia, ele até comenta sobre alguns desses caras, mas sempre com certa desatenção. Aliás, de todas as coisas que li nesse livro (muito legal, por sinal), isso foi o que mais me chamou a atenção – com poucas exceções, parece que ele nunca teve muito controle sobre sua carreira. Talvez pelo fato de ter passado uns bons anos viciado em alguma coisa e/ou deprimido, a impressão é que ele andava de um lado para outro sempre a reboque.

Eu até fiquei imaginando aquele momento em que um cara chega com uma música nova, ou com um arranjo diferente, e vai passar as partes para a banda. No caso de EC, eu duvido que ele dê (ou tenha dado na vida) alguma orientação mais específica de como o baterista deve se portar – ao contrário de seu colega Jimmy Page. E isso fica claro pelos caras que ele escolheu ao longo de sua carreira solo.

Bom, vamos lá:

JAMIE OLDAKER
“Motherless Children”
Eric Clapton
461 Ocean Boulevard, 1974

Essa uma das melhores introduções que eu já ouvi. É um ótimo exemplo da força que uma bateria bem tocada tem num arranjo. Pense numa música qualquer que comece apenas com a guitarra (ou o piano) e note como os ouvidos saltam (e não é pelo barulho) com a entrada da bateria. E isso é uma das maiores responsabilidades do baterista: não estragar uma introdução maneira! Uma virada errada ou uma batida indecisa põe tudo a perder. Ouvindo a bateria de Jamie Oldaker não tenho dúvidas de que ele nunca teve esse tipo de problema.

Suas baquetas acompanharam Eric Clapton nos melhores (e mais consistentes) momentos de sua carreira. Aliás, eu acho que ele foi o melhor baterista para EC, pois se entendia muito bem com sua guitarra e sabia a batida certa para suas músicas. Esse disco, aliás, é um dos melhores exemplos. JO toca fácil, sem chamar a atenção (e por isso é que chama), sempre no melhor andamento e sempre com muita firmeza.

JAMIE OLDAKER
“Wondedrful Tonight”
Eric Clapton
Slowhand, 1977

É uma das mais bonitas composições de EC – na sua autobiografia, ele disse tentou fazer algo como “Many River To Cross”, do Jimmy Cliff. Até onde sei, é uma homenagem à sua amada Pattie Boyd, que, graças aos descompasso emocional do autor, inspirou algumas de suas melhores músicas. Mas o importante aqui é falar do andamento dessa música. Não é uma balada, não é um mid-tempo; é lenta, mas é um pouco para frente; não é funky, mas a batida toca um pouco para trás; e é longa (quase 4’). Pô, para tocar um troço desses vc tem que ter muito controle e concentração, além do talento fenomenal para fazer isso soar musical. E JO faz parecer um passeio no parque. É legal reparar que ele usa apenas bumbo, caixa e ximbau e pouquíssimos pratos na gravação. Isso é um statment que só quem tem domínio de sua arte pode fazer.

JAMIE OLDAKER
“Tulsa Time”
Eric Clapton
Backless, 1978

Uma homenagem de EC aos “garotos de Tulsa”, como ele se referia aos músicos que o acompanhavam. Durantes uns cinco anos, EC conseguiu manter praticamente a mesma banda tanto em estúdio quanto ao vivo, e esse entrosamento fica claro em músicas como essa. A bateria toca só o necessário, mas sempre controlando a batida. É legal o fato de JO tocar só no ximbau. Se ele tivesse tocado no prato de condução (no refrão, por exemplo), do jeito que faria a maioria dos bateristas, não seria a mesma coisa.

JIM GORDON

“Keep On Growing”
Derek & The Dominos
Layla and Other Assorted Love Songs, 1970

Jim Gordon é considerado um dos maiores bateristas de todos os tempos. Sua carreira musical é fabulosa, tendo gravado com os maiores nomes dos anos 60 e 70 (Beach Boys, Jackson Browne, Byrds, Carpenters, Joe Cocker, Neil Diamond, Everly Brothers, George Harrison, Carole King, John Lennon, Carly Simon, Steely Dan, Traffic [foi membro da banda], Frank Zappa, entre outros). No entanto, a vida pessoal era um desastre – ele sofria de esquizofrenia e acabou matando a mãe a marteladas. Mas antes dessa tragédia, sua arte por trás dos tambores sempre foi impecável – ele toca simples; com bom gosto; faz as viradas sempre, sempre, sempre, na hora certa; tira um som fabuloso e parece ter um metrônomo implantado em seu organismo.

Junto com EC, participou da curtíssima formação dos Dominos, gravando dois discos. Escolhi essa música pelo balanço sensacional (o baixo de Carl Raddle é perfeito) e pela forma com que JG acentua as partes fortes do compasso. A guitarra de EC está a todo vapor (faz os solos e a base) e o contraponto entre seu vocal e o de Bobby Whitlock é sensacional (olha aqui os dois: http://www.youtube.com/watch?v=QbrKrp2aKVw)
Não acho que o talento de EC como guitarrista tenha sido tão bem captado como nesse disco – talvez pela concorrência saudável com Duanne Allman.

Outro detalhe legal é que a parte final de “Layla”, foi composta pelo baterista Jim Gordon (quem se lembra do filme “Os Bons Companheiros”, com os ex-parceiros de Robert DeNiro e Joe Pesci aparecendo, um a um, devidamente assassinados).

JIM GORDON
“After Midnight”
Eric Clapton
Eric Clapton, 1970

Aqui começa a carreira solo de EC. Esse disco, gravado uns meses antes do “Layla and Other Assorted Love Songs” (com praticamente a mesma banda), apresenta a nova direção que o músico ia seguir por alguns bons anos. Depois de conhecer o casal Delaney & Bonnie, na turnê do Blind Faith, se apaixonou pelo white southern sound dos EUA, abandonando de vez (o Blind Faith ainda tinha uma coisita ou outra) o rock psicodélico dos anos 60. Além disso, “Eric Clapton” traz duas parcerias muito importantes para EC: a com o compositor J.J. Cale (o autor da música em que estão) e a com o brilhante produtor/engenheiro Tom Dowd.

Bom, sobre essa gravação, a bateria de JG (eu acho que tem duas tocando juntas) e o baixo de Carl Raddle funcionam como um trem a todo vapor – eu até diria que o baixo é mais maneiro que a bateria, pois dá todo o balanço. Repare como eles tocam o tempo inteiro, sem dar folga, mas sem nunca correr, sem nunca atrapalhar a melodia. Depois disso, EC nunca, mas nunca mesmo, conseguiu chegar perto dessa versão.

Mais um outro detalhe sobre JG – ele foi o primeiro e principal baterista por trás do Animal, dos Muppets!!!

HENRY SPINETTI
“I Can’t Stand It”
Eric Clapton
Another Ticket, 1981

Esse é um dos poucos colegas britânicos a segurar as baquetas na carreira solo de EC. Músico super tarimbado, HS gravou com uma lista de responsa, especialmente nos anos 80 (George Harrison, Paul McCartney, Bob Dylan e Pete Townshend). Junto com Jamie Oldaker, foi um cara que esteve em momentos legais da carreira de EC. Esse disco, como 90% da obra solo de EC, carece de uma unidade artística mais pensada, um conceito mais sólido. Mas “I Can’t Stand It” se sobressai, tanto pela qualidade da composição quanto pela sintonia com o começo dos anos 80. HS dá uma aula de cadência, alternando o ximbau nas estrofes e no refrão, empurrando e segurando a batida, mas sempre com o balanço certo. Mas mesmo com todos os méritos, esse arranjo, na minha humilde opinião, dá uma derrapada feroz no final, quando entra num clima meio de jam, com paradas meio manjadas (onde, aliás, HS deita e rola com propriedade), que prejudicam um pouco o potencial da música.

HENRY SPINETTI
“It's In The Way That You Use It”
Eric Clapton
August, 1981

Em termos de sucesso comercial, essa é um dos Top 5 de EC. Tocou muito e fez parte da trilha do filme do Scorcese (de novo!), “A Cor do Dinheiro”. De novo, HS impõe seu toque cadenciado e no lugar certo. Já tentei tocar essa música e não cheguei nem perto dessa batida. O som de caixa é cheio (bem anos 80) e preenche maravilhosamente bem os espaços. Agora, repare a diferença dessa produção para “I Can’t Stand It” – aqui não existe espaço para gordura, para jams ou qualquer coisa supérflua à estrutura da música. É um pop perfeito, no sentido da construção e da gravação. Esse disco, aliás, é mais centrado do que a maioria feita por EC. Nessa época, ele estava bem amigo de Phil Collins (que também gostava de entornar umas garrafas), por isso, talvez a tendência para um pop mais estruturado e enxuto. Cheio demais de teclados para meu gosto, mas com certeza bem mais pensado do que seus outros discos.

JIM KELTNER
“Before You Accuse Me”
Eric Clapton
Journeyman, 1989

Ninguém, mas ninguém mesmo, usa os espaços como Jim Keltner. Ele é senhor na arte de tocar na fronteira da batida (nem no centro e nem atrás); com o som meio espalhado; ao mesmo tempo sem definição e com uma pegada solid as a rock. Aqui, ele dá uma aula nesse clássico do cancioneiro blueseiro. O engraçado é notar que EC grava uma música dessas num disco que tem “Bad Love”, um pop de 1ª (apesar de eu achar o parentesco próximo demais de “Layla”). Não critico as escolhas, mas o repertório deixa claro que ele nunca foi muito ligado nos aspectos artísticos de seus discos. De novo, a impressão é que ele chegava atento apenas às letras e às suas guitarras e deixava o resto (todo o resto) nas mão do produtor. Bom, de qualquer forma, ele destrói nessa música, assim, como JK.

JIM KELTNER
“Motherless Child”
Eric Clapton
From The Cradle, 1994

E por falar em blues, esse é um dos discos de EC que eu mais gosto. Já discuti com vários amigos, que acham que ele canta de um jeito ridículo, tentando emular um cantor de blues, mas eu sempre entendi isso mais no sentido da homenagem. Pô, ainda mais sendo ele um fidelíssimo devoto dos ensinamentos originais norte-americanos, não imagino que ele iria, nessa altura do campeonato, querer faturar em cima desse pessoal (ao contrário do que fizeram os Stones e o Led Zeppelin). Bom, mas como o assunto é também Jim Keltner, queria registrar que essa bateria é impossível de ser tocada (hahaha!) Sério! Explico: a maioria das pessoas normais iria tocar todas as notas da caixa com uma das mãos e deixar a outra apenas para os acentos junto com bumbo. Isso facilita a nossa vida, mas endurece a batida a ponto de estragar a cadência. O que JK faz é tocar com a duas mãos, uma de cada vez, do jeito mais elementar do mundo. Só que para tocar assim vc tem que ter um cuidado triplicado para não acelerar o andamento. Nesse sentido, JK é bem o mestre Zen, que entende o universo de tal forma, que o consegue representar da forma mais elementar possível.

Mais detalhes: ele é de Tulsa, assim como Jamie Oldaker, e era parceiro de Jim Gordon.

STEVE FERRONE
“Rollin' and Tumblin'”
Eric Clapton
Unplugged, 1992

Esse é o outro colega inglês que cuidou da batida de EC por um bom tempo – ele, aliás, foi quem veio para BsB nos anos 90. Steve Ferrone é um cara que toca o essencial (até demais, pro meu gosto). Talvez pelo seu passado de bandas de funk, ele não tem aquela necessidade de mostrar que consegue tocar mais do quem simples pa-bum-pa-bum. E mesmo numa música como essa, cheia de espaços para a bateria deitar e rolar, ele se mantém resoluto na batida – uma diferença brutal para a versão do Cream, de quase 30 anos atrás http://www.youtube.com/watch?v=IrQftYFU7Vc&feature=related

E apesar de vir logo depois de uma tragédia descomunal na vida de EC (a morte seu filho Connor), esse disco é, em termos artísticos, talvez o melhor disco de sua carreira.

Já escrevi um pouco sobre Steve Ferrone aqui: http://txotxa.blogspot.com/2007/10/coletnea-vol-1.html

Bom, vou parar por aqui, pq o próximo baterista da lista teria que ser Steve Gadd (um dos meus heróis absolutos), mas que, por isso, precisa de um post só dele. De qualquer forma, eu, sinceramente, acho que a escolha de SG tenha sido também fruto desse aparente desinteresse de EC por seus bateristas, já que os dois vêm de lugares musicais diferentes (e até, distintos).

Ah, só para acabar mais para cima, incluí na seqüência uma versão bacana de EC para o sucesso de Peter Tosh “Watcha Gonna Do” (com a participação do próprio), gravado em 74’, com JAMIE OLDAKER nas baquetas. Essa ligação dos ingleses brancos com o som jamaicano já rendeu muitas merdas (que o digam os maloqueiros desleixados dos Stones), mas de vez em quando a mistura funciona para os dois lados – vide “I Shot The Sheriff”. Aliás, nessa sua autobiografia, EC conta sobre o dia em que recebeu uma ligação de Bob Marley, agradecendo pela versão (e o sucesso e os royalties), mas não entendeu uma só palavra de Bobito :)))

O podcast está aqui agora: http://canal.podcast1.com.br/lomez

abs
Txotxa

Will Calhoun

2010-11-11T15:42:00.012-03:00

Já vi gente enrolada para escrever, mas eu acho que bati o recorde: 2 postagens em 2009 e nada até agora. Bom, vou tentar aqui retomar essa prática que eu tanto gosto e que muito me acalma.

A lista de bateristas que eu gostaria de escrever é grande, bem grande. Até hoje, por exemplo, não escrevi uma linha sequer de dois dos meus maiores mestres: Steve Gadd e Tony Williams. Mas resolvi escrever sobre o William Calhoun antes por conta de uma feliz coincidência: estava com a Plebe no Rio, em outubro do ano passado, madrugando no lobby do hotel para pegar o transporte de volta para o aeroporto, quando dei de cara com todos os living colours, que tocaram no Circo Voador naquela mesma noite. Minha vontade era levantar e pedir um autógrafo para eles, mas a vergonha e o cansaço me mantiveram bem quietinho no sofá da recepção.

No vôo de volta, fiquei pensando nas coisas que me fizeram gostar e, depois, me afastar do som deles. Lembrei do quanto os dois primeiros discos foram impactantes para a minha pós-juventude e o quanto havia detestado o “Stain” (3º disco de estúdio). Gostava muito do EP “Biscuits”, achava a versão Power Mix de “Love Hears It’s Ugly Head” bem legal, e o cover de “Sunshine Of Your Love” era ao mesmo tempo legal e horrível. Lembrei também de uma discussão, por volta de 95, entre dois grandes amigos sobre qual das duas bandas havia influenciado mais gente: Pixies ou Living Colour?

E nessa matemática de gostos e lembranças, fui percebendo que não conhecia nada feito pela banda depois de 93’. Nada, mesmo. Tinha ouvido uma coisa ou outra, muito rapidamente, e só. A carreira de baterista, produtor e estudioso da música africana de Will Calhoun eu ainda acompanhava, mas do Living Colour não sabia bulhufas. Daí surgiu a idéia de unir o útil ao agradável: escrever sobre um baterista que eu conheço bem e aproveitar para dar uma geral no som de sua banda.

Bom, conheci o WC junto com o Living Colour, em 1990. Adorava o disco “Vivid”. Ouvi muito, muito mesmo. Sabia tudo de cor. E ele era um cara muito reverenciado, meio que um fenômeno, que era bolsista na Berklee e um baterista que tinha as manhas das ruas e a técnica das melhores escolas. Lia sempre sobre ele, mas só tinha acesso ao primeiro disco e a um VHS meio pirata de um show deles no CBGB’s e só.

Nessa época, li uma entrevista do Steve Smith (carequinha jazzista que já toucou no Journey) na Modern Drummer. Era uma seção no clima de cabra-cega, onde ele tinha que adivinhar o que tocava na radiola. Na hora de “Cult of Personality“, ele começou a rir e deu uma sacaneada geral na bateria, dizendo que era engraçada (no pior sentido). Ele explicou que WC tocava o tempo inteiro, sem dar respiro, que espremia as viradas em compassos curtos, que fazia questão de fazer coisas complicadas em partes que pediam soluções simples. Resumindo: era um jovem que ainda precisava se encontrar com as baquetas.

Na época eu achei aquilo meio descortês, mas depois entendi perfeitamente o que ele estava dizendo. WC de fato tocava all over the place, querendo mostrar em todas as notas que entendia muito do riscado. E quando saiu o “Time’s Up”, fiquei feliz em perceber que ele estava mais dentro do balanço, menos show-off, mais ligado no conjunto e que aquela coisa de tocar o tempo todo tinha ficado um pouco para trás.

E hoje, vinte anos depois, Will Calhoun continua firme com um dos maiores bateristas do pedaço.

Antes da seleção musical, um parênteses para mostrar o quanto Stevie Smith tinha propriedade para falar de espaços na batida. Veja como ele toca de vez em quando os tambores e como essa música farofa tem um balanço fenomenal http://www.youtube.com/watch?v=barLaHrtvoM

Outra coisa: devido ao longo período de inatividade, perdi a minha conta de podcast.

Por isso, vou colocar apenas os links do YouTube para cada música, beleza?

BURNING THE MIDNIGHT LAMP

Biscuits, 1991

http://www.youtube.com/watch?v=msOhYIL7OAI

A escolha dessa música por si só já é notável, e a versão, nem se fala. Sobra estilo e bom gosto. WC passeia pelas diversas partes rítmicas do arranjo (bem complicado, por sinal), mostrando que não faz feio no sotaque jamaicano. Uma coisa engraçada é que ele, no começo dos anos 90, se ressentia muito do fato de os produtores de hip-hop preferirem às máquinas a um baterista de carne e osso. De certa forma, ele já estava ligado numa tendência que viria a ser moda no século seguinte, com bateristas e percussionistas tocando em cima de bases eletrônicas.

BROKEN HEARTS

Vivid, 1988

http://www.youtube.com/watch?v=2jo253LZwkY

Sempre achei essa uma das melhores músicas da banda. No disco, ficou na medida certa, sem excessos, com uma melodia belíssima, com um solo de baixo sensacional (quem poderia imaginar isso numa música pop?) e com uma gaita tocada por Mick Jagger. O balanço da batida é empolgante (apesar do som horrível) e casa muito bem com o baixo – a precisão do bumbo é digna de nota. Um detalhe bacana é que, na época em que tocavam essa ao vivo, quem disparava os samples era o próprio WC (veja aqui: http://www.youtube.com/watch?v=A4REoOLMtnE). Outro parênteses: sempre achei que as músicas em que Vernon Reid não usa distorção mostram a quantidade de cartas que ele tem na manga, que vão além dos solos rápidos e timbres duvidosos.

TIME’S UP

Times’s Up, 1990

http://www.youtube.com/watch?v=EDw4OiuKeU8

Graças às facilidades do YouTube, pude incluir essa versão gravada no Hollywood Rock de 92’, no Rio. Lembro de assistir esse troço de cabelo em pé, impressionado com a banda e surpreso com a Globo, que transmitiu o show na íntegra (reparem a ótima qualidade do áudio). Essa música, seja ao vivo ou em estúdio, é o melhor cartão de visitas da banda. Sempre me impressionou a entrada – sei que no meio de tantos cucos de relógio existe um que chama o tempo certo, mas nunca entendi qual. Esse show foi impressionante, eles tocaram The Clash e David Bowie, e destruíram as outras bandas – pelo menos para mim. Foi também a primeira vez em que vi o Doug Wimbish no baixo. É engraçado que já dava para perceber eles tocando as músicas antigas de um jeito diferente, com mais peso do que elas tinham na essência, às vezes até ferrando um pouco com os arranjos. Talvez já fosse a matriz do disco “Stain” tomando forma.

TYPE

Times’s Up, 1990

http://www.youtube.com/watch?v=TxkMu8aNJDY

Um dos riffs mais matadores que eu já ouvi. A música, aliás, é uma das melhores. Fico feliz que WC tenha sido o mais simples possível em sua execução, pq ajudou a guitarra a carregar a música. O som de bateria, de novo, me incomoda (acho que era a época, sei lá...), mas não atrapalha em nada a gravação. Aliás, esse disco todo tem um som meio estapafúrdio de bateria, que às vezes funciona muito bem e de vez em quando é um desastre. Nessa música, não ajudou, mas, também não atrapalhou.

Dedico essa ao amigos Carlos Pinduca e Guilherme Gagui, os únicos guitarristas que mostraram o devido respeito pela guitarra de Vernon Reid.

ME, MYSELF, & MY MICROPHONE (with Run DMC)

Judgment Night (Soundtrack), 1993

http://www.youtube.com/watch?v=p1J8_DgWvfI

Aqui WC pôde finalmente mostrar o quanto não devia nada para um beat machine. Um dos melhores momentos dessa trilha – e o filme até que é legal.

MEMORIES CAN’T WAIT

Vivid, 1988

http://www.youtube.com/watch?v=CoOvbNv-XxU

Mais um cover muito bem sacado. Talvez pelas duas bandas serem de NYC (ah, sério, isso não tem nada a ver...), o Living Colour tenha se entendido tanto com essa música do Talking Heads. Na verdade, eles deram uma “acertada”, passaram o gabarito na original, que, de certa forma, ia agonizando, mas sem perder a excelência. A bateria de WC marca o tempo com firmeza e propriedade (apesar de ser o baixo o fio condutor da levada). Aliás, é importante ressaltar o quanto Muzz Skillings era um baixista fora de série (preste atenção nos harmônicos que ele dá no final dessa música). Mesmo tendo gravado apenas os dois primeiros discos, para mim ele é ainda a melhor opção para o grupo. Digo isso pq ele tinha muitas referências musicais e era bom de som. Pena que ele tenha resolvido pular fora...

NEW JACK THEME

Times’s Up, 1990

http://www.youtube.com/watch?v=Vezjmutc4OA

Uma pena que não tenha achado a versão de estúdio, mas eu acho que todo mundo tem isso em casa em algum lugar, né? :) Essa bateria é uma das mais maneiras que eu já ouvi em disco – tem o peso e o balanço na medida exata, misturando hard rock com discoteca sem soar nada estranho. Cada uma das partes do arranjo é pontuada com uma batida diferente, e WC, de novo, mostra que entende do riscado. Aqui, o timbre muito doido de bateria já funciona que é uma beleza.

Bom, era isso.

Como deu para perceber, não incluí nada além de 93’. Ouvi bastante os discos mais recentes deles, mas confesso que não achei nada tão representativo da bateria de Will Calhoun nas coisas mais novas. Quer dizer, tem uma gravação maneira de “TOMORROW NEVER KNOWS”, no disco “Collideøscope” (2003) e uma batida ótima (e super simples) em “BEHIND THE SUN”, do disco “The Chair In The Doorway” (2009). Mas eu acho que o auge da arte de WC (enquanto baterista de rock), seu diferencial, para o melhor e para o pior, ficou ali nos primeiros anos de Living Colour.

abs

Txotxa

Liberty DeVitto

2009-07-01T21:49:00.019-03:00

Eu sei, eu sei, o nome não é dos melhores, mas, de certa forma, combina com seu visual nos anos 80. Mas apesar do nome (que não tem parentesco comprovado com o pequeno ator Danny), Liberty DeVitto é um grande músico. Fodasso, mesmo.

Liberty ficou conhecido por ter sido, durante décadas, o baterista oficial de Billy Joel, o Guilherme Arantes norte-americano. Tanto no estúdio quanto ao vivo, LDV sempre teve uma batida pulsante, bem marcada e sempre tocou com uma propriedade de quem conhece a música de trás para frente.

LDV é um cara que comanda o arranjo. Quando a bateria entra, fica claro (pelo menos eu acho) quem tem as rédeas da música. Nos Beatles, por exemplo, esse chicote sempre me pareceu estar na mão de Paul McCartney. Já nos Stones... :)
E essa característica sempre me atraiu nos bateristas – caras que sabem o arranjo de cor e salteado e, de certa forma, coordenam o som da banda.
Talvez por isso, ele tenha entrado com um processo contra BJ, alegando que ajudou na composição de várias canções nesse período.

Conheci LDV num documentário da turnê de Billy Joel pela antiga URSS. Esse show passava direto na TV, acho que em 1988, e eu sempre ficava de cara com a bateria das músicas. Era um timbre seco, sem muitas nuances, mas com uma precisão e energia incríveis. Aqui tem um trecho http://www.youtube.com/watch?v=ymG2a3t7K2g

Então, vamos à seleção musical de hoje...

Mas antes, uma mudança nesse podcast: em vez de montar uma seleção de várias gravações e momentos de Liberty DeVitto, escolhi um disco apenas para mostrar tudo isso. Além de facilitar a vida do rapaz aqui, incentiva o pessoal a comprar o CD :)

http://lomez.mypodcast.com/

O disco escolhido é um bônus que saiu na edição comemorativa de 30 anos do “The Stranger”, disco mais conhecido de Billy Joel (à venda nas boas casas do ramo por umas 50 pilas). Trata-se de uma gravação feita no Carnegie Hall, em NYC, em junho de 77, meses antes do lançamento do disco de estúdio. E essa gravação ao vivo é foda em todos os sentidos: mostra a banda super coesa, com arranjos de primeira e um som de altíssimo nível.

Vamos às considerações:

1. MIAMI 2017 (SEEN THE LIGHTS GO OUT ON BROADWAY) [Live]
Curto esses shows que começam com esse “drone”, num clima meio do futuro (que, de certa forma, tem a ver com a letra da música). O começo é bem macio, mas quando LDV entra na jogada, já descendo a lenha, mas com muito balanço, a música decola. E o mais legal é que ele mantém esse pique durante todo o disco.

2. PRELUDE / ANGRY YOUNG MAN [Live]
Essa faixa foi o que me inspirou a escrever exclusivamente sobre esse disco. Uma aula de arranjo (½ progressivo + ½ pop) e de execução. O “PRELUDE" é cheio de partes complicadas e LDV acerta na mosca em todas. O ximbau que ele toca no começo, colado no piano, é digno de nota, assim como a gaita tocando o tema. Quando a canção “ANGRY YOUNG MAN” entra, o show começa para valer. Aliás, não sei pq não abriram com esse mix – ia ser mais impactante. Fica claro nessa faixa o quanto Billy Joel é um monstro no piano. Há uns anos, vi na TV ele tocando coisas clássicas, tipo J.S. Bach, sem suar a camisa.

3. NEW YORK STATE OF MIND [Live]
Isso é muito anos 70 – os timbres, o arranjo, os solos. Pq nos anos 60 o som e a execução eram mais frouxos, não tinham essa firmeza. E nos anos 80, essa música teria mil camadas de sintetizadores (tipo as baladas de Peter Cetera no Chicago) e uns 5’ mais curta. Hoje, então, nem se fala... Curto também a moral do sax, solando sozinho, até gastar o fôlego. Quem fazia músicas desse tipo, com mais qualidade, era o Paul Simon, mas, na minha opinião, BJ era mais honesto e menos "loser".

4. JUST THE WAY YOU ARE [Live]
É engraçado sacar a recepção morna do público com essa música, que, pouco tempo depois, iria faturar uns Grammys e bombar nas paradas de sucesso. A batida ao vivo é mais dura do que a versão de estúdio (também gravada por LDV e que eu prefiro), mas mantém o clima. Música foda é assim: funciona em qualquer formato. Se eu estivesse nesse show e fosse um pião de carteirinha, dançaria abraçado com minha mulher.

5. SHE'S GOT A WAY [Live]
Eu adoro o Rufus Wainwright e, de certa forma, até acompanho a sua carreira (apesar de não ter ido ver o rapazola aqui em BsB), mas não me lembro de ouvir o Billy Joel como sua influência – até mesmo pq as influências listadas por ele são coisas como Verdi e Judy Garland. Mas essa música (a voz, o jeito de cantar e tocar, o andamento) parece muito com o som que ele faria hoje.

6. THE ENTERTAINER [Live]
Essa música tem um quê meio brega. Talvez pela letra, não sei, mas eu sempre acho ela meio safada. Mesmo assim, adoro a melodia e a batida. A voz de BJ alcança umas notas altíssimas, mas sem perder a potência. A bateria vai entrando aos poucos (ximbau e bumbo), pontuando a melodia com o baixo e chamando os outros instrumentos para dentro do arranjo. Quando a batida entra para valer, dá para notar que LDV está descendo a porrada, sem economizar um centímetro de músculo. Essa música tem uma batida que é meio complicada de acertar, pq a gente tem a tendência de encher de notas, criando uma onda que nem sempre valoriza o balanço. Mas Liberty segue firme e sólido. É legal perceber como ele toca perfeitamente o bumbo ao longo da música.

7. SCENES FROM AN ITALIAN RESTAURANT [Live]
A música, apesar de um clássico no catálogo de Billy Joel, nunca me empolgou. Me amarro, no entanto, na parte do meio. Mas o legal nessa gravação é ver o quanto a banda anda junta, toda certinha.

8. BAND INTRODUCTIONS [Live]
Aqui ele apresenta a corriola.

9. CAPTAIN JACK [Live]
Essa é uma das primeiras músicas de BJ. Parece que fala de traficantes e junkies de NY. Gosto da forma como LDV vai introduzindo a batida, fazendo a música crescer. Depois do solo de guitarra tem um clima meio zoneado de reggae bem bacana. Mas depois dessa onda, vem uma coisa que eu não esperava: uma catada escrota de LDV, logo na entrada do refrão. Imagino que ele tenha se empolgado e metido, literalmente, os pés pelas mãos. Mas isso não atrapalhou em nada a sua execução impecável (pelo menos até aqui).

10. I'VE LOVED THESE DAYS [Live]

Uma música bem bacana, em que a bateria vai entrando e saindo, criando vários climas. Nessa hora do show já rola um cansaço por causa da seqüência de baladas. Mesmo que a idéia seja criar um clima, eu me amarro quando o set list dá uma quebrada no ritmo (para mais ou para menos).

11. SAY GOODBYE TO HOLLYWOOD [Live]
Aqui eu ficaria de pé, batendo palmas (que pião... :)). Clássico que BJ toca até hoje. Tem um jeitão forte de FM, né? O coro e a harmonia me lembram as coisas do Steely Dan, mas como uma pegada bem mais pop e mais sólida. LDV desce a lenha, sem parecer que já se passaram mais de 50’ de show. E na entrada do solo do sax ele faz uma virada muito bacana.

12. SOUVENIR [Live]
E aqui um clima bacana de bis.

Bom era isso.
abs
Txotxa

Joe Morello

2009-03-10T23:34:00.020-03:00

Mantendo o meu ritmo acelerado e constante de atualizações, vou escrever hoje sobre o grande Joe Morello. Para quem não ligou o nome à pessoa, ele foi, por mais de duas décadas, membro de um dos maiores e mais famosos grupos de jazz de todos os tempos: o The Dave Brubeck Quartet.

Com esse grupo, JM viajou o mundo inteiro (eles eram, REALMENTE, muito famosos) e ajudou a divulgar o jazz em lugares, até então, meio desligados desse estilo musical.

Assim como a maioria de seus colegas, JM descobriu a bateria pelos caminhos da música erudita. Ele aprendeu sobre tímpanos, sinos, pandeiros, pratos e tudo mais. Mas numa época onde as big bands comandavam, Morello se viu rapidamente sentado atrás de um kit tocando jazz.

Hoje, do alto dos seus 80 e poucos anos, é o que ele ainda faz. Na verdade, se especializou também na arte e ensinar. Escreveu dois livros fundamentais sobre técnicas baterísticas e dá aulas para um seleto grupo de alunos sortudos.

A partir da seleção abaixo, vou tentar explicar o que faz com que JM seja considerado um dos maiores bateristas de jazz de todos os tempos. E para mostrar o quanto isso procede, li certa vez que Buddy Rich, quando estava nas últimas, adoecendo num quarto de hospital, disse para sua esposa: “Diga ao Joe que não pare nunca de tocar. Ele é um dos poucos que entendem do assunto”. Quer credencial melhor do que essa?

Ah, para facilitar a vida de todos (especialmente a minha), só escolhi músicas dos anos de Morello com Dave Brubeck, na formação clássica do quarteto, que contava ainda com baixo seguro de Eugene Wright e com o sax mais lírico do jazz, Paul Desmond.

Vamos às músicas:

Podcast: http://podcast1.com.br/canal.php?codigo_canal=705

(tive que mudar de novo o servidor...)

WATUSI DRUMS
Time In, 1966
É impressionante a qualidade técnica de JM nessa música. Repare como a mão esquerda toca a caixa o tempo inteiro (e ainda dá uma dinâmica fenomenal). Tão difícil quanto tocar essa batida é imaginar a falta que ela faria nesse blues. Aliás, sem querer desmerecer a genialidade de Paul Desmond, mas eu adoro quando o quarteto vira trio e podemos ouvir o quanto Dave Brubeck e Eugene Wright sabiam swingar.

COUNTDOWN
Countdown: Time in Outer Space, 1962
Aqui Joe Morello toca também os tímpanos – coisa que ele aprendeu desde cedo, numa formação erudita de 1a. De novo, o quarteto funcionando muitíssimo bem como trio. Dave Brubeck toca um piano boogie-woogie digno da realeza de New Orleans. Como o nome do disco já diz, o tempo aqui foi para o espaço. Pelo menos no que diz respeito à tradição do jazz, acostumada aos compassos de 2, 3 e 4 tempos. Mas o TDBQ faz esse tempo de 5 (pelo menos eu acho que é isso) soar agradavelmente redondo.

CHARLES MATTHEW HALLELUJAH
Time Further Out, 1961
Essa foi escrita para celebrar o nascimento de um dos filhos de Brubeck. Sempre gostei dessa música pela forma como o sax alto e o piano vão se revezando no esquema de pergunta e resposta da melodia. E as vassourinhas de Joe Morello parecem que vão levantar vôo, tamanha é a velocidade desse andamento (*). O solo que ele faz é de muito bom gosto, além de muito técnico. Aliás, um dos diferenciais de JM para os outros grandes que tocavam em sua época (Buddy Rich, por exemplo) é que ele tocou com o mesmo grupo, com as mesmas pessoas, nesse formato de quarteto, durante muito tempo. Querendo ou não, ele acabou adaptando a sua tremenda técnica aos limites do conjunto. Diferente do que fazem boa parte dos bateristas de jazz, que “precisam” mostrar o quanto são fodas o tempo inteiro, JM toca 100% como parte do time. E nesse ponto, ele se aproxima muito dos (bons) bateristas de rock, que pensam a sua bateria nunca em termos técnicos, mas sim como parte do todo.

(*) Ah, por falar em andamento rápido, queria indicar esse vídeo do sensacional Bill Cosby. Vale muito a pena... principalmente, a partir do 1o. minuto. Bill Cosby @ Dick Cavett

IT'S A RAGGY WALTZ (Live)
The Dave Brubeck Quartet at Carnegie Hall, 1963
Resolvi arriscar e colocar uma música de 7’. Preferi essa versão a de estúdio pq mostra o quanto esse quarteto sabia improvisar. Uma das críticas que o grupo recebia de muita gente (muita gente boa, inclusive) era que tocavam muito dentro dos limites do tema, sem muito espaço para o improviso (que é a razão de ser do jazz). Mas essa música (e esse disco) mostra que a crítica se dava mais, talvez, pelo sucesso que faziam do que propriamente por suas habilidades criativas. Quer ver, repare como DB, no meio de seu solo, empurra a batida para um swing clássico, enquanto os outros permanecem firmes do 3/4, lá pelo 12’26” do podcast.

KATHY'S WALTZ
Time Out, 1959
Clássico. Tava lendo algumas coisas aqui e descobri que esse disco (que tem o mega hit “Take Five”, com um solo de bateria tão conhecido quanto “Moby Dick”) chegou ao Top 5 da Billboard quando foi lançado. Que coisa, não? É impressionante o quanto esse disco, ainda hoje, agrada qualquer um de primeira. Mesmo que o freguês não entenda nada de jazz, acaba se interessando muito pelo som. Cá para nós, foi exatamente o que aconteceu comigo :)). Bom, sobre essa música, é interessante notar que ela começa com um swing e logo cai para o tempo de valsa (quando entra o sopro). Até aí, tudo bem. O grande barato é quando o solo de piano já está lá pelo meio e Dave Brubeck começa a mudar o pulso, tocando um clima de swing, enquanto a bateria fica na valsa e o baixo se mantém firme na batida.

SHORT'NIN' BREAD
Gone With The Wind, 1959
Pensei muito antes de colocar essa música porque, mesmo sendo curta, é praticamente um solo de bateria (o que, a princípio vai contra as regras desse blog). Mas acho que ela ajuda a mostrar o quanto Joe Morello era musical e cheio de swing. Experimente bater palma ou o pé junto com o ximbau. Quando menos esperar, vai estar dançando...

HE DONE HER WRONG
Time In, 1966
E por falar em dançar, isso é o mais próximo que um compasso de 5 tempos chegou de um agito festivo (pelo menos em terras ocidentais). Gosto muito do esquema do pandeiro por cima da caixa (eu acho que é assim que ele toca). Um balanço de primeira qualidade!!!

MAORI BLUES
Time Further Out, 1961
Rapaz, como eu ouvi esse disco... Tenho ele em vinil, em cd e em cassete. Tem uma capa maneiríssima – uma pintura de Joan Miró. Aliás, o subtítulo do álbum é “Reflections on Miró”, já que o quadro em questão é cheio de números espalhados, e Dave Brubeck resolveu montar as músicas nos compassos referentes a cada um desses números. Essa música mostra bem as diferenças de clima entre o swing e o blues. Repare como ela começa mais carregada e, aos poucos, o piano vai se soltando e “correndo”para um pulso mais jazz. A bateria acompanha, mas o baixo fica como está, e isso cria uma tensão bem bacana.
Olha a capa aqui:

SOBRE LAS OLAS
Bravo! Brubeck!, 1967
Essa gravação foi feita ao vivo no México, junto com uns músicos mexicanos. É interessante notar o quanto Joe Morello, sendo um brancão de Boston, interage bem com os bongos latinos. Tendo a acreditar que não existe barreira cultural quando falamos de grande músicos, e aqui isso bem claro, não? Muito legal também a forma com que JM, na hora do tema tocado pelo violão, abre e fecha suavemente seu ximbau. Classe de sobra...

CAMPTOWN RACES
Gone With The Wind, 1959
A 1a. vez que ouvi essa música foi no filme mega-indie-clássico instantâneo “Consciência Limpa”, do meu grande amigo Jr. Elcio, lá por volta de 1991. É impressionante o poder que a música certa num filme exerce sobre nós. E esse é um dos casos, certamente. Depois, quando fui prestar mais atenção nessa gravação, fiquei de cara como essa bateria é de outro mundo. Repare que JM, quando está nas vassourinhas, está tocando o bumbo como se fosse um surdo, cheio de inflexões difíceis até para as mãos (o que dizer para os pés!!). Uma aula de orquestração e bom gosto para deixar qualquer um de queixo caído.

UNSQUARE DANCE
Time Further Out, 1961
Essa nem tem tanta bateria assim, mas acho legal o clima das palmas e o desafio de tocá-las no tempo :)) E dou 2 reais para quem conseguir explicar o final.

BLUE RONDO A LA TURK
Time Out, 1959
Como escrevi a algumas músicas atrás, esse disco me impressionou numa época em que eu não sabia (nem queria saber) nada de jazz. Estava no 2o. grau e minhas preocupações musicais eram outras. No entanto, quando peguei esse disco emprestado com o amigo Espiga (um dos fundadores do grupo TUBA ANTIATÔMICA), junto com o "Blues on Bach"(Modern Jazz Quartet), fiquei de cara. Mesmo sem entender tudo que estava lá, sabia que era um som do caralho. E essa música, a 1a. do disco, é muito impactante. Até hoje considero essa introdução uma das coisas mais maneiras já feitas por um grupo. Repare como a bateria vai entrando aos poucos, como o sax ora reforça a linha melódica do piano e ora expande essa melodia.
Nota 10!

Era isso.
abs
Txotxa

Chad Smith

2008-12-01T00:06:00.007-03:00

De volta ao batente.
Depois de um semestre de folga, resolvi criar vergonha na cara e postar alguma coisa. Primeiramente, queria agradecer aos colegas que postaram comentários corrigitivos às considerações que fiz sobre Carlton Barrett. No começo, fiquei envergonhado de ter escrito besteira, mas, depois de ter domado meu espírito leonino, entendi que isso faz bem ao processo de resenhar qualquer coisa. Quando a gente começa a acreditar que sabe muito, tá passando da hora de aprender mais.

Dito isso, vamos ao homenageado de hoje: CHAD SMITH.

Os amigos mais próximos sabem que nunca poupei críticas a ele (e, especialmente ao vocalista Anthony Kieds). No entanto, ao longo dos últimos anos, fui criando uma simpatia pelo gigante baterista – seja por sua persona, seja pela sua qualidade como músico.

Tanto que hj, depois de muito reclamar de sua batida (muito quadrada e repetitiva), entendo, finalmente, o que CS quer dizer quando desce a porrada em seu kit. Na verdade, não é nada de tão misterioso assim: Chad Smith toca o que pede a música. Nem mais, nem menos. E ouvindo atentamente os discos do Red Hot Chili Peppers (e as coisas que ele anda gravando com o Glenn Hughes, ex-Deep Purple), fica claro que ele entende muito bem do riscado.

Além disso, falar de Chad Smith é falar do baterista de uma das maiores bandas do planeta atualmente. E de lambuja me sobra espaço para escrever sobre o Flea, que, na minha humilde opinião, é um dos maiores baixistas de todos os tempos.

Vamos à seleção: http://lomez.mypodcast.com

SIKAMIKANICO
Blood Sugar Sex Magik, 1991 (Outtakes)
Ouvi essa pela 1a vez no filme “Wayne's World”, quando Wayne e Cassandra passeiam de Mirthmobile pelas ruas de Aurora, subúrbio de Chicago (momento nerd, hehehe). Depois, naquele documentário sobre a gravação do BSSM, vi o Frusciante gravando esse riff. Não entendo pq essa música não entrou no disco... De qualquer forma, gosto muito da forma com que Chad Smith toca essa batida, que muito parece um James Brown ligado em anfetamina anos 90. Outra coisa legal do arranjo é que o baixo não toca nas estofes. Essa música mostra muito bem a potência sonora do RHCP nessa época. É uma pena que o Frusciante não tenha agüentado a vida nas turnês e pulado fora (o que acabou levando-o a uma vida de mendicância). Sabe-se lá como seria o som deles se tivessem continuado nesse rumo?

I LIKE DIRT
Californication, 1999
Aqui CS leva um som bem no estilo dos vizinhos californianos do Tower of Power. Sua batida nessa música lembra muito (e não fica devendo nada) o toque de David Garibaldi, com umas subdivisões bem sutis e cheias de balanço. Esse tipo de composição é a cara do RHCP: um riff bem sacado e muitas horas de Jam até acertar a estrutura. E o engraçado é que ela é uma das poucas faixas desse disco que não sofrem do mal de um arranjo mal feito, com um refrão que não tem ligação com as estrofes (nem harmônica, nem melódica). De qualquer forma, “Californicaton” marca dois momentos importantes para o grupo: a volta do Frusciante (ainda meio debilitado pelos anos de junkie) e o retorno ao topo das paradas de sucesso no mundo inteiro.

NOBODY WEIRD LIKE ME
Mother's Milk, 1989
Fora o RHCP, acho que nenhuma banda conseguiria gravar um troço desses, com baixo e bateria a mil por hora, colados, tocando uma batida meio complicada e cheia de inflexões. O final da música é meio doente, mas funciona bem. Gosto muito da paradinha que acontece em 8’17”.

TURN IT AGAIN
Stadium Arcadium, 2006
Esse disco tem um som sensacional. É diferente de todas as coisas que o RHCP já gravou, e a voz de Anthony Kieds até que desce macia. Aquela onda de riff + jam parece que não cola mais, e as músicas estão mais com jeito de canção. Até mesmo esse refrão, que a princípio soa estranho em relação às estrofes, tem a ver com o clima da música. A bateria de CS serve muito bem à música (especialmente nas estrofes), com uma batida sólida e cheia de balanço. Com todo o respeito, eu só cortaria o solo de guitarra no final (muito longo, não?). Aliás, é o que vou fazer ☺. Desculpem os guitarristas, mas vai rolar um fade out nesse final...

THE RIGHTEOUS & THE WICKED
Blood Sugar Sex Magik, 1991
Lembro de uma entrevista do grande baterista norte-americano Steve Jordan onde ele analisava vários bateristas de bandas novas. Quando chegou no RHCP (não era essa a música) ele meio que deu uma sacaneada, dando a entender que faltava swing, que a batida era muito dura e tal. Mas isso, no fim das contas, era apenas implicância com o fato de os branquelos da Califórnia estarem sendo vendidos (e muito bem) com uma banda que tinha funk em algum lugar do sobrenome. O fato é que a onda de Chad Smith era outra. O funk dele estava muito mais para John Bonham do que para Funkadelic (apesar das muitas semelhanças). Essa música mostra bem a marcação sólida de CS, sem muitas inflexões, sem muita ligação com o passado da música negra dos EUA. Talvez por isso a bronca de caras mais “old school” com a bateria de Chad Smith. Nada a ver a implicância, já que o som funciona que é uma beleza.

ON MERCURY
By The Way, 2002
Escolhi essa pq é uma das poucas em que CS toca de um jeito mais tradicional, mais rock, meio ska, com o tempo dobrado. Estava lendo uma entrevista do Frusciante (maior responsável pelas melodias e harmonias do grupo) em que ele diz, na época desse disco, estar mais ligado em canções mais estruturadas, em acordes mais bonitos. E essa música é bem nessa linha, com uma estrutura que funciona bem no violão (e sem solos!). Um dos poucos momentos do RHCP sem guitarras distorcidas. Bela música (com guitarras muito bem sacadas).

WALKABOUT
One Hot Minute, 1995
Quando saiu esse disco, me lembro das brincadeiras que fazíamos em relação ao fato de o Dave Navarro ser “menos burro” que os outros 3, o que dificultaria a sua permanência na banda. Não durou dois anos, mas valeu a pena, pq esse disco tem uma cara diferente. É mais amarrado, mais pensado e menos Jimi Hendrix do que todos os outros da carreira do grupo. E a bateria de CS se enquadrou muito bem nessa realidade, tocando partes mais estruturadas, com um som de bateria mais “moderno”, com mais graves, com mais tambores. É um disco meio deprê, mas muito bem acertado.

HUMP DE BUMP
Stadium Arcadium, 2006
Vou ser bem sincero: a bateria é bem maneira – sólida, toca pouco e com eficiência – mas o baixo aqui é a coisa que se sobressai. Que som, que execução! Esse Flea é mesmo de outro mundo. E até o trompete meio doido que ele toca funciona que é uma beleza. Música nota 10!

UNIVERSALLY SPEAKING
Live in Hyde Park, 2004
De novo, uma batida que não estamos acostumados a ouvir num disco dos RHCP, numa estrutura pop (no melhor sentido) que funciona muitíssimo bem. Chad Smith segura o arranjo e mostra o lado de quem já curtiu muito Ringo Starr. Gosto dessa música pq o baixo de Flea passeia pelos acordes, deixando claro o quanto ele é diferenciado como músico. Grande momento da banda, neste momento, certamente, uma das 5 maiores do mundo.

FUNKY MONKS
Blood Sugar Sex Magik, 1991
Foda, foda, foda de tocar. Esse lance de o ximbau só tocar o contratempo, nesse andamento, exige que o cara tenha a batida sob controle. Se correr, estraga tudo; se atrasar, desanda o caldo. Chad Smith tira de letra e ainda dá uma pressão fudida. Outra parte que é complicada é a levada no solo de guitarra, no prato de condução. Dessa geração, talvez apenas o Fish (baterista do Fishbone) poderia ter gravado essa. Grande som e execução impecável. Esse disco, acho que no mundo todo, fez muitas bandas embarcarem na onda do funk metal.

MAGIC JOHNSON
Mother's Milk, 1989
Essa poderia servir de parâmetro para medir a capacidade física de um baterista. Tocar desse jeito, com esse volume (acredite, ele está descendo a lenha!), numa música cheia de partes e num andamento assim é coisa para poucos. Nesse disco, Chad Smith mostra que a troca de bateristas não trouxe prejuízo para ninguém. Mesmo que Jack Irons pudesse ser considerado um músico com mais vocabulário, CS trouxe peso e energia imprescindíveis para a guinada musical proposta pela mente de John Frusciante.

Era isso.
Abs
Txotxa

Coletânea, vol. 4

2008-04-29T09:46:00.014-03:00

Mais uma seleção para começar bem a semana...

GLENN KOTCHE
"Walken"
Wilco (Sky Blue Sky, 2007)
Confesso que o Wilco sempre ocupou pouquíssimo espaço na minha cabeça. Nos anos 90 existia um bando de grupos legais que eu só conhecia de nome. Eram bandas sempre elogiadas, consideradas extremamente cool, e o Wilco era uma dessas. E como eu nessa época ouvia coisas mais antigas, deixei essa música de lado, já que não dava conta de acompanhar as mudanças no rock. O fato é que dez anos depois, assisti a um vídeo do baterista Glenn Kotche (que nem é o original do Wilco) e fiquei de cara. Bom, fui atrás da banda, claro, e me amarrei no que ouvi. Essa música é do último disco deles. Gosto muito da forma como a bateria entra no clima do arranjo (que é sensacional) sem chamar muita atenção.

RICK BUCKER
"Going Underground"
The Jam – Going Underground (Single), 1980
Essa introdução me quebrou a cabeça por muito tempo. Não acertava de jeito nenhum a contagem desse troço. Acho essa bateria uma das coisas mais maneiras que o rock já produziu (e a música também). Reparem como ela vai mudando de acordo com o arranjo – na estrofe toca uma coisa, no refrão outra, no bridge outra diferente. RB é um baterista de mão cheia. Todas as baterias do Jam, desde o 1º single, soam sempre muitíssimo bem. Nota 10! Uma das melhores bandas de todos os tempos.

BILLY COBHAM
"Celestial Terrestrial Commuters"
The Mahavishnu Orchestra – Birds of Fire, 1972
O impacto causado por Billy Cobham entre os bateristas nos anos 70 foi algo assustador (pelo menos já li mil baterista geniais falando exatamente isso). Não só pelo seu tipo físico (forte igual a um touro, posso dizer, já que o vi bem de perto em uma clínica realizada na Escola de Música, há uns 12 anos), mas BC sempre foi o mais próximo que um baterista conseguiu chegar de um super-herói. Sua capacidade musical aplicada à bateria, em especial com o Mahavishnu, permanece como um dos pontos de transição da bateria moderna. Nunca ninguém havia tocado desse jeito, com tanta força, com tanta velocidade, com tanta técnica e com tanto virtuosismo. Escolhi essa música pq, além de muito maneira, mostra bem a categoria de BC, que passeia por todas as partes (dificílimas, por sinal) sem perder o rebolado.

BENGT LAGERBERG
"The Boys Are Back In Town"
The Cardigans – The Other Side Of The Moon, 1994
São muito conhecidas as versões do Cardigans para duas músicas do Black Sabbath. Nos dois casos, eles conseguiram uma coisa que é o sonho de qualquer banda que se arrisque a fazer um cover: criar uma coisa nova, original, mas sem perder o norte do som original. O único problema, ao meu ver, é que, no processo, eles tiram todo e qualquer traço de macheza que a música um dia teve (hahaha!). Sério, isso incomoda um pouco. E o que dizer então dessa versão para o clássico do Thin Lizzy? Bom, de novo, deram uma esterilizada no som do grupo irlandês, mas, por outro lado, deram uma solução bacana para o balanço e para a métrica da melodia. Independente disso tudo, o Cardigans é uma banda fodassa, e o baterista, excelente – excelente, mesmo. Toca simples, mas tem um arsenal de sutilezas que de vez em quando entram em cena e levam a música para outro lugar.

GREGG BISSONETTE
"Two Fools A Minute"
David Lee Roth – Skyscraper, 1988
Bom, se o assunto antes era um som de mulherzinha (rs), agora a coisa muda de figura. Esse foi um dos discos que mais ouvi na vida. Quer dizer, pelo menos durante o último ano do meu 2º grau. Mesmo com tudo de ruim que a figura de David Lee Roth possa sugerir para alguns, uma coisa é certa: ele canta muito e sua ignorância é genuína! E a banda desse disco é sensacional (na verdade, é a mesma do disco anterior). É curioso o quanto o rock de hoje não comporta esse tipo de excesso instrumental. Imagine uma banda em que cada um dos músicos tem um espaço garantido para solo, independente da composição? O único lugar que isso ainda persiste é no nicho nu-instrumental-fusion-progressivo de troços como Dream Theater e tal. Mas esse tipo de som deixou de ter ligação com o rock’n’roll há muito tempo.
Por um lado, é uma pena que as bandas de hoje, muitas delas, simplesmente tenham deixado de lado essa coisa saudável de querer ser um bom instrumentista (com limites, é claro). Às vezes, conta mais pontos ter um visual bacana na bateria do que saber bater um pé depois do outro. O fato é que Gregg Bissonnette (junto com Billie Sheehan e Steve Vai) tinham musicalidade de sobra – e um dos piores cortes de cabelo que a MTV já exibiu. Mas a potência sonora de GB é avassaladora. Até hoje, 20 anos depois, ele é firme igual a uma rocha, além de ser um dos bateristas mais requisitados em estúdio. Para se ter idéia de sua competência, o próprio Stewart Copeland contrata os serviços de GB para gravar as suas trilhas sonoras.

FRANK BEARD
"La Grange"
ZZ Top – Tres Hombres, 1973
Dando seqüência à sessão macheza, aqui vai um grupo que melhor representa o termo “música de homem” (termo de sob licença do amigo Elcio Jr.). Essa música é bem conhecida e traz o estilo boogie de John Lee Hooker na veia. O baterista FB é um cara bem discreto, mas nessa gravação mostra o quanto sabe de shuffle (essa batida é quase impossível de ser tocada com essa fluência). Aliás, uma de suas viradas (a que antecede o solo de guitarra) foi eleita uma das 10 melhores dos anos 70 pelos editores da revista Modern Drummer. Essa é para bater o pé e quebrar a garrafa de cerveja na cara do vizinho de mesa.

LEVON HELM
"Mystery Train"
The Band (with Paul Butterfield) – The Last Waltz, 1978
Isso aqui é o gabarito de como a música do sul dos EUA deve ser tocada. Apesar de 3/4 do The Band serem canadenses, eles entendiam bastante do riscado (muito graças ao grande Levon Helm, que era americano). A gravação desse show, feita por Martin Scorcese, é uma das coisas mais maneiras que já vi. Recomendo para quem estiver de bobeira no site da Americanas (custa míseros R$ 19,00). Aqui, o grupo estava fechando as portas do negócio (pelo menos na formação original), mas ainda segurava o rojão como ninguém. E Levon Helm, que aliás é um dos cantores dessa música (e de muitas outras), passeia, acertando a dinâmica e a cadência para os colegas. Nem mesmo a versão do rei Elvis Presley possui essa crueza e esse balanço.

JEFF PORCARO
"Gaucho"
Steely Dan – Gaucho, 1980
Esse é um dos caras mais reverenciados na comunidade baterística. Além de membro do Toto (aquele super grupo meio brega), JP gravou com uma centena de estrelas nos anos 70 e 80. Escolhi essa gravação pq acho que mostra bem algumas de suas principais características: um pocket profundo (aquela coisa de segurar a batida, de tocar mais para trás do compasso); um som de ximbau fabuloso; e uma jeito muito macio de resolver todas as passagens que a o arranjo exige. Esse disco do Steely Dan é meio palha, mas essa música meio que se salva. Já a performance de JP está no nível das melhores coisas que ele já gravou.

NDUGU CHANCLER
"Billie Jean"
Michael Jackson – Thriller, 1982
Sei que todos já ouviram essa música pelos menos umas 200 vezes, mas vou propor aqui uma outra perspectiva aos ouvidos. Concentrem-se apenas na bateria. O tempo todo, fiquem ligados na forma como a bateria de NC mantém-se cadenciada, como se fosse uma máquina (no melhor sentido da comparação). Tocar isso, desse jeito, com essa galera pela frente (Michael Jackson e Quincy Jones) é um dos maiores desafios que um músico pode encontrar pela frente. E Ndugu se saiu tão bem que essa gravação é considerada sinônimo de perfeição. Sério, qualquer elogio é pequeno perto do que fez o homem nessa sessão. Não é à toa que Thriller é um dos maiores discos de todos os tempos.
E para quem se lembra daquela história (http://txotxa.blogspot.com/2007/05/bernard-purdie.html) sobre aquele meu primo que me garantia que a bateria eletrônica iria tomar o lugar dos bateristas, incluo essa música também na jogada.

MICKY WALLER
"Maggie May"
Rod Stewart – Every Picture Tells A Story, 1971
E como estamos nessa onda de caras que tocam para a música, aqui vai um ótimo exemplo: Micky Waller. Confesso que nunca ouvi falar dele. Nunca, mesmo. Mas fui atrás das coisas que ele gravou e vi que várias estão na estante lá de casa. Escolhi essa música do bom Rod Stewart, antes de ele virar o que virou, pq tem uma batida bem simples, quase Charlie Watts (só que com mais vitamina). Reparem como MW toca o ximbau poucas vezes, e como isso não atrapalha em nada o clima da música. De novo, aquela idéia de que o violão facilita muito a vida do baterista. Um clima desses, aliás, Rod Stewart nunca mais conseguiu em nenhuma de seus discos.

DAVID LOVERING
"Bone Machine"
Pixies – Surfer Rosa, 1988
Pixies é uma banda que eu só fui entender há pouco tempo. Apesar de muitos dos meus amigos adorarem, eu nunca tive muita simpatia pelas músicas. Mas ouvindo com o coração aberto, sem as dúvidas de anos atrás (hehe), percebi o quanto as composições são fodas. O guitarrista J. Santiago eu já sabia que era excelente, pq o Carlos (do Prot(o)) sempre o elogiou. Mas o baterista David Lovering nunca havia me chamado muito a atenção – pelo menos até eu ouvir essa música. Fiquei muito de cara com a construção dessa bateria, que parte de um princípio bem simples: tocar o backbeat no tempos 1 e 3, ao invés dos tradicionais 2 e 4. Aliás, várias músicas dos Pixies têm essa onda de tempo deslocado, que nos joga meio para fora da batida. Muito bom esse disco (e todos os outros aliás). Um fato curioso que descobri ao procurar uma foto de DL é que ele é um mágico de respeito. Mágico!!! Vai entender...

TERRY CHAMBERS
"English Roundabout"
XTC – English Settlement, 1982
Já falei isso algumas vezes nesse blog, mas o cara que consegue compor e tocar uma música nesses compassos de 5 e 7 tempos e ainda deixá-la macia aos ouvidos é alguém para quem eu tiro o chapéu – no melhor estilo Raul Gil (hahaha!). E essa música é exatamente o caso. Essa banda, aliás, é de uma categoria e de uma competência impressionantes. Mr. Seabra (Philippe) foi quem me apresentou esse som, e, desde então, o XTC tornou-se uma referência absoluta para arranjo e gravação para mim. Esse disco é a prova disso. Não há nenhuma nota fora do lugar, nenhuma redundância, nenhum timbre mais ou menos. Num certo sentido, é perfeito. Assim como essa gravação, que, mesmo tocada no tal compasso de 5 tempos (conte aí nos dedos e sinta o clima) tem um balanço fenomenal. E ainda com uma pegada forte de reggae! Impressionante, mesmo. Lendo sobre o XTC, descobri que Terry Chambers gravou os cinco primeiros discos da banda, além de ser um dos membros fundadores. E ainda achei isso aqui na Wikipedia: Terry is widely regarded in drumming circles as one of the most innovative and also most underrated drummers of his time. He is now a business owner in the construction industry, and is no longer involved in the music industry himself. Legal e deprê, né?

GARY MALLABER
"Everyone"
Van Morrison – Moondance, 1970
Devo muito a uma dupla de irmãos que me ajudou diminuir a orelha de burro musical. Quando tocava com os irmãos Beto e Ju, no Beto Só e os Solitários Incríveis, fizemos um show acústico que tinha no repertório uma música do Van Morison (“Crazy Love”, se não me engano). Na época, só conhecia um disco dele com uns standards de jazz. Achava legal, mas não chegava nem perto, descobriria logo em seguida, das coisas que ele gravou no começo dos anos 70. Esse disco, aliás, é uma obra prima. E ouvindo os outros que vieram na seqüência (“His Band And The Street Choir”, “Tupelo Honey” e “Saint Dominic's Preview”), percebi que, além de fodassos, todos tinham, na sua maioria, uma batida bem funky e cheia de swing. E quando fui checar o baterista, descobri que Gary Mallaber havia gravado 90% delas. Daí, foi como se eu tivesse descoberto o mapa da mina GM: ele gravou com Bruce Springsteen, Steve Miller Band (era membro do grupo), Jackson Browne, Beach Boys, Bonnie Raitt, entre outros. E, para melhorar a coisa, foi dele a bateria de uma das músicas que mais gosto de Peter Frampton (“I Can’t Stand it No More”). Com um currículo desses, não é de se admirar a forma com que ele toca essa música de VM. Cheia de rufos, paradas e de passagens suaves, mas que ele segura no braço, com muita firmeza. De novo, uma música num compasso ímpar (3 ou 6 tempos, dependendo do freguês) que soa bem macia. Ela, aliás, tem um lance maneiro que é o 3/4 (6/8) tocado contra o 2/4 (ou 4/4), o que cria um balanço ótimo. Aliás, Oswaldo Montenegro, que de ótimo não tem nada, criou várias de suas músicas nesse clima.

Podcast: http://lomez.mypodcast.com/

Era isso.
abs
Txotxa

Carlton Barrett (1950 – 1987)

2008-04-11T16:57:00.012-03:00

Montar um podcast sobre Carlton Barrett é ao mesmo tempo um clichê desgraçado e uma novidade exclusiva.

O clichê é mais fácil de se perceber, já que a onda do reggae e o estilo de vida jamaicano (parte dele) estão impregnados em nossa cultura. Desde um mendigo da Cracolândia, em São Paulo, até o Luciano Huck (outro tipo de mendigo paulista), todos sabem cantar pelo menos uma música de Bob Marley (e sabem bem quem foi o homem). Por isso, escolher algumas dessas músicas pode dar a impressão de que estou chovendo no molhado, de que fiz uma seleção meio safada. Daí a idéia do clichê.

E a exclusividade vem do fato de que o reconhecimento da arte de Carlton Barrett ser inversamente proporcional ao sucesso das músicas de Bob Marley. Pouco, ou quase nada, se fala do baterista. Sly Robbie, por exemplo, tem muito mais nome e moral do que CB. Tudo bem que o outro é produtor e transita em várias áreas, mas é inadmissível que CB (junto com seu irmão, Aston) seja reverenciado apenas pelos entendidos do assunto.

Por tudo isso, vou tentar aqui homenageá-lo da forma adequada.

Mas antes uma historinha...

No auge da minha indolência juvenil, em 1990, recebi o convite do amigo Beto Bugarim para tocar num projeto de reggae chamado Cravo Rastafari (que, anos depois, viria a se tornar o Maskavo Roots – hoje apenas Maskavo). No repertório de 4 músicas tinha uma dos Slickers (Johnny Too Bad) e 3 de “Bobito” (Jammin’, Stir It Up e, claro, Woman No Cry). Fui lá, tirei as músicas e até que tocamos bem na estréia. Tão bem que, mesmo com apenas essas 4 músicas, tocamos em tudo que é lugar de BsB. Claro que a época ajudou, já que a tal cultura jamaicana ganhava cada vez mais espaço junto aos formadores de opinião de nossa cidade: os playboys.

Bom, o fato é que passei uns bons anos tocando esse som (além daquelas 4 músicas), mas sem nunca entender, de verdade, a grandeza e a peculiaridade dessas baterias. Lembro até de um professor que tive (o único e que durou umas 3 aulas) me explicando a batida do reggae. Ele tocou a levada de “Reggae Night”, do Jimmy Cliff, e passou para próxima lição. Vai entender...

Hoje, eu me considero um cara que tem alguma noção de como se fala essa língua do reggae. Na verdade, achei uma definição no site do curso de alemão Goethe que define bem a minha relação com os vocábulos jamaicanos: “É capaz de compreender e usar expressões familiares e quotidianas, assim como enunciados muito simples, que visam satisfazer necessidades concretas. Pode apresentar-se e apresentar outros e é capaz de fazer perguntas e dar respostas sobre aspectos pessoais como, por exemplo, o local onde vive, as pessoas que conhece e as coisas que possui. Pode comunicar de modo simples, se o interlocutor falar lenta e distintamente e se mostrar cooperativo.” Perfeito.

Bom, mas que diabos essa música tem de tão difícil assim? “Será que fumar 1kg de maconha diariamente e desligar a água do chuveiro por 3 anos não é suficiente para entender o gingado de Trenchtown?”, alguns podem se perguntar. Eu diria que não é o suficiente, apesar de que isso pode até ajudar em termos de andamento :-).

A dificuldade, ao meu ver, é a pulsação. É isso que derruba a maioria dos bateristas que se aventuram por essas terras. Nós estamos acostumados a ouvir o rock, aquele compasso que é uma linha reta, sem sobressaltos, onde o caminho mais indicado é sempre seguir adiante.
Desde Buddy Holly, passando pelos Beatles, até o Nirvana, a pulsação (nem sei se estou usando o termo corretamente) é bem parecida. Independente da velocidade, o 1 no rock (e suas adjacências) tem o mesmo tamanho, a mesma força e o mesmo endereço.

Já no reggae, a batida ganha destaque nos respiros desses tempos (contratempos), e o tempo forte passa ser o 2, que, no estilo one drop, é tocado pelo bumbo. E isso vai contra a noção de backbeat – aquilo que as pessoas instintivamente acompanham com as palmas e que serviu de base para tudo que veio a partir do jazz de New Orleans.

Assim, o desenho na cabeça do baterista muda completamente. Por exemplo, uma pratada no início do compasso já não é tão bem-vinda no reggae quando seria em 99% das músicas pop de hoje. Por isso, eu acho que são poucos os bateristas não-jamaicanos (ou descendentes dessa cultura) que consigam manter essa pulsação com a propriedade que o estilo merece.

Bom, tudo isso para chegar até Carlton Barrett, um dos maiores bateristas de todos os tempos.
A partir da seleção musical abaixo, vou tentar explicar o porquê dessa minha admiração incondicional por esse fabuloso músico.

Ah, lembrando que a lista reúne apenas as gravações de CB com os Wailers. Coisas que ele gravou com Peter Tosh, Ziggy Marley & The Melody Makers, Alpha Blondy ou com os Upsetters ficaram de fora. Achei melhor listar apenas as coisas de BMW, já que são mais fáceis de se achar e mostram muito bem as qualidades de CB.

Vamos ao podcast:
http://lomez.mypodcast.com/

LIVELY UP YOURSELF
Live!, 1975
Essa é uma das melhores baterias que já foram gravadas. A energia de CB é a força-motriz dessa música, e, mesmo mudando a célula da batida a cada dois compassos, ele não atrapalha o arranjo. Muito pelo contrário – a sua fluência faz com que cada parte soe diferente da outra (mesmo não sendo no papel). Alguns dos fills (ou viradas, se preferirem) que ele faz estão na lista dos mais difíceis que já escutei (e que vivo tentando, sem sucesso, imitar). Dá gosto de ouvir uma coisa e saber que ninguém nunca vai chegar perto dessa qualidade.

DUPPY CONQUEROR
Burnin', 1973
Gosto dessa versão por conta da liberdade com que a bateria e a percussão (com as vassourinhas) são tocadas. Numa versão anterior a essa, mais roots, a bateria toca de forma mais tradicional. Essa versão (aliás, esse disco) tem um clima meio funky. Talvez por isso o baixo seja tão preponderante.

TALKIN' BLUES
Natty Dread, 1974
Essa é uma aula de cadência. Gosto muito do início, num clima meio R&B. Parece que essa foi escrita por CB junto com Bob Marley. Coisa finíssima. A forma com que CB abre o ximbau foi assumidamente copiada por Stewart Copeland ao longo de sua carreira. E tocar assim é tão difícil, pq vc deixa o ximbau soar, sem tocá-lo, no meio do compasso, o que te obriga a ter uma concentração (ou talento) dos infernos para atrapalhar o andamento. E Carlton Barrett faz isso com a precisão de um relógio.

RUNNING AWAY
Kaya, 1978
E por falar em controle do tempo, essa música é um perfeito exemplo disso. Um andamento lento, difícil, bem dividido, que seria o pesadelo de qualquer baterista. E aqui, já não falo mais do reggae, e sim de músicas lentas no geral. Vc pode medir a qualidade de um baterista pela forma com ele toca as baladas. São poucos os que tiram de letra esse desafio. E CB não só toca perfeitamente dentro dos limites do BPM, como também faz viradas ao longo das passagens. De novo, uma coisa que só se arrisca a fazer quem tem o dicionário do estilo todo memorizado ou é doido. CB é certamente o primeiro caso.

NIGHT SHIFT
Rastaman Vibration, 1976
Isso é pressão e o resto é brincadeira. Note que o andamento em relação à música anterior não é tão diferente, mas esta aqui é empurrada para frente (melodia e linha de baixo). E isso faz com que a bateria segure a batida na marra. Para ter a idéia, é como se vc sacudisse uma garrafa de 2l de Coca-Cola e deixasse em cima da mesa de cabeça para baixo. É esse nível de pressão a que me refiro. Tanto que CB não usa o prato uma vez sequer – se der uma folguinha a música desanda.

Gosto muito das discussões sobre o verdadeiro “dono” do tempo numa música. Instintivamente, imaginamos que é o baterista o cara com a melhor noção de tempo de um grupo, já que ele é quem tem essa obrigação dogmática. Mas nem sempre isso é verdade. Caras como Ray Charles e Stevie Wonder eram donos de uma noção assustadora de ritmo – certamente, maior do que a de seus bateristas. E nesses casos, os bateristas suavam a camisa para não tomarem uma dura no meio de uma música. Mas mesmo esses fenômenos teriam dificuldade em superar o controle de CB nas linhas de um compasso.

COMING IN FROM THE COLD
Uprising, 1980
Toda vez que toco essa introdução sempre dou uma roubada. Acabo entrando na hora certa, mas nunca soube fazer essa contagem direito. Gosto muito dessa música péla sutileza com que CB toca os pratos nos ataques “No, Dread, no!”. A tendência é meter a mão nessa hora, mas ele toca macio, na altura certa, sem esforço. Outra coisa bem legal é a variação do bumbo ao longo da música.

* Ooops, comi mosca ao incluir esta no hall de músicas do Carlton Barrett. Segue abaixo a correção do colega Leonardo:

Realmente você conhece m pouco dereggae sim. Porém, a música coming in from the cold não foi gravada por Carlton Barrett, e sim por Carlton "Santa" Davis o batera da Soul Syndicate Band. O disco de Bob, Uprising, de 1980 foi gravado com Carly na batera, apenas a faixa um do disco é com Santa.
ESCUTE o disco e verá a pegada que não é de Carlton.

Taí o gabarito...

RASTA MAN LIVE UP
Confrotation, 1983
E o bumbo também o lance legal dessa. CB começa na batida one drop e já muda para o bumbo nos 4 tempos. Essa música mostra bem a onda do reggae, que descende diretamente do R&B. Não dá, por exemplo, para tocar essa música direto, retona, tipo o Police fez a vida inteira (“Can’t Stand Loosing You”). Ela tem uma onda shuffle, meio redonda, que tem um balanço particular. E isso, aliás, é a dificuldade de se tocar reggae: a batida puxa para o shuffle, enquanto a guitarra corta durona o contratempo. Se não ficar de orelha em pé, o trem descarrilha e a música vai para o saco. Não é o caso dessa gravação, claro....

CONCRETE JUNGLE
Catch a Fire, 1973
Clássico. Esse tipo de batida é bem legal, pq parece que anda sozinha. Pelo andamento, a impressão é que a bateria pode parar de tocar que ninguém vai perceber. E isso dá para perceber nas viradas de CB ao longo da música – ele pára, entra e sai da música sem atrapalhar ninguém. Gosto mais de uma versão dessa música que saiu há uns anos, com a gravação original feita na Jamaica, sem os overdubs do fodasso Chris Blackwell. De qualquer forma, é uma música impressionante.

ONE DROP
Survival, 1979
Talvez uma das músicas mais felizes já compostas por alguém. A letra, até onde entendo, não é tão alegre, mas os instrumentos, a harmonia e as melodias são de outro mundo. Gosto muito do som de bateria desse disco – bem na cara do freguês. E esse som de ximbau é um brilho só. Nota 10!

BAD CARD
Uprising, 1980
Aqui dá para ver bem a idéia do half-time aplicada ao reggae: a guitarra toca o tempo dobrado do ska, e a bateria se mantém na metade do andamento. Isso dá um efeito bem maneiro, empurrando a música para frente para trás. Belíssima composição, mas eu sempre tive a idéia de que a voz de Bob Marley parece numa rotação diferente, meio desafinada.

STIR IT UP
Catch a Fire, 1973
Essa foi a 1ª música que ouvi de Bob Marley & The Wailers. Adoro tudo nela: o timbre, a letra, a melodia, o arranjo. O baixo talvez seja um dos mais marcantes que Aston Barrett já compôs. Essa fórmula de tocar e compor seria levada ao nível de perfeição ao longo dessa década, mas em 73, o ano em que nasci, BMW tocam fácil e cheios de si. Clássico dos clássicos.

* parece que comi mosca de novo. vejam a contribuição de Ras para a postagem:

Olá, grande iniciativa de fazer esse tributo a Carlie Barrett!!! Sou pesquisador da "pegada" deste incrível baterista e gostaria de deixar minha contribuição.Queria fazer uma correção e levantar alguns pontos:1- como o colega disse, Coming in from the cold foi gravada por Carlton Santa Davis, assim como Chant Down Babylon, Ride Natty Ride, Top Ranking, Africa Unite, entre outras. Assim como SO MUCH TROUBLE foi gravada por MICHAEL BOO RICHARDS, baterista que tocou com Jacob Miller, Jimmy Cliff, Wailers (após a morte de carlton) etc. 2- STIR IT UP não foi gravada por Carlie Barrett (VER O VIDEO "CATCH A FIRE" QUE MOSTRA COMO FOI FEITA A GRAVAÇÃO E MIXAGEM DO DISCO DE MESMO NOME).Bless!!!

(vou ter que assistir de novo o Classic Albums do "Catch a Fire")

Era isso.
abs
Txotxa

Matt Cameron

2008-03-20T16:34:00.018-03:00

Antes de mais nada, mil desculpas pela falta de regularidade nas postagens. É que eu estava meio enrolado com algumas mudanças aqui no trampo. E como eu escrevo 99% do texto no trabalho (aliás, como estou fazendo agora), tive que dar uma maneirada na rotina (que já não era das melhores) de atualizações. Daí a demora...

Bom, já que mencionei o trabalho, seria legal esclarecer algumas coisas a respeito dos podcasts. Sou o maior entusiasta dessa nova modalidade de comunicação. Como me ensinou o amigo Fernando Zarur (que entende tudo do riscado), a cultura do podcast vem crescendo exponencialmente em todo o mundo.

Por isso, resolvi fazer (ou pelo menos tentar) a coisa do jeito certo na última postagem – inseri os meus comentários no meio das músicas, tornando o troço mais parecido com o rádio. O problema é que isso se mostrou bastante complicado. Por exemplo, tive que fazer toda a parte sonora lá em casa (edição das músicas, gravação da voz, “mixagem”), o que acabou desvirtuando a idéia por trás desse blog/podcast, que é utilizar melhor o tempo no trabalho, ao invés de simplesmente trabalhar!

Dito isso, informo que, por enquanto, vou continuar no esquema Tabajara, com música e texto separados. My bad....

Entonces, vamos ao homenageado de hoje: MATT CAMERON.

Esse é um dos caras mais fodas que eu já ouvi na vida. Sério, se pudesse tocar um décimo do que ele toca, estaria nas nuvens. MC tem uma pegada de rock única. Consegue tocar rápido, forte e, principalmente, com balanço. Não me lembro de nenhum outro cara que toque como ele. É uma coisa engraçada até, pq ele é um baterista que vc não identifica imediatamente numa gravação. Vc fica ouvindo e pensando: “porra, esse cara aí toca”. Daí, quando vc vai aos créditos, as peças do quebra-cabeça se encaixam. “Só podia ser ele”, é o que eu sempre penso.

Para escrever esse post, fui atrás dos discos que ele gravou (e grava) com o Pearl Jam. Ele entrou na banda logo depois do Jack Irons (que é bem foda) e não deixou a peteca cair. Muito pelo contrário, aliás. Ele fez a banda tocar melhor. Muito melhor. Como nunca tocou. E, de quebra, deixou a banda ainda mais bonita (urgh!!).

E em alguns desses discos, eu ficava de orelha em pé, tentando descobrir quem era o baterista – o Jack Irons tem um toque meio parecido com o dele. Mas, de vez em quando, vinha uma passagem escrota, tocada com um controle absurdo, que só podia ter sido gravada por MC.

Todas as suas baterias, desde os tempos de Soundgarden, passando pelo seu projeto paralelo, têm a mesma característica: ocupam o lugar certo no arranjo – nem mais, nem menos – e conduzem o tempo com muita propriedade e segurança. Sem pressa, sem querer aparecer, sem fazer caretas, mas 100% dentro do grupo. É como se ele pudesse tocar qualquer coisa (e eu sinceramente acredito que ele pode), mas prefere sempre fazer parte do time.

MC é capaz de arredondar compassos de tempos difíceis, deixando-os macios ao ouvido. Pq a tendência de um baterista de rock (vamos dizer assim) é endurecer a batida de uma música nesses compassos ímpares, como 3/4, 5/4, 7/8, 9/8 etc. O Neil Peart, por exemplo, é um desses que soa sempre quadrado nesses tempos – tudo bem, já que essa é a onda dele. Quando ouvimos uma música do Rush, percebemos sempre que é um negócio difícil, que não dá para bater palma junto.

Mas no caso de Matt Cameron, ele faz o mais difícil (na minha opinião), que é tornar fácil aos ouvidos um tempo difícil. Acho que pelos espaços que ele cria na batida, a gente fica sempre com a impressão de que aquilo é mais tranqüilo do que realmente é.

No final das contas, MC, para mim, é o único cara dessa geração que coloca os gigantes Dave Grohl e Mike Bordin no bolso. Precisa dizer mais?

Vamos à seleção de hoje:

NEVER NAMED
Soundgarden – Down on the Upside, 1996
Como é que o cara toca desse jeito? A música é cheia de paradas e arrancadas e MC consegue dar uma unidade na batida, sem perder o andamento, além de irradiar uma energia impossível de se reproduzir fora dos laboratórios. Essa música apresenta uma das principais características de Matt Cameron: tocar muito bem todas as partes da música, sem muitas firulas, com muito vigor, mantendo a bateria no lugar certo. E, quando é preciso, ele abre a caixa de ferramentas e manda umas viradas de cair o queixo.

SLEEVELESS
Wellwater Conspiracy – Wellwater Conspiracy, 1997
Essa é do projeto paralelo que MC mantém desde os tempos de Soundgarden. Até onde sei, além da bateria, ele toca guitarra e canta (tudo isso muito bem, por sinal). Gosto muito dessa batida e, principalmente, do som.

SPOONMAN
Soundgarden – Superunknown, 1994
Sem vergonha de assumir, essa foi a 1º música que ouvi do Soundgarden. Fiquei imediatamente impressionado com a bateria. Até aquele momento, nunca tinha ouvido ninguém tocar assim. A forma com que MC constrói o ritmo (todo quebrado) nos tambores é demais. A parte em que acontece o "solo de colher", do meio para o final da música, é um dos melhores momentos de baixo e bateria que já ouvi na vida.

GREEN DISEASE
Pearl Jam – Riot Act, 2002
Como disse anteriormente, acho que MC fez os amigos do Pearl Jam tocarem mais e melhor [na dúvida, compre os DVDs ao vivo do grupo com Matt Cameron]. Essa música (e esse disco) mostram o quanto a banda ganhou em octanagem com a entrada de MC. Nunca fui muito fã dos Pearl Jams. Sempre achei o som, no geral, meio chato, meio monocórdico. Mesmo nos anos em que eles brigavam por preços mais justos de seus ingressos, nunca consegui transferir a simpatia pessoal que tinha para o campo do apreço musical. Mas bastou MC entrar na banda para a minha opinião começar a mudar. Ainda não sou fã, mas tenho uma disposição maior para o som da banda. A levada no bell do prato de condução dessa música é impecável.

THE DAY I TRIED TO LIVE
Soundgarden – Superunknown, 1994
Clássico dos anos clássicos de MTV brasileira, né? Quantas vezes ouvi essa música... O Quim, meu amigo desde os tempos de Maskavo Roots, adorava essa música e vivia tocando no violão. Essa batida é muito foda, num compasso de 7 tempos (que vai e volta), e MC faz o troço soar muito macio. Música, arranjo, letra e gravação fodassas. Estava lendo esses dias uma entrevista com um técnico de som norte-americano famosíssimo, em que ele incluía “Black Hole Sun” (desse mesmo disco) na lista das 10 melhores baterias gravadas em todos os tempos. É uma música impressionante mesmo, mas prefiro esta aqui....

WOODEN JESUS
Temple Of The Dog – Temple Of The Dog, 1990
Introdução bem bacana. MC toca bem desenvolto nesse compasso de 3 tempos. Normalmente, a maioria dos bateristas tende a deixar uma batida desse tipo meio quadrada, com várias quinas e tropeços. Mas MC deixo o tempo respirar, dá o espaço certo entre as notas, com a entonação correta para cada nota. Gosto também da idéia por trás da marcação de madeira (ou de ferro) que rola no início da música.

GUN
Soundgarden – Louder Than Love, 1989
Essa tem todo o clima do metal. O andamento vai aumentando na maciota, sem sobressalto, com todos tocando juntos. É engraçado que MC consegue tocar umas coisas bem na linha do trash metal (pelo menos no que diz respeito à velocidade), mas mantém o pé sempre na tradição mais clássica do rock’n’roll. Se não fosse o volume, ele certamente poderia ter gravado os discos de Chuck Berry e Little Richard.

GO
Pearl Jam – Live on Two Legs, 1998
Lembro como se fosse ontem o dia em que o disco “V” do Pearl Jam foi lançado. Eles tinha o Dave Abbruzzese na bateria, que na época, era muito confundido com o outro Dave, que gravou o 1º disco da banda (e era muito melhor, por sinal). E ele, o Abbruzzese, era um cara que sabia impressionar pelo visual, pelas caretas e tal, mas sua bateria nunca me pareceu nada de mais (e até hoje não parece). O fato é que essa música tinha uma energia que desafiava qualquer banda que se arriscasse a tocá-la. E aqui, nesse disco ao vivo, logo depois de ter assumido as baquetas do grupo, MC aceita o desafio e deita e rola, triplicando todo o punch do arranjo.

MY WAVE
Soundgarden – Superunknown, 1994
Mais uma desse disco (que é impecável, por sinal). Escolhi essa música porque mostra como o rock pode ter balanço em compassos de 5 tempos, normalmente associados à música erudita. E que balanço!

GRIEVANCE
Pearl Jam – Binaural, 2000
De novo, uma introdução muito maneira. É super simples, mas MC toca o tom-tom numa hora em que ninguém tocaria, o que ajuda a dar idéia de um tempo deslocado e difícil. Na real, essa intro em 6 tempos é bem clássica, mas a idéia que ele passa é outra. E isso só faz quem sabe muito bem onde estão as subdivisões do compasso. A performance da bateria nessa música é impecável.

SUPERUNKNOWN
Soundgarden – Superunknown, 1994
Uma das músicas mais poderosas que já ouvi. Não alivia nem um segundo. As guitarras criam uma massa sonora que derruba qualquer parede de concreto. O curioso é que MC toca algumas partes da música com o ximbau fechado, o que, a princípio, não funcionaria numa música dessas. Mas ele consegue dar peso sem necessariamente ter que aumentar o volume de seu som. Dá gosto ouvir uma gravação dessas, cheia de peso e de balanço, com a voz a todo vapor, sem fazer concessões. É uma pena que essa banda tenha acabado... O Chris Cornell é um músico muuuuito foda, mas, sinceramente, nunca me empolgou no Audioslave.

podcast em http://lomez.mypodcast.com/

Era isso
abs
Txotxa

Coletânea, Vol. 3

2008-01-16T22:13:00.000-03:00

Mais uma relação sortida para iniciar bem o ano...

Podcast: http://lomez.mypodcast.com/

PATRICK WILSON
“DOPE NOSE"
Weezer – Maladroit, 2002

A primeira que vez que vi um clipe do Weezer, lá nos 90, fiquei muito incomodado com a figura de PW. Dava para ver que ele tinha técnica de sobra, mas insistia em fazer gracinhas com a baqueta, fingindo que não sabia tocar direito, ao mesmo tempo em que deixava claro que tudo era facílimo para ele. Me irritei com a aquela atitude e tomei certa antipatia pelo fineza. Mas, à medida que os anos foram passando (e eu parei de ver clipes na TV), fui percebendo que a maioria dos meus amigos tinha o Weezer em alta conta. Por isso fui atrás dos discos do grupo (com o coração aberto :)) e fiquei de cara com as músicas (além de perder a bronca com PW). Escolhi essa gravação pq ela mostra bem as qualidades de PW: firmeza na batida, técnica de sobra, bom gosto e dinâmica bem sacada. Numa música com tantas partes de bateria, PW não soa busy e nem atrapalha a melodia do vocal. Ele possui muitas balas na agulha, mas, ao contrário da maioria, não precisa mostrar o tempo inteiro que sabe tocar coisas difíceis.

PAUL FERGUSON
“FOLLOW THE LEADERS”
Killing Joke – What's THIS for...!, 1981

Uma coisa que sempre me preocupa (e motiva) quando entro numa nova banda é tentar entender as influências do grupo. Saber, por exemplo, que o guitarrista da banda é vidrado em Black Sabbath é uma coisa que ajuda muito na hora de sugerir uma batida. Mas quando vc se depara com um grupo que tem um milhão de influências (a maioria totalmente desconhecida para vc), a coisa fica complicada. E, nesse caso, não existe outro caminho senão abaixar as orelhas e correr atrás do prejuízo.
Foi exatamente o que fiz ao entrar na Plebe Rude. Por sorte, o André X me emprestou alguns discos que me ajudaram a dar os primeiros passos. Um deles foi o 1º do Killing Joke. Fiquei de cara com o som – puta banda, ótimos músicas e muuuito estilo. Para não perder o bonde, fui atrás dos outros discos deles e cheguei a essa música. Desde a 1ª vez que a ouvi fiquei impressionado com a batida. Trata-se de uma programação bem simples, com os tambores de PF tocados por cima. Mas que balanço!! Uma coisa que normalmente soaria over (com tantas batidas sobrepostas), funciona perfeitamente bem. Ah, e que guitarra!!!!

BENNY BENJAMIN (1925 – 1969)
“GOING TO A GO-GO”
Smokey Robinson & The Miracles – Going To A Go-Go, 1965

Benny Benjamim é sinônimo de balanço. 90% dos maiores hits da Motown tinham suas baquetas a serviço. Juntamente com o colega musical (e de excessos), o fenomenal baixista James Jamerson, BB criou uma batida única, que influenciou diretamente a forma de dançar (e não só de tocar) de uma geração. Muitos dos passos que agitavam as pistas de dança e os programas de TV nos anos 60 baseavam-se na pegada firme e cadenciada de BB. Num certo sentido, esse é o maior elogio que um baterista pode ouvir: de tão maneira que é a sua batida, tivemos que criar uma nova dança :)
Nessa gravação, gosto muito da introdução, tocada nos tambores. Repare como ele cria uma melodia bacana, que introduz a linha do baixo.

GERRY CONWAY
“CHANGES IV”
Cat Stevens – Teaser And The Firecat, 1971

Tocar com violão é sempre uma coisa boa para o baterista. Pelo menos é o que eu penso. Diferente da guitarra, o clima acústico do violão (quando bem tocado, é claro) ajuda a amarrar a batida e deixa o baterista mais livre para “passear” pelos compassos. Essa gravação é um ótimo exemplo de como uma música com o tempo meio complicado e cheia de partes pode soar agradável e fácil aos ouvidos, graças a um violão bem tocado. A liberdade do baterista é tamanha que ele nem se preocupa em tocar o ximbau o tempo inteiro – deixa a batida fluir. E isso é sempre uma dificuldade, pq vc tem que justificar a presença da bateria no arranjo e ainda conseguir manter a “distância” adequada da batida do violão. Poucos conseguem, mas GC, tanto nessa gravação quanto nos shows com o grande Cat Stevens, tirou de letra.

DAVE RUFFY
“BABYLON'S BURNING”
The Ruts – The Peel Sessions, 1979

Mais uma banda que conheci graças ao Philippe e o André. Esse baterista me pegou de jeito. Fiquei de cara com a forma fácil que ele se coloca na música, mesmo tocando uma batida cheia de notas e usando todas as peças da bateria. Nessa gravação (ao vivo, por sinal), ele vai acentuando os tambores no meio das batidas do ximbau, sem perder a dinâmica. E ele faz de um jeito muito criativo (variando entre a caixa e o tomtom), com uma cadência infernal. A Plebe toca uma versão dos Ruts (a música é “Staring At The Rude Boys”) que é fodassa. Mas, invariavelmente, eu chego ao final pedindo arrego, tamanha é a intensidade (e não a força) da batida de DR. E se um dia quiserem tocar “Babylon’s Burning”, tô no sal :)

MICHAEL TAPPER
“NOBODY MOVE, NOBODY GET HURT”
We Are Scientists – With Love And Squalor, 2006

Ouvi essa banda no programa do Jools Holland, que é reprisado aqui pela HBO. Achei bem sacada a forma com que o baterista desloca o tempo forte do compasso (ouça o refrão). De primeira, achei a idéia meio boba, parecida com o que fazem os bateristas que estão começando a entender a estrutura do compasso. Mas fui ouvir melhor e percebi que MT sabe tocar (e muito bem) a sua bateria. No disco, existem mais umas duas músicas que seguem essa onda de trocar o tempo pelo contratempo, e que, também, funcionam na maciota. Acho legal também a forma com que ele toca a introdução. De novo, parece bem simples, mas ele faz de um jeito honesto e eficaz. Uma pena que tenha saído da banda...

DAVID ROBINSON
“ROADRUNNER”
The Modern Lovers – The Modern Lovers, 1976

Uma coisa difícil de sacar é quando o cara toca simples pq escolheu tocar assim (e tem um punhado de coelhos na cartola) ou pq só sabe tocar assim. Mas, no fim das contas, isso não importa, já que o que vale é o que está gravado, o que serve à música e ao arranjo. Quando a batida funciona, ninguém quer saber se o baterista gravou apenas com uma mão, ou suando desesperadamente a camisa.
Essa música é um ótimo exemplo de uma batida perfeita, independente da técnica de quem segura as baquetas. Aqui, se o baterista tocasse um pouco mais ou um pouco menos, a coisa não funcionaria. David Robinson achou a levada ideal para essa grande música, com o bumbo tocando quase sempre, com os pratos na hora certa e com o ximbau empurrando os colegas.
Conheci essa banda por causa do Carlos, meu amigo do Prot(o), e gostei muito do que ouvi. Ouço até hoje com muito gosto.

DANNY GOFFEY
“MOVING”
Supergrass – Supergrass, 1999

Vi o show do Supergrass no Brasil, quando eles tocaram no Hollywood Rock. Já gostava desse baterista, que, na época, era um descendente direto da arte de Mitch Mitchell. Ao longo dos anos, DG mostrou que tinhas mais cartas na manga, e por trás de uma aparente batida rápida e rasteira, havia uma solidez de fazer inveja a muito “massa bruta” por aí.
Escolhi essa música pq mostra que ele, além de veloz e firme, tem balanço de sobra.
Ótimo baterista, numa excelente gravação de uma banda fodassa.

STEPHEN PERKINS
“BEEN CAUGHT STEALING”
Jane's Addiction – Ritual de Lo Habitual, 1990

Sempre achei o SP muito adulado pela mídia baterística. Nunca vi nele uma coisa tão diferente de seus colegas californianos dos anos 80 e 90. Mesmo assim, ele tem uma moral gigante junto aos críticos norte-americanos. Talvez por causa dessa música (desse disco), não sei, ele tenha ganhando fama com essa corriola. De qualquer forma, o que ele faz nessa gravação é digno de uma nota 10! SP conseguiu dar um balanço fenomenal num funk de branco. As percussões, o baixo e a guitarra funcionam muitíssimo bem com a bateria. Uma coisa que acho bem difícil é criar uma batida que consiga reunir o drive do rock com o swing do funk. E aqui, SP conseguiu fácil, fácil.

PETE THOMAS
“TOKYO STORM WARNING”
Elvis Costello – Blood & Chocolate, 1986

Sabe quando vc escuta uma música e pensa: - “Eu gostaria de ter gravado essa”. Com as músicas do Elvis Costello (principalmente na fase dos Attractions), eu penso além: - “Gostaria de tocar como esse cara”. Até pouco tempo não sabia que o baterista para a maioria desses hits de EC era Pete Thomas. Fiquei muito impressionado com a bateria dessa música (e com todas as que ele já gravou). PT carrega nos toms uma batida difícil, cheia de inflexões, num andamento que só funciona nesse BPM (se atrasar ou adiantar a música morre). É uma aula de controle e de balanço por mais de 6 minutos. Escolhi essa música, mas existem dezenas de gravações magistrais dele com o Elvis Costello. Vale a pena ir atrás. O toque de PT é pesado na medida certa, com o swing certo, com a técnica exata.

Era isso.
Abs e feliz 2008!
Txotxa

João Barone

2007-12-10T16:55:00.000-03:00

Para entrar no clima desse fim de semana, vou falar do grande baterista João Barone. Fui ao show do Police no Rio, com abertura dos PDS, e achei o momento oportuno para falar do maior baterista de rock que temos (acho que é unânime, né?).

Antes, queria compartilhar a emoção de ver Stewart Copeland (juntamente com John Bonham, Tony Williams e Steve Gadd, um dos meus pilares baterísticos e musicais) ao vivo. Que classe!!!! É claro que algumas músicas, pela integridade física de SC e Andy Summers (Sting agüentaria fácil, fácil) foram executadas de 2ª marcha, sem aquela virilidade dos tempos áureos. Mas elas ganharam um balanço até então inédito para o Police. A idade, nesse caso, fez muito bem. E vê-lo tocando com a maior alegria (todos os 3, aliás), brincando e sendo sacaneado pelo Sting, deixando de propósito as baquetas caírem, tocando uma certa zona entre as músicas, dando uma aula na percussão – isso tudo não tem preço. Vibrei no show como não fazia há mais de 15 anos (quando ia, curiosamente, aos shows dos PDS): cantei junto, bati palma, acendi o celular (ridículo, eu sei), fiz mímica das passagens de bateria com a minha mulher (sabia todas de cor e salteado) e saí do show completamente extasiado. E as poucas músicas que tiveram o arranjo alterado (“Walking In Your Footsteps”, por exemplo), ficaram infinitamente superiores às originais.

Bom, este fim de semana inesquecível (foi a minha primeira visita ao Maracanã!) começou bem, com uma análise do Barone, encomendada pelo O Globo, sobre as semelhanças entre o seu estilo e o de SC. Fiquei feliz ao perceber de que algumas coisas que eu já havia escrito por aqui até que procediam...

http://oglobo.globo.com/blogs/jamari/post.asp?cod_Post=83111&a=39

Ao contrário do que escreveram muitos jornalistas brasileiros após o show, não existe base de comparação entre os dois, Na verdade, não dá para comparar SC com ninguém. Ele criou uma linguagem nova, que só ele sabe falar, só ele tem o dicionário. Começou e vai acabar com ele. É realmente uma divisão (ou um outro caminho) na forma de tocar bateria.

João Barone, apesar do estigma que o persegue desde o início da carreira, é um baterista bem diferente de SC e possui o seu próprio estilo. Acho que pela disposição da bateria e pela forma de segurar a baqueta ele tenha sido injustamente enquadrado como cópia de SC. Mas desde o 1º disco dos PDS, JB já mostrava que tinha personalidade e musicalidade de sobra para acompanhar os caminhos criativos de Herbert Vianna.

Como já escrevi bastante sobre esse assunto numa postagem antiga http://txotxa.blogspot.com/2007/04/stewart-copeland.html, vamos direto seleção musical de hoje:

DOS RESTOS (0'10")
Big Bang, 1989
Esse é um disco dos Paralamas que, na minha opinião, merecia mais atenção das pessoas. Como “Perplexo” e “Lanterna dos Afogados” viraram hits, as outras músicas ficaram meio esquecidas (não nos shows, pois funcionavam muito bem ao vivo). Gosto muito da bateria de JB nesse disco inteiro. Como os PDS vinham de uma turnê intensa, tocando sempre, dá para sentir esse clima de banda foda em todas as faixas. Acho que se JB gravasse essa música hoje, ele a faria com um pouco mais de balanço entre as partes. Mas, de qualquer forma, essa batida funciona muito bem para a música. Gosto muito do final, com a percussão e a bateria dando as cartas.

MARUJO DUB (3'14")
Selvagem?, 1986
A dupla Sly & Robbie assumidamente foi, junto com o time do UB40, uma das maiores influências da cozinha Bi & Barone – acho que até a linha de baixo é copiada de uma música gravada por Robbie Shakespeare. Mas ao longo dos anos, os brasileiros foram ampliando consideravelmente o campo de ação e, eventualmente, deixando para trás os mandamentos jamaicanos do reggae. Mas aqui eles se encontram no auge dessa influência, que viria a se misturar com os ritmos brasileiros, transformando a cozinha dos PDS na base mais sólida do rock nacional. Adoro o som dessa bateria (principalmente das coisas eletrônicas). Essa gravação mostra o quanto Barone era (e ainda é) consistente com o andamento.

NAVEGAR IMPRECISO (6'00")
Severino, 1994
Esse disco foi um dos maiores que o rock nacional já produziu, mesmo que gravado na Inglaterra (pelo menos 80% dele), com produtor gringo e tudo mais. A riqueza de arranjos, de sons, de conceitos e de participações nunca aconteceu de novo por aqui. Só fiquei triste ao ouvir o Herbert Vianna dizendo que, por causa da baixa vendagem do disco (apesar de “Cagaço” e “Dos Margaritas” terem tocado nas rádios), eles não iriam mais produzir discos para “ficar na estante dos parentes e dos amigos”. De qualquer forma, esse disco é muito foda. E essa música, com as vozes de Tom Zé e Linton Kwesi Johnson, é incrivelmente bem produzida e arranjada. Barone amarra a música e carrega com muita propriedade uma batida meio complicada, com um ximbau incrivelmente preciso..

O PASSO DO LUI (9'15")
O Passo do Lui, 1984
Até hoje gosto muito dessa música. Não cheguei a assistir a um show deles que ela estivesse no set list, mas queria ter ouvido uma versão ao vivo, mais vitaminada. Essa gravação (aliás, esse disco) mostra o Barone muito ligado nas coisas do Stewart Copeland. Mas independente disso a bateria dele é fodassa. Uma introdução como a de “Óculos” (independente da inspiração) é sempre digna de nota. E nessa gravação que dá nome ao disco, ele passeia pelas diversas partes do arranjo com muita firmeza e precisão.

O HOMEM (11'32")
D, 1987
Skank e Rappa passaram longos anos tentando imitar isso e nunca chegaram perto. Sem querer dar uma de vibrão, eu diria que essa gravação (e a música, também) é um das melhores dos PDS. Aliás, o disco é impressionante (o melhor ao vivo que eles já lançaram e, talvez, o melhor do rock brasileiro), sem falhas, com pegada e vigor de sobra. Barone dá um show, tocando nas peças eletrônicas sem perder um centímetro da categoria. Eu considero a 1ª parte do dubwise (baixo, bateria e o pandeiro do tecladista João Fera), nos 14'06" do podcast, um dos melhores momentos dos PDS.

POR SEMPRE ANDAR (15'51")
Hey Na Na, 1998
Isso é introdução para derrubar qualquer um da cadeira. A batida é sensacional (e que percussão!). Um dos poucos momentos em que o pedal duplo de JB serve bem ao arranjo. Esse disco me deu uma alegria muito grande, pois parecia indicar um caminho para os próximos discos de estúdio dos PDS: alguns hits mais alegres e outras músicas mais experimentais, com mais personalidade. Infelizmente, o trágico acidente com HV acabou com qualquer expectativa que se poderia ter a respeito do grupo. De qualquer forma, esse disco é excelente. E essa música tem uma das melhores partes de guitarra que HV já gravou.

O ROUXINOL E A ROSA (19'07")
Os Grãos, 1991
E por falar em superlativos, taí o melhor disco dos PDS. De todos que eles já gravaram, se eu tivesse que escolher um para a posteridade, escolheria esse. Aqui os PDS dão uma aula de composição, de arranjo e de produção (com o parceiro Savalla). Escolhi essa música pq tem uma pegada diferente, com um clima de Rolling Stones. Barone sempre se sai muito bem nesses andamentos, meio-tempo de rock clássico, e mostra que entende tanto de reggae quanto de rock. E o baixo de Bi Ribeiro é um dos mais fodas que já ouvi nos discos dos PDS.

BUNDALELÊ (22'51")
Bora-Bora, 1988
É certo que não podemos viver apenas no campo emocional. Eu sei que temos que colocar a cabeça para funcionar de vez em quando no esquema duro da realidade. Mas quando o assunto é “disco com o maior número de lembranças da sua vida” o Bora-Bora é um dos campeões. Eu era muito fã dos PDS nessa época. Sabia tudo de cor, ia a todos os shows, tocava (com minha primeira banda) a maioria das músicas do lado “A” desse disco. E a lembrança dessa música é ainda mais especial. Como se fosse hoje, me recordo do dia em que a tocamos pela 1ª vez. A sensação dessa bateria, com os sopros, com essa guitarra (mesmo que tocada por um bando de moleques) ainda me arrepia. Uma coisa engraçada sobre esse disco era a quantidade de discussões que tínhamos na escola sobre como tocar as baterias corretamente. Quem soubesse fazer igualzinho, por exemplo, a bateria de “Uns Dias”, ganhava imediatamente o título de “melhor baterista da escola”.

CAPITÃO DE INDÚSTRIA (25'14")
9 Luas, 1996
Clássico JB. Ele passeia pela música, dando o balanço certo, na hora certa. Esse disco, aliás, tem umas baterias maneiríssimas (e umas músicas meio suspeitas). Mas ao vivo, nos shows dessa época, eu acho que JB acabou se tornando uma cópia de si mesmo. E se não me engano, nessa época (ou um pouco antes), ele começou a usar o pedal duplo de uma forma meio lascada, pouco musical. Mas aqui ele toca o “feijão com arroz” que, em termos de cadência e pressão, o diferencia de 99,9% dos bateristas brasileiros.

SÁBADO (28'40")
Os Grãos, 1991
A melhor gravação do melhor disco do PDS. Nunca ouvi o grupo tocar com tanto balanço, com o som tão amarrado, com tanto estilo. Sei que rola uma base eletrônica pesada, mas acho que a bateria toca junto, por cima de tudo, em muitos momentos. Tamanha é a cadência de Barone, fica até difícil fazer essa diferenciação. Posso estar falando besteira, não sei... De repente não tem bateria nenhuma... De qualquer forma, a menção fica registrada (até mesmo pq ele toca dessa mesma forma ao vivo. Com um pouco menos de bumbo, mas com o mesmo balanço). Detalhe para o sample de “Good Times, Bad Times”, do Led Zeppelin, no bridge antes do solo de guitarra.

IMPRESSÃO (32'29")
Bora-Bora, 1988
Lado B sensacional do disco. A pressão dessa batida é impressionante. Se eu tivesse que escolher uma música que representasse a bateia JB, escolheria essa. Tem tudo: cadência impecável, dinâmica de sobra, escolha de timbres e peças, pegada e balanço de sobra. Curto também o arranjo, com citação dos Beatles, com a voz do HV lá no fundo e com o baixo amarrando tudo.

Podcast: http://lomez.mypodcast.com/

Era isso.
abs
Txotxa

Larry Mullen Jr.

2007-11-14T18:06:00.001-03:00

Larry Mullen Jr é um cara que há muito tempo admiro. Seja por sua conduta low profile na maior banda de rock das últimas décadas, seja por seu estilo atrás da bateria, LM sempre teve a minha torcida. Ele toca simples, mas com uma pressão e precisão que não estamos acostumados a ouvir. Daniel Lanois, um dos sócios-produtores do grupo, foi quem melhor resumiu a arte de Larry Mullen com as baquetas: “He always delivers”. Não importa a situação, o arranjo, o dia, LM facilita a vida de qualquer produtor e engenheiro de som, pois toca com a firmeza de quem sabe exatamente o que quer. E isso, por mais elementar que possa parecer, não é nada simples. É comum vermos um músico querendo tocar além do que sabe e se atrapalhar numa gravação, num ensaio ou num show. Por isso, ter a exata noção de suas capacidades é tão importante quanto ter de fato essas capacidades. E Larry Mullen sabe disso.

Desde o primeiro disco do grupo, ficou claro que LM não era um baterista comum. Nem tanto por sua técnica (que era similar a da maioria dos bateristas do pós-punk), mas por sua decisão na hora de tocar. A impressão que me passa ao ouvir as suas baterias (das antigas às mais recentes) é que está tudo escrito em algum lugar. John Bonham é um cara que passa essa impressão, mas podemos sempre ouvir algum improviso seu (principalmente ao vivo). Já LM, no momento em que define a batida em sua cabeça, segue inabalável, sem dúvidas quanto à qualidade do que está fazendo. Numa analogia futebolística, isso corresponderia a um jogador que bate sempre bem na bola, sempre na direção certa, sempre com objetividade, sempre jogando em prol do time. E isso, na minha opinião, é a principal e a primeira função de qualquer baterista: jogar para o time. Isso implica em criar uma certa batida, num certo andamento, com uma certa inflexão, que faça com que os músicos ao seu redor toquem mais fácil, toquem melhor. E Larry Mullen faz isso.

No campo menos musical, curto o seu visual clássico bonitão. Desde que resolveu arrepiar os cabelos curtos, nunca mais mudou. Seus colegas já tiveram milhões de disfarces ao longo dos anos, mas LM mantém-se fiel ao seu buzz cut. Além disso, ele é o único cara no mundo que, quando necessário, tem a moral de puxar a orelha do vocalista Bono. Há pouco tempo, quando Bono, por conta de suas atividades extra-musicais, começou a faltar com o U2, foi Larry quem o chamou na regulagem.

Bom, além de tudo isso, Larry Mullen Jr bolou a introdução de bateria mais tocada em todos os tempos (pelo menos nos meus anos 80): “Sunday Bloody Sunday”. Sério, quando esse disco bombou aqui no Brasil, 10 entre 10 bateristas tocavam (ou tentavam tocar) essa batida. Quem soubesse tocá-la se diferenciava instantaneamente do resto da gentalha. E vou te falar uma coisa: nesses 24 anos desde que a música surgiu, nunca ouvi ninguém tocar da mesma forma que Larry Mullen Jr. Mesmo com apenas 20 anos, ele sabia muito bem o que estava fazendo.

Vamos à seleção musical...
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OUT OF CONTROL
Boy, 1980
Gosto muito dessa melodia. Dá para ouvir a voz do Bono ainda se acertando, mas a banda já tinha a pegada firme. Acho muito legal o fato de Larry Mullen tocar o bumbo em todos os tempos do compasso. Dá um balanço sensacional, empurrando a música o tempo inteiro. E o arranjo é bem legal também. Poucas vezes o U2 produziu uma música tão direta e empolgante assim.

''40''
War, 1983
Apesar de “Sunday Bloody Sunday” ter sido eleita “a bateria” desse disco, “40” é muito mais complicada. Aliás, toda batida nesse andamento é complicada, pq o baterista (e a banda) tende a atrasar. Além disso, o clima dela é bem de R&B, o que dificulta ainda mais – além da pegada firme, o cara ainda tem que dar o balanço. No finzinho, antes do fade out, LM faz uma variação na caixa que parece meio errada. Não sei... Só sei que se foi erro, ele fez muito bem em não parar o take – uma performance dessas não se repete assim tão facilmente. Me admira que essa batida não tenha ainda sido sampleada.

MYSTERIOUS WAYS
Achtung Baby, 1991
Quando esse disco saiu, a imprensa louvou a mudança de rumo do U2. Muito se falou dos arranjos, dos conceitos, dos timbres, das letras, mas quase ninguém falou da bateria. No documentário do disco, Larry Mullen aparece dizendo: “a melhor coisa do disco é a bateria”. Não sei se a melhor, mas foi ela que tornou possível essa guinada musical do U2. Se ouvirmos os discos anteriores do grupo, não vamos encontrar nada nas batidas que aponte para a revolução de “Achtung Baby”. LM toca nesse disco (e nessa música) com um balanço fenomenal, cheio de swing, mas com a pegada fortíssima de quem veio do rock. E tocar um ritmo desses sem encher a batida de notas é mesmo para poucos.

ENDLESS DEEP
Single, 1983
Logo que comecei a tocar com a Plebe, o André me emprestou um bando de discos sensacionais. Dentre eles, estava o 1º do Comsat Angels. Quando ouvi, achei algumas coisas muito parecidas com o U2. Depois fiquei sabendo que eles (U2) abriram uma das turnês do grupo – o que talvez explique a paixão (copiada?) do The Edge pelos harmônicos na guitarra. Essa música me lembra vagamente o Comsat Angels. Mas o que eu gosto mesmo é a forma como Larry Mullen e Adam Clayton funcionam juntos nessa gravação. Desde cedo os dois já mostravam talento para tocarem juntos.

IN GOD'S COUNTRY
The Joshua Tree, 1987
U2 clássico. Gosto muito do arranjo dessa música. É uma coisa simples, mas note como o baixo para de tocar todo fim do compasso, criando o espaço para a virada da bateria. Acho legal também o fato de Larry Mullen usar, nessa música, o surdo no lado esquerdo – dá um clima diferente para a execução. Uma curiosidade sobre essa época é que LM não usava prato de condução, tamanho era o seu comprometimento com o cerne da batida.

THE REFUGEE
War, 1983
Aqui LM dá show, usando tambores, timbales, cowbells e tudo mais. Linha de baixo muito bacana, também. E guitarra nota 10! Eu era muito moleque para acompanhar as críticas mais adultas sobre esse disco, mas a qualidade de LM nesse disco é digna de nota. Talvez por dividir os holofotes com The Edge (que é um dos maiores guitarristas do séc. XX), Larry Mullen tenha sido sempre meio desprezado.

THE ELECTRIC CO.
Boy, 1980
Uma das melhores músicas do U2. Vi que eles voltaram a tocá-la nessa última turnê. Sensacional. É uma aula de vitalidade na bateria. Note como LM toca o tempo inteiro, mudando as batidas, numa música cheia de partes, com várias dinâmicas. A guitarra do The Edge é também uma das melhores. E Adam Clayton nunca mais chegou perto desse gás nas 4 cordas. E quem se importa com o andamento dando uma corridinha do meio para o final? Sem trocadilhos, uma das performances mais eletrizantes do grupo.

BEAUTIFUL DAY
All That You Can't Leave Behind, 2000
Essa tocou muito. O grande barato é ouvir como LM tira de letra um troço que é o pesadelo de qualquer baterista de rock: tocar em cima de uma base gravada. E ele faz isso ao vivo do mesmo jeito, sem suar. Esse disco mostra como a relação músico-produtor é uma coisa importante. Independente do gosto, todos os discos do U2 que foram produzidos por Daniel Lanois têm baterias sensacionais. E isso vem da admiração incondicional que DL tem por LM. No documentário do “Joshua Tree”, tem uma cena em que Larry Mullen grava a bateria e Daniel Lanois aparece vibrando, batendo cabeça atrás do vidro da técnica.

LIKE A SONG...
War, 1983
Essa é pelo som de bateria, quase industrial. Uma coisa que não se ouve mais é o baterista variar a batida o ximbau (dobrando as notas) no meio da música. Não sei se é pq se tornou uma coisa uma coisa muito batida nos anos 80 – cara dobrava no refrão e diminuía na estrofe (ou vice-versa). Aqui LM faz isso com categoria, sem perder a pegada. Gosto muito da levada dos tambores, também.

BAD
The Unforgettable Fire, 1984
Aqui, Larry Mullen dá uma aula no quesito dinâmica e orquestração dos seus tambores. Note como a bateria vai crescendo junto com a música. E não é só no volume – ele muda as partes da bateria para acompanhar o arranjo. Não tem nada de revolucionário, eu sei, mas é de um bom gosto fora do comum. Essa música ficou meio desgastada, com um jeitão de hino, mas mostra o quanto o U2 era uma banda musicalmente superior. Afinal, são dois acordes (acho que é isso, né?) tocados ao longo de 6’, sem nenhuma gordura no arranjo. E que baixo, hein?

Era isso.
abs
Txotxa

Max Roach (1924 – 2007)

2007-11-05T23:16:00.001-03:00

Antes de mais nada, queria explicar um pouco como é a minha rotina na criação das postagens. É mais ou menos assim: depois que escolho o baterista, vou atrás da seleção musical. No caso de caras de banda isso é mais fácil, pois vou atrás da discografia do grupo e pronto. Quando não tenho um disco, baixo e tá tudo em cima. Já com os carinhas mais velhos (e com essa galera do jazz vai ser sempre assim) a coisa fica mais difícil. Eu tenho a maioria dos discos que eu pretendo listar (até mesmo pq foram esses os discos que me fizeram gostar desses caras), mas como esses sacanas possuem uma discografia imensa (não só como líderes, mas também como acompanhantes), daria um trabalho animal ir atrás de TODOS esses discos. Por isso, as músicas que entram no podcast obedecem aos seguintes critérios: (1) são artisticamente representativas; (2) dão pano para a manga (texto); e (3) podem agradar o público que não é baterista. E quanto à pesquisa, eu me comprometi a não correr atrás muito de biografias. Começo sempre com o que já sei e vou apenas checando (datas, principalmente) nas Wikis da vida.

Bom, vamos então ao homenageado de hoje, um dos maiores gênios (e aqui a gente pode usar essa palavra) que já segurou uma baqueta: Max Roach. Eu sempre tive a maior simpatia por MR. Os outros fodões do jazz me metiam medo, muitos pelo fato de serem junkies barra pesada, outros por serem meio marginais. Max Roach, no entanto, sempre me transmitiu uma boa vibe.

Além disso, a sua bateria era (e foi até a sua morte) sinônimo de responsabilidade, de dedicação, de comprometimento com uma coisa maior, maior que ele, que os seus amigos músicos, que a cena bebop de Nova Iorque (que ele ajudou a criar e consolidar). Maior até mesmo que o jazz. Cada batida de Max Roach se reportava diretamente à cultura milenar da África, à cultura dos seus antepassados, e respeitava e honrava essa tradição.

É claro que era um jazzista, mas tinha uma consciência (e talvez ele tenha sido o maior nesse sentido) que a música podia, e devia, se envolver nas questões sociais, como, por exemplo, a luta por direitos civis dos negros norte-americanos nos anos 60. Para MR, a música deveria ser um statement, deveria representar (e defender) algo.

Não quero passar a idéia de que ele era um desses ativistas chatos (até mesmo pq essa veia mais “revolucionária” só surgiu com o passar da idade). Max Roach era um músico fodasso, daqueles que metem medo (no sentido musical) em qualquer um, que escreveu boa parte do dicionário do jazz moderno. Entre os anos 40 e 60, tocou com os maiores. E, até hoje, é considerado o mais moderno de todos os bateristas. Se não existisse Max Roach, certamente não haveria Tony William, Elvin Jones, Jeff “Tain” Watts, Steve Gadd, Jack DeJohnette, entre outros.

Vou falar mais sobre MR na seleção musical, mas, antes, gostaria de contar uma história engraçada sobre ele e Miles Davis. Os dois eram muito amigos, e quando Miles chegou a NY, Max foi o cara que ele mais se apegou. Com o passar dos anos, os dois seguiram caminhos diferentes, mas sempre mantiveram o contato, e, eventualmente, se envolviam musicalmente (MR tocou bateria no clássico “Birth Of The Cool”, de Miles). Mas nos anos 60, quando o ativismo de MR estava a mil por hora, Miles (que estava pouco se lixando na época) foi fazer um show na Califórnia e Max, junto com a sua galera radical, resolveu protestar e se sentou no palco, aos pés de Miles, atrapalhando o show dele. O engraçado, mesmo, é a forma com que Miles descreve a situação, xingando o amigo.

Bom, vamos à seleção musical de hoje:

Podcast - http://canal.podcast1.com.br/lomez

"Dr. Free-Zee"
Max Roach + 4
Max Roach + 4, 1956
Vc pode medir o quão musical é um baterista analisando a forma com que ele segue as pausas de uma música. Tem gente que toca apenas nos ataques, outros ficam tocando entre as pausas e se esquecem de parar na hora certa, e alguns poucos (Roach é um deles) fazem tudo certo: param junto com a banda e dão um colorido entre esses pausas, criando, sem muita cerimônia, um outro tema dentro da composição original – eu é o caso dessa música. Outro detalhe importante é o tímpano (gravado depois por Max Roach). Note como ele repete a melodia, e ainda interage com a sua bateria, gravada anteriormente.

"Toot, Toot, Tootsie, Goodbye"
The Buddy Rich Quintet & The Max Roach Quintet
Rich versus Roach, 1959
A idéia de um duelo entre músicos não é muito considerada nos dias de hoje. De vez em quando, nesses festivais de bateria que acontecem no mundo inteiro, a gente até encontra algumas disputas entre bateristas, mas, na minha opinião, elas deixam a desejar sempre nos mesmos pontos: os jurados são todos bateristas e os competidores não querem mais destruir musicalmente seus adversários, o que deixa a coisa toda meio insossa. Antigamente, nos EUA, vc tinha famosas batalhas na TV aberta, em programas de auditório, onde o público comum era o juiz, e os bateristas não tinham piedade do colega. Um episódio engraçado ilustra bem essa atitude: Buddy Rich foi convidado a duelar com o baterista Ed Shaughnessy no popularíssimo “Tonight Show”, de Johnny Carson. Nos camarins, antes do show, Ed pediu para Buddy (que era um monstro) dar uma aliviada, e que não fizesse alguns de seus truques arrasadores. Buddy disse que tudo bem. Quando a batalha começou, Ed arrebentou e ganhou a simpatia do público. Buddy, ao perceber que poderia perder a disputa, sacou suas armas mais poderosas e destruiu Ed. E os dois saíram rindo. A disputa era exclusivamente musical. 100%.
De todas essas “drum battles”, uma muito famosa era a que acontecia entre Buddy Rich e Max Roach. Os dois tinham estilos muito diferentes – o primeiro era mais clássico, e o segundo, um representante da modernidade. Mas ambos eram muito técnicos e cheios de energia. Curiosamente, sempre que os dois encontravam Gene Krupa pelo caminho, perdiam feio. Krupa jogava para a galera (e não é isso que o músico deve fazer?) e, mesmo sendo tecnicamente inferior aos dois, sabia distinguir bem o gosto do baterista do gosto popular.
Bom, nem preciso falar muito dessa música, apenas que Buddy está no canal esquerdo e Max, no direito. Ouça com atenção e escolha o seu vencedor.

"St. Louis Blues"
Max Roach
Drums Unlimited, 1966
Um ótimo momento do encontro entre o tradicional e o moderno. Logo após o tema do sax soprano, a música dá a sua 1ª guinada, com bateria, piano e trompete lembrando, mesmo que de forma muito doida, o clima de uma parada em Nova Orleans. E quando o sax alto toma conta, o andamento dobra a e a música decola. É então a partir do solo do fodasso Freddie Hubbard que podemos perceber a grandeza de Max Roach atrás da bateria. Ele empurra a música a mil por hora, sem perder um notinha sequer, ao mesmo tempo em que interage, quase que instantaneamente, com os solos dos colegas. Os anos em que ele acompanhou Charlie Parker (a mente mais rápida que já tocou um instrumento) certamente o ajudaram a desenvolver essa telepatia musical.

"A Little Max (Parfait)"
Duke Ellington, Charles Mingus and Max Roach
Money Jungle, 1962
Imagine se o futebol não fosse um esporte casca-grossa, daqueles que acaba com o corpo do cidadão em um curto espaço de tempo. Dessa forma, caras como Pelé, Garrincha, Zizinho, Gerson e Ademir da Guia poderiam, em condições de quase igualdade física, jogar com Ronaldinho Gaúcho e Kaká. Pois bem, esse disco apresenta, nessa analogia infanto-juvenil, um time formado por Didi, Romário e Nilton Santos.
Duke Ellington é um dos maiores músicos da história. Ele divide com Louis Armstrong o título de gênio absoluto do jazz. Charlie Mingus é normalmente chamado de gênio (mais até pelas suas excentricidades do que por suas composições), e criou uma vertente musical que começa e acaba com ele (tamanha era a sua inventividade).
Era de se esperar, portanto, como acontece no futebol, que um time com tantas estrelas não jogasse nada. Mas o que acontece aqui é exatamente o contrário. Os 3 funcionam perfeitamente bem. Gosto dessa música (e desse disco) principalmente pelo piano de Duke Ellington. Ele conhece bem os segredos seculares do instrumento. No jazz, poucos entenderam o piano tão bem como Duke, Art Tatum e Nat “King” Cole.

"Brilliant Corners"
Thelonious Monk
Brilliant Corners, 1956
Na minha opinião, um dos melhores discos de Thelonious Monk. Musicalmente, gosto mais das composições dos anos seguintes, mas o conceito desse disco é muito bem amarrado. E o fato de ter MR na bateria torna a coisa ainda mais acertada. Quer dizer, eu acho os outros bateristas que tocaram com Monk funcionavam melhor para as suas composições. Mas a diferença de um cara como Max Roach na bateria, tocando muito mais notas e ocupando mais os espaços, cria um clima bacana para os arranjos, dividindo um pouco da atenção com o piano. Muito legal também é a forma como o andamento vai dobrando ao longo da música.

"Daahoud"
Clifford Brown and Max Roach
Clifford Brown and Max Roach, 1954
De todas as tragédias ocorridas no jazz, a morte de Clifford Brown é uma das mais sentidas. Não sou em quem diz, e sim a maioria dos críticos musicais. Clifford Brown tinha tudo, mas tudo mesmo, para se tornar o maior trompetista de todos os tempos. Tocava fácil coisas que eram dificílimas, sempre com o som cheio, com muito estilo. E, além disso, era um ótimo compositor. Ele morreu aos 26 anos, na época em que liderava, junto com Max Roach, seu quinteto, considerado um dos melhores da época. E numa época em que o quinteto do momento era o de Miles Davis, com um jovem John Coltrane. Aliás, eu diria que o quinteto de Brown e Roach era um dos poucos que poderia ganhar de barbada do grupo de Miles.

PS. Lembro que numas férias em Salvador, no início dos anos 90, conheci um carinha que era vidrado em jazz. Numa de nossas muitas conversas ele me contou sobre Clifford Brown, que tinha descoberto a sua música, mas não via ninguém falando dele, nem no rádio, nem na TV, nem nos jornais. Eu, claro, assim que cheguei em BsB fui atrás da fera. Cheguei a comprar várias coisas dele, mas por conta de dívidas como as locadoras de vídeo (acredite se quiser), tive que vender os discos para o sebo a preço de banana. O fato é que, até hoje, Clifford Brown ainda não recebe a atenção que merece.

"Bastille Day"
Max Roach and Dizzy Gillespie
Max + Dizzy – Paris, 1989
Dizzie Gillespie é um dos maiores gênios do jazz. Se não está no patamar de Duke Ellington, chega ali pertinho, graças ao seu virtuosismo no trompete, às suas composições e à sua mente extremamente privilegiada. Numa época em que os futuros príncipes do jazz (Bud Powell, Charlie Parker, Fats Navarro, Charlie Mingus, Thelonious Monk, entre outros) se perdiam nas paranóias do mundo das drogas, Dizzy mantinha a cabeça sempre limpa, sempre fresca e sempre apontada para o futuro. Se não fosse ele, por exemplo, não existiria essa ponte entre o jazz e a música cubana. Dizzy foi um dos primeiros a perceber o quanto o jazz poderia (e deveria) ser tratado como uma forma respeitada de arte.
Pois bem, esse disco marca o encontro entre dois grandes amigos, dois grandes mestres da arte de improvisar. E apenas os dois – o disco conta apenas com o trompete (e às vezes a voz) de Dizzy e a bateria de Max Roach. Escolhi essa música pq mostra um balanço diferente da bateria de Max Roach. Aliás, é importante mencionar que MR foi um dos primeiros jazzistas a perceber que o futuro da música negra estava no Rap.

"Man from South Africa"
Max Roach
Percussion Bitter Sweet, 1961
Aqui Max Roach estava no auge da sua fase cabeça. A começar pelo título, passando pela instrumentação e pela composição, ele coloca o seu jazz num patamar de coisa muito séria e com uma mensagem. Nesses compassos em tempos pouco usuais (essa música é em 7), podemos perceber o quanto o baterista entende do riscado. Normalmente, as divisões dos tempos em 5, 3 ou 9 soam muito duras, muito matemáticas. Gosto dos caras que conseguem fazer essas mudanças soarem macias, quase que naturais aos ouvidos. Quer dizer, naturais elas são, mas como a gente está acostumado a ouvir as coisas em 4/4, qualquer conta mais ímpar cria um certo incômodo na orelha. O nível desse incômodo, claro, é proporcional à qualidade de quem toca (e de quem ouve). Nota 10 para as congas, que conseguem dar um balanço fenomenal à batida.

"Anthropology"
Max Roach 4
The Max Roach 4 Plays Charlie Parker, 1957
Clássico de Charlie Parker. Aqui, Max Roach, em homenagem ao falecido amigo, dá a sua versão para uma das pedras fundamentais do bebop. MR tocou com CP por muitos anos (os principais) e proporcionou a dinâmica rítmica necessária para CP desenvolver a sua revolução. É interessante notar que essa gravação (assim como esse disco) não possui piano. Isso, ao mesmo tempo em que cria um “buraco” harmônico, dá muita liberdade para os solistas (e, conseqüentemente, para a seção rítmica). Gosto muito da forma como MR vai acompanhando os solos dos colegas. Além disso, a energia da bateria parece inesgotável. Hoje, acho que poucos carinhas conseguiriam tocar dessa forma, nessa velocidade, com essa intensidade.

"The Drum Also Waltzes"
Max Roach
Drums Unlimited, 1966
Quando falei mais cedo sobre a arte como forma de statement, essa música é um ótimo exemplo. Max Roach defendia que a bateria deveria ser tratada como uma pequena orquestra, com peças distintas que, dependendo do contexto, poderiam soar explosivamente juntas ou harmonicamente separadas. Aqui, ele escolheu a segunda opção. Sem querer entrar na questão técnica da coisa, é importante saber que essa música, assim como aquelas valsas de Strauss, funciona no compasso de 3 tempos. O que Max Roach fez de sensacional (além do statement em si) foi manter, ao longo de toda a música, os pés marcando o pulso em 3/4, deixando as mãos livres para solar (e isso é, até hoje, dificílimo). Nessa peça, MR segue a estrutura clássica do jazz, com a apresentação do tema, seguida pelos improvisos, voltando, no final, ao tema. A palavra é gasta e mal usada, eu sei, mas Max Roach aqui é verdadeiramente um artista.

PS. Sempre que alguém puxa assunto comigo sobre bateria, aponta a dificuldade que é usar os pés e as mãos de uma só vez. E eu sempre digo: “Isso é muito mais simples do que parece. A bateria segue apenas o balanço da música – os pés e as mãos vão atrás”. Difícil mesmo, eu sempre penso, é domesticar o instrumento e fazer o que MR fez nessa música.

"Onomatopoeia"
Max Roach
M'Boom, 1979
Nesse disco, Max Roach juntou um time de bateristas de primeira e montou um grupo só de percussão. A sua idéia era trazer a “turma do fundão” para frente do grupo e mostrar como esses instrumentos sozinhos podem dar vida a uma composição (e a um disco). Veja bem, estamos falando do jazz, e não da música erudita, onde existem peças inteiras dedicadas aos percussionistas. Na realidade de Max Roach, com sua ilibada reputação de jazzista, pensar num disco sem sax, trompete ou piano (mesmo no final dos anos 70), parecia algo descabido. O fato é esse disco cumpre o seu papel vanguardista e mostra que bumbo, marimba, tímpanos, vibrafone, xilofone, congas e, claro, bateria, dão conta de qualquer recado. Note como o arranjo dessa música é maneiro: começa meio zoneado, com um clima solto, para chegar numa batida de 11 tempos que vai crescendo, crescendo, num ritmo quase hipnótico.

"Backward Country Boy Blues"
Duke Ellington w/ Mingus & Roach
Money Jungle, 1962
Já falei sobre esse disco antes, por isso vou encurtar a conversa. Vou só reforçar o quanto acho legal esse arranjo, 100% blues, com um piano clássico, com o baixo quase que solando o tempo inteiro e com a bateria dando todo o balanço. É uma daquelas gravações que a gente gostaria de estar lá, batendo os pés e as mãos junto com a música.

Era isso.
abs
Txotxa

Art Blakey (1919 – 1990)

2007-10-25T11:34:00.000-03:00

Mudando um pouco o rumo da prosa, e deixando de lado os colegas roqueiros, vou tentar hoje (ênfase no tentar) falar um pouco sobre os meus ídolos jazzistas. Antes, porém, gostaria de fazer algumas considerações a respeito desse estilo tão reverenciado (e temido) que é o jazz.

Não sou, nunca fui e nunca serei especialista no assunto. Considero-me apenas um entusiasta da coisa, que foi aprendendo na marra, a partir de uma curtíssima literatura, da boa vontade dos amigos e de uma tremenda curiosidade para entender o que faz do jazz a maior expressão cultural norte-americana.

Bom, depois de alguns anos batendo cabeça, pude compreender algumas coisas. Uma delas diz respeito ao mito de o jazz ser uma música superior. Isso tem a ver, eu penso, com a forma com que as pessoas mais cultas se apropriaram do estilo, tornando o jazz uma coisa elitista, exclusiva das mentes sofisticadas que sabem apreciar a boa música fumando um bom charuto e bebendo um conhaque caro. Talvez pelo alto preço dos discos (na época não existia o mp3), consumir jazz era mesmo uma coisa para quem tinha dinheiro sobrando no bolso. E isso, talvez, tenha afastado as pessoas mais novas. Mas, de qualquer forma, essa idéia de música superior é uma besteira. Não existe isso. Quem define essa qualidade é o ouvido do freguês, que pode detestar “Giant Steps”, de John Coltrane, e adorar a batida simples de Bo Diddley.

No momento que entendi isso, perdi 90% do medo que tinha e pude focar nas coisas que achava realmente interessantes: a sincronia entre baixo, bateria e piano; o som e o improviso dos sopros; a dinâmica dos arranjos e, principalmente, o BLUES que corre nas veias de cada uma dessas composições (desculpem a vibração :) ).

Talvez o único pré-requisito para entender o jazz seja uma boa noção de sua cronologia. Besteira! Na verdade, isso seria apenas um facilitador. Não é imprescindível, apenas ajuda a montar o labirinto na cabeça. Mas isso vale para qualquer estilo, não? Quando entendemos que o reggae veio do ska, que veio do R&B norte-americano, não fica mais fácil compreender a sua batida? Eu quebro a cabeça para entender a cronologia do punk rock, para entender a ponte que existe entre o Gang of Four e o Franz Ferdinand, por exemplo. Portanto, qualquer estilo musical que tenha um pouco mais de conteúdo, precisa de uma “estudada” mais atenta. Mas é só. Depois disso, cada um caminha com as suas próprias pernas e vai atrás do que, realmente, lhe interessa. Sem medo e sem preconceito.

E é com tudo isso em mente que eu apresento o 1º jazzista desse blog: o incomparável Art Blakey. Para mim, ele representa uma corrente importantíssima no desenvolvimento da bateria. Junto com Philly Joe Jones, Max Roach e Elvin Jones, AB deu início à “modernidade percussiva jazzística”. E de todos esses, Art Blakey, além de mais velho, era, de longe, o que tinha mais swing – a sua condução era tão cheia de balanço que podia carregar a música sozinha. Além disso, AB acompanhou muito bem a evolução musical do começo dos anos 40 (que deu no Bebop), criando, com seu grupo, um estilo conhecido como Hardbop, que explodiu na metade dos anos 50.

Um fator importante na arte de Art Blakey (sem trocadilhos) era a sua capacidade de juntar ótimos músicos em suas bandas. Já passou pelos Jazz Messengers (grupo de Horace Silver que, depois, AB assumiu a batuta) gente do calibre de Wynton e Branford Marsalis, Bobby Timmons, Lee Morgan, Benny Golson entre outros gigantes.

Diferente dos grupos de Miles Davis, os jovens que tocavam com Blakey não precisavam mostrar genialidade o tempo inteiro e tinham liberdade para desenvolver em paz os seus talentos. De uma certa forma, era como se a escola dos Jazz Messengers fosse um curso pré-vestibular para a faculdade de Miles Davis. Não sei se Wayne Shorter, por exemplo, teria feito o que fez no 2º grande quinteto de Miles se não tivesse tido o tempo para desenvolver sua composição nos anos que passou com Art Blakey.

Vamos à seleção musical de hoje (que ficou bem extensa, por sinal):
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“A LITTLE BUSY”
Art Blakey & The Jazz Messengers
The Witch Doctor, 1961
Isso é balanço e o resto é brincadeira! Eu considero essa uma das melhores formações da história do jazz, com Lee Morgan (t), Wayne Shorter (st), Bobby Timmons (p) e Jymie Merritt (b). Gosto muito também desse arranjo, que não deixa a peteca cair em nenhum momento. Às vezes, uma música começa com o tema fodasso, cheio de swing, mas na hora dos solos cai num clima mais tranqüilo, mais tradicional, matando (pelo menos para mim) um pouco da originalidade. Aqui, a música não tira o pé do acelerador em momento algum. Composição do super-foda Lee Morgan, um cara que era excelente compositor e instrumentista.

“THE THEME”
Art Blakey & The Jazz Messengers
Buttercorn Lady, 1966
Como AB rendia ao vivo... Destaque para a participação do então jovem pianista Keith Jarrett, um dos que passaram pelo cursinho Art Blakey para a faculdade Miles Davis. Essa música é meio despretensiosa, com um clima meio de zona, de fim ou de início de show, mas eu me amarro muito na linha dos sopros, que soam colados com a caixa de AB.

“THE DRUM THUNDER SUITE”
Art Blakey & The Jazz Messengers
Moanin', 1958
Clássico dos clássicos. Considero este disco um dos Top 10 da minha vida. Tem de tudo, é uma aula completa. Essa suíte foi composta pelo grande saxofonista Benny Golson (aquele que o Tom Hanks tenta pegar um autógrafo no filme “Terminal”) e mostra o quanto AB sabia tudo e mais um pouco de tambores. Se a formação do disco “The Witch Doctor”, mencionada acima, é uma das melhores do jazz, eu considero essa, com BG no lugar de Wayne Shorter, a melhor dos Jazz Messengers. Era como se a musicalidade de todos caminhassem para o mesmo lugar. Li esses dias o guitarrista do Toto falando sobre tempo, dizendo que existia o tempo de cada um e o tempo de um conjunto. Ela cita o Neville Brothers como exemplo de uma banda que possui a mesma noção de tempo, onde todos vão para o mesmo lugar, no mesmo momento, da mesma forma. Eu penso que essa formação dos Jazz Messengers, em termos de melodia e harmonia, estão em perfeita sincronicidade.

“SOUL FINGER”
Art Blakey & The Jazz Messengers
Soul Finger, 1965
Um ótimo exemplo do que representa musicalmente o Hardbop, com uma forte pegada de soul. Podemos ouvir os furiosos rolos de caixa de AB nessa versão. Gosto muito da dinâmica dessa execução.

“UNITED”
Art Blakey & The Jazz Messengers
Roots And Herbs, 1961
Aqui a coisa já dá um nó na cabeça. O tempo da música é em 3, correto? Mas quem é que entende o que acontece do meio para a final, logo após o solo de piano? Eu fico com dor de cabeça, mas não consigo amarrar o tempo entre o baixo, a bateria e a percussão – note que o ximbau continua tocando a mesma célula do começo da música. Independente disso, essa versão mostra o quanto Art Blakey tinha um pulso firme, o quanto dominava todas as variações de compasso.

“IT'S ONLY A PAPER MOON”
Art Blakey & The Jazz Messengers
The Big Beat, 1960
Esse disco fez muito sucesso na época e possui uma das formação clássicas dos Jazz Messengers (citada na 1ª música desse podcast). Gosto muito dessa composição e, pelo o que me lembre, nunca ouvi um arranjo lascado. E essa versão não foge à regra. O solo de Blakey também é muito legal. Na verdade, ele possuía algumas frases bem características, que apareciam sempre em seus solos. Tudo bem, já que ele nunca foi o virtuoso da bateria (como eram Max Roach, Tony Williams ou Buddy Rich).

“SAFARI”
Horace Silver
Spotlight On Drums, 1952
E por falar em balanço, aqui vai uma gravação de Blakey com um dos pianistas/compositores que eu mais gosto, Mr. Horace Silver. Todas as músicas de Silver tem um funky sensacional, pilotado pela sua mão direita. O solo de Blakey, apesar de curtíssimo, é um dos mais musicais que eu já ouvi.

“AUTUMN LEAVES”
Cannonball Adderley
Somethin' Else, 1958
Uma aula de swing. Repare como o andamento não se altera (com exceção do final). Art Blakey sai da baqueta para a vassourinha e volta para as baquetas sem pressa, sem perder o balanço por mais de 9’. E esse andamento não é um dos mais fáceis – é daqueles se a bateria ficar um milésimo de segundo para trás mata a música, e se correr um centésimo, perde todo o balanço. Essa formação, com Miles Davis e o fabuloso pianista Hank Jones (irmão do baterista Elvin Jones) é sensacional. Cannonball ficou muito famoso depois disso, (meses depois, gravou o clássico “Kind of Blue”, com Miles), mas se eu tivesse que escolher entre todos os seus solos sensacionais, eu escolheria este.

PS. Sobre aquela história de ter contado com a "little help from my friends" para entender um pouco sobre o jazz, não posso deixar de mencionar a família da Joana (minha ex-colega de Maskavo Roots e, na época, namorada), que, mesmo sem saber, me emprestava muitos dos seus muitos discos de jazz. Outro que muito ajudou foi o meu grande amigo Alan, que me emprestava os discos de seu cunhado (que tem uma coleção imensa). Lembro que a gente pegava um monte de discos e eu ia correndo para casa gravar, antes que o dono notasse o “empréstimo”.

“IN THE WEE SMALL HOURS OF THE MORNING”
Art Blakey & The Jazz Messengers
Caravan, 1964
Outro disco muito famoso dos Jazz Messengers. Gosto muito dessa versão com o trombone. A música, de novo, é um standard e ficou muito bem arranjada. Aliás, umas das contas usadas para medir a capacidade criativa do jazzista (além da composição, é claro) é a sua capacidade de interpretar os standards. Aqui, AB cria uma batida bem interessante, cheia de clima e de partes sutis.

“MOANIN'”
Art Blakey & The Jazz Messengers
Moanin', 1958
Essa música talvez seja o maior hit do grupo de Art Blakey. Adoro o compositor, o pianista Bobby Timmons. Quase todas as suas músicas têm esse pegada forte de blues, de soul. Uma coisa que sempre me admira (e eu já devo ter ouvido esse disco umas 1000 vezes) e a forma como o piano e o sopro vão se alternando no tema. Os solos de Lee Morgan (tp) e de Bobby Timmons também são sensacionais. E a batida de Art Blakey, que mais lembra um R&B clássico, empurra a música na medida certa. E como diria o pião, ainda tem um plus a mais: a Geórgia, minha mulher, me deu de aniversário uma versão remasterizada desse disco, que tem o melhor som que já ouvi na vida.

Era isso.
abs
Txotxa

Keith Moon (1946 - 1978)

2007-10-23T10:29:00.000-03:00

Existem malucos e malucos. O termo, nos dois casos, não tem relação alguma com o movimento hippie ou com a forma com que os playboys se cumprimentam. Maluco, aqui, beira a demência patológica.

Dividindo a carga do conceito, o 1º grupo seria composto por aqueles que entram e saem de manicômios, que passam a maior parte do tempo sedados e que, por um infortúnio genético, nasceram com a fiação trocada.

Já os malucos do 2º time, o mais perigoso, são aqueles que, por abusos químicos diversos, viraram na esquina da insanidade e não conseguiram mais retornar. Nesse time está gente como Jim Gordon (fabuloso baterista que, cumprindo ordens do Diabo, matou a mãe a marteladas), Jonh Bonham (que mijava nas calças e mandava o roadie trocar com ele de lugar no avião) e Keith Moon (certamente, o pior de todos), que já entrou com um tanque de guerra em uma festa, já colocou bombas dentro do bumbo sem avisar os colegas de banda a hora da explosão, já tirou a roupa inteira num programa de TV, entre outras demências.

Mas assim como os outros dois colegas, KM era um fenômeno atrás da bateria. Seu toque era leve e rápido (talvez o mais rápido de sua geração). Suas viradas até hoje são dificílimas e poucos conseguem tocá-las do jeito correto. Pq existe, eu acredito, um jeito certo de se tocar a bateria de KM. Não dá para acompanhar as músicas do The Who pensando num ritmo definido, numa batida que tenha balanço. As músicas deles que têm um certo swing são fruto muito mais do baixo e da guitarra (mais até do violão). Pq a bateria é caótica, cheia de tambores e pratos o tempo inteiro (ele raramente usava o ximbau para conduzir o ritmo).

Mas isso não representa nenhum demérito em relação às qualidades de KM. Mostra apenas que o excesso, característica mais marcante em sua vida pública, é também responsável pela sua distinção musical. E é esse excesso musical que impede caras geniais como Simon Philipps, Kenney Jones e Zak Starkey (todos ex-bateristas do The Who) a repetirem as batidas de Keith Moon.

Vamos a elas:

THE OX
The Who Sings My Generation, 1965
Keith Moon mostra que não veio para brincadeira. Toca o tempo inteiro, numa versão que poderia ser escrita para uma pequena orquestra de percussão. Me admira a intensidade que ele mantém por quase 4’, sem dar descanso às peles. Sinceramente, acho que, até hoje, pouquíssimas pessoas teriam a idéia de tocar essa música dessa forma.
Vou até sugerir para o meu querido amigo Gabriel Coaracy, baterista dos Bois de Gerião, que pense num arranjo dessa música para o seu grupo de percussão erudita. Dá para usar tudo, marimba, tímpanos, xilofone, rontontons, pratos etc.

GOING MOBILE
Who's Next, 1971
Por favor, alguém poderia me explicar a virada que ele faz logo após a 1ª frase de Pete Townshead? Coisa de doido. Nesse tipo de arranjo, com violão, KM deita e rola. Essa música, aliás, é um bom exemplo de como o balanço da banda vinha de PT e, às vezes de Roger Entwistle. Keith Moon tinha outras preocupações. De novo, uma forma de tocar a bateria que alguém dificilmente pensaria. Note como ela pára, vai e volta, mas sem nunca perder a adrenalina.

I'M THE FACE
Odds And Sods, 1974
Como toda regra tem exceção, aqui KM se concentra no balanço, colado no baixo. É impressionante o quanto o The Who era uma banda foda, com domínio total da linguagem do rock. Esses dias, estava assistindo com o Carlos, do Prot(o), um ensaio do The Who (no YouTube, claro), onde eles, de zona, tocavam “Barbara Ann”, dos Beach Boys. E mesmo de zona, eles não conseguiam fazer feio.
Para quem quiser conferir, aqui vai o link do vídeo:
http://www.youtube.com/watch?v=4d6mj7PG9qA&mode=related&search=

SHAKIN' ALL OVER
Live At Leeds, 1970
Um dos melhores discos ao vivo do pedaço. Não quero dar uma de saudosista (até pq nem tenho idade para isso), mas acho que nos 60 e 70 as bandas eram musicalmente (não artisticamente) melhores que as de hoje. Como as coisas funcionavam na marra, o cara tinha que fazer muito bem o dever de casa. E isso se reflete, ao meu ver, na qualidade dos discos ao vivo gravados nessas décadas (especialmente nos anos 70). Olhe só: “Wings Over America”, “Frampton Comes Alive”, “Get Yer Ya-Ya's Out!”, “Before The Flood”, independente do gosto do freguês, são discos extremamente bem tocados, com dinâmica de banda, com musicalidade de sobra. E hoje, não vejo discos assim. Vc tem um que é legal pela energia, outro pela interação com o público, outro pela qualidade de captação, mas não ouço um para deixar o queixo caído.
Bom, isso tudo para dizer que, dentre todos esses fodassos, o “Live At Leeds” se sobressai na minha lista.

LET'S SEE ACTION
Single, 1971
De novo o violão amarrando som. Adoro o balanço dessa música. A batida de KM chega a ser meio desleixada, mas sem atrapalhar o arranjo. Note como ele carrega a música no ximbau sem pressa, sem tocar todas as notas do compasso. Muito legal também é ver o quanto ele reage rapidamente às partes dos seus colegas – no solo de guitarra, ele vai marcando as partes com o prato. De novo, qualquer outro baterista sem os temperos de KM deixaria a música insossa. Saudável, mas insossa.

I'M FREE
Tommy, 1969
Um ótimo exemplo de batidas que nos derrubam da cadeira. Quando o riff começa, nós já vamos batendo o pé num tempo, até que chega a bateria e arrasa com qualquer chance de bater palma. No final, a bateria resolve “fazer as pazes” com os outros colegas. Música foda de um disco foda.

WHO ARE YOU
Who Are You, 1978
Aqui já ouvimos KM no final da vida (uma pena). Acho essa bateria uma das mais arrasadoras que ele já gravou, tanto pelo som quanto pelas notas. E para “piorar” a vida dos bateristas, ele ainda toca por cima de uma base eletrônica (com as palminhas) como se não fosse nada demais. Dessa época, aliás, eu me amarro no visual dele tocando com um fone de cabo de telefone. Simon Philipps já gravou essa música com o Who, mas não conseguiu acertar os espaços do jeito correto, do jeito KM.

YOUNG MAN BLUES
Live At Leeds, 1970
Quando falei acima das viradas ultra-rápidas de KM, eu me referia especialmente a essa música. Dá gosto de ouvir uma formação tão coesa quanto essa. Realmente (e infelizmente) só de décadas em décadas surge uma banda assim.

BABY DON'T YOU DO IT
Who's Next, 1971
Ouvi essa música pela primeira vez com o The Band. Achei bem legal, mas depois de ouvir a versão do Who, pude entender o que o termo “incendiar” representa musicalmente. A bateria de KM dá show e carrega a música inteira nas costas. Esse disco, aliás, é um dos Top 10 de qualquer discoteca de rock.

SQUEEZE BOX
The Who By Numbers, 1975
Esse eu escolhi muito mais por uma boa lembrança do que pela bateria. Quer dizer, KM toca muitíssimo bem (como sempre), mas o que me alegra nessa música é lembrar do Spigazul, grupo que tive a honra de participar. Lembro de um ensaio que fizemos (eu, Gagui e Futrica) com o Fitinha (o vocalista), depois de uns 5 anos sem tocarmos juntos, e tocamos essa música. Foi impressionante o quanto essa música soou bem (e ainda soa na minha memória).

Podcast: http://lomez.mypodcast.com/

Era isso.
abs
Txotxa

Coletânea, Vol. 2

2007-10-04T18:37:00.000-03:00

Como as respostas para a postagem anterior foram legais, resolvi seguir no caminho das coletâneas. Vamos lá...

Podcast: http://lomez.mypodcast.com/

KENNEY JONES
Borstal Boys
FACES – OOH LA LA, 1973
Taí um cara que deveria estar em qualquer lista dos 10 melhores bateristas de rock de todos os tempos. Não bastasse ser sócio-fundador do importante Small Faces e, depois, do Faces, KJ foi escolhido para substituir ninguém menos do que Keith Moon nas baquetas do Who. Aliás, o Faces é uma banda que merecia muito mais destaque. Durou pouco, mas deixou discos sensacionais. Voltando ao KJ, ele consegue fazer (com o pé nas costas) o que considero ser o sonho de qualquer baterista de rock: ter técnica de sobra e, ainda assim, respeitar as características tradicionais do estilo. Ouça essa música e repare na forma que ele carrega a música nos tambores.

PS. 1 – Quando assisti ao filme “25 x 5”, sobre os Rolling Stones, lembro do Ron Wood contar que ficou preocupado em largar os Faces para ingressar nos Rolling Stones. Na época eu pensei: “Que cara louco! Que dúvida ele poderia ter?”. Hoje, eu entendo perfeitamente, já que, na época, os Rolling Stones eram, na minha humilde opinião, inferiores aos caras (desculpem o trocadilho).

WILLIE "WILD" SPARKS
Got To Go Through It To Get To It
GRAHAM CENTRAL STATION – RELEASE YOURSELF, 1974
Vamos considerar o funk (ou funky) como uma forma de tocar, e não como um estilo musical. E que o funk presente em cada músico seja algo mensurável, assim como os “midichlorians” no sangue dos Jedis :-). Seguindo esse analogia, podemos afirmar que, quando o assunto é funk, Larry Graham é mais poderoso do que Yoda, Anakim e Palpatine juntos. Não só como baixista, mas como cantor e multiinstrumentista. E a sua banda, montada após os anos na escola Sly Stone, é uma das mais avassaladoras que já existiram. Ouçam a bateria de Willie Sparks e notem como ela é diferente – ela puxa a música pára trás, enquanto o baixo empurra o ritmo como uma locomotiva. E que arranjo, hein?

PHILIP "FISH" FISHER
Unyeilding Conditioning
FISHBONE – GIVE A MONKEY A BRAIN...,1993
Descobri ontem que ele gravou o 1º disco do Fishbone com 14 anos!!! Parece coisa do demo alguém tocar daquele jeito com tão pouca idade. Vai entender... O fato é que nessa gravação, oito anos mais velha, “Fish” Fisher dá o gabarito do que é tocar ska de um jeito moderno. Notem como ele toca o tempo inteiro, com muitas notas, mas não sobrecarrega o arranjo em nenhum momento. Poucos caras são capazes de sair de uma batida dessas para um hardcore, passando para um funk, sem perder o rebolado.

JOHN DENSMORE
Peace Frog
THE DOORS – MORRISON HOTEL, 1970
Descobri essa música assistindo a série “Entourage”, na HBO. Conhecia esse disco apenas pelo superhit “Roadhouse Blues”, pois, na minha infinita preguiça, nunca havia me dado o trabalho de correr a agulha algumas faixas adiante. John Densmore é um baterista fora de série. Toca leve, tem técnica de jazzista e mantém firmemente o compasso. É uma pena que a “mística” em torno de Jim Morrison tenha, em parte, soterrado as verdadeiras qualidades musicais do grupo (dele inclusive).

ROGER POPE
Your Starter for...
ELTON JOHN – BLUE MOVES, 1976
Esse cara tocou com o Elton John em várias gravações e turnês. Até a chegada de Nigel Olsson, ele era o cara que segurava as baquetas para EJ (sem piadinhas, por favor). Gosto muito do som dessa bateria (principalmente do ximbau). Essa música mostra bem o quanto EJ era um compositor virtuoso. E acompanhar esse arranjo com uma bateria tão macia é mesmo para poucos.

CHRIS FRANTZ
Thank You For Sending Me An Angel
TALKING HEADS – MORE SONGS ABOUT BUILDINGS AND FOOD, 1978
Casamento é uma coisa difícil. Tocar numa banda durantes décadas, tão difícil quanto. E quando alguém resolve juntar as duas coisas? CF, casado com a baixista do Talking Heads, não só mostrou como é possível essa relação, como ainda colheu belos frutos no âmbito musical. A cozinha do TH não é composta de virtuosos, mas funciona que é uma beleza. Nessa música, podemos perceber o quanto baixo e bateria trabalham bem, tocando simples, mas com muita pressão. Adoro essa bateria, meio marcial e muito precisa, que já começa com o pé no acelerador. Grande música de um grande disco de uma grande banda!

CLYDE STUBBLEFIELD
I Got The Feelin'
JAMES BROWN – SINGLE, 1968
Ele é conhecido como o baterista mais sampleado da história. Eu acredito, já que a virada de “Funkin’ Drummer” virou padrão nas entrada dos hip-hops dos anos 80. E essa bateria mostra bem como CS conseguia colocar nas baquetas as idéias de James Brown. Aliás, essa é até uma coisa interessante de se pensar: qual a real contribuição do baterista quando a idéia da batida surge na cabeça do vocalista (que, no caso, também era baterista)? De qualquer forma, o simples fato de alguém conseguir executar (com tanta categoria) uma coisa tão complicada (para época) é motivo de admiração.

PS. 3 – Quem quiser ouvir essa música numa versão diferente, é só alugar “48 Horas, parte 2” e curtir o Eddie Murhpy cantando no ônibus, saindo da prisão. Sensacional...

STEPHEN MORIS
Age of Consent
NEW ORDER – POWER, CORRUPTION & LIES, 1983
Desde a época do Joy Division, a onda de Stephen Morris era outra. Ele tocava dum jeito diferente, durão, como se tivesse aprendido a bateria na marra (talvez tenha sido assim, mesmo). Mas numa banda onde o baixo é tão agudo quanto a guitarra, não poderíamos esperar um baterista tradicional, né? O fato é que SM e suas batidas diferentes casam muito bem nas composições. Particularmente, no caso do New Order, prefiro as batidas tocadas por ele, ao invés das programadas.

PS. 4 – Eu considero aquela cena do filme “24 Hour Party People”, em que o Stephen Morris fica tocando em cima do telhado, sozinho, depois de todos terem saído do estúdio de gravação, uma das mais engraçadas que já vi.

PS. 5 – Seguindo a dica do meu amigo Elcio Jr, vou disponibilizar, sempre que possível um vídeo que tenha a ver com o post. Por isso, aqui vai o New Order, em 1984, tocando essa música no estúdio.

http://www.youtube.com/watch?v=0VcGJZpfl1c&mode=related&search=

TERRY BOZZIO
Wind Up Workin' In A Gas Station
FRANK ZAPPA – ZOOT ALLURES, 1976
Simplesmente o melhor baterista que passou pelas dezenas de formações do grupo de Frank Zappa. Na minha opinião, Terry Bozzio foi o que mais se integrou aos conceitos de FZ. E a admiração do patrão por TB era tamanha que ele escreveu um solo de bateria só para ele. A peça se chama “The Black Page”, tamanha era a quantidade de notas na partitura. Além disso, TB era muito musical (cantava bem para burro) e sabia dosar muitíssimo a sua tremenda técnica com um feeling impecável. Escolhi essa música por dois motivos: 1º, está num disco que adoro; 2º, tinha a duração adequada para o podcast. Além disso, é muitíssimo bem tocada. Reparem como a bateria passa pelas partes complicadas sem nunca perder a pressão.

JOHN GUERIN
Free Man in Paris
JONI MITCHEL – COURT AND SPARK, 1974
Tocar bateria numa banda que tem violão (e que não seja MPB!) é sempre uma benção. Pq o violão amarra o som de tal forma, que a bateria fica mais livre, além de não precisar meter a mão (já que os volumes normalmente são mais baixos). E essa versão é bem o caso. A bateria toca por cima de todo mundo, bem suave, mas cheia de balanço. A classe de JG (famoso músico de estúdio nos anos 70) é imensa, e ele segue todas as “curvas” de compasso do arranjo sem se chocar com nenhum instrumento. Swing de sobra num arranjo bem sofisticado. O que não é novidade, já que JM não contratava vagabundo para a sua banda.

JAMES STROUD
Groove Me
KING FLOYD – SINGLE, 1970
Confesso que nunca ouvi falar de James Stroud na vida. Por isso fui atrás de alguma informação que me ajudasse a entender a admiração incondicional que tenho por essa gravação. No final, descobri que ele era um músico de estúdio e que hoje é um produtor de sucesso em Nashville. Não ajudou muito, né? De qualquer forma, adoro a “aparente” simplicidade com que essa música é tocada. Digo “aparente” pq não é nada simples manter essa batida o tempo inteiro, sem atropelar, sem invadir o espaço dos outros instrumentos (e essa música é toda dividida). O baixo e a voz talvez sejam as coisas mais fodas da música, mas essa bateria sempre foi, para mim, referência de groove (ê trocadilho safado...).

AL JACKSON, JR
Shake
OTIS REDDING – OTIS BLUE: OTIS REDDING SINGS THE SOUL, 1965
Deixei o mais foda dos fodas para o final. Quando assunto é soul, ninguém, mas ninguém mesmo, chega perto de Al Jackson Jr. Ele foi o baterista oficial da Stax nas décadas em que o selo era sinônimo de soul e rivalizava com a Motown. AJ era o baterista do Booker T. & The MG‘s, sensacional grupo que acompanhava, ao vivo e no estúdio, o lendário Otis Redding. “Shake” é um dos clássicos do também legendário Sam Cooke, mas OR, com a ajuda providencial de Al Jackson Jr, dá nova cara à música, transformando-a em uma de suas composições. Notem como AJ tem o controle total do arranjo e vai regendo as passagens de trás da bateria, empurrando a batida, sem perder um centímetro do balanço.

Era isso.
abs
Txotxa

Coletânea, Vol. 1

2007-10-02T12:39:00.000-03:00

Parece preguiça (não é, juro), mas eu resolvi misturar alguns bateristas numa mesma postagem. São caras que eu não sei se conseguiria escrever separadamente sobre cada um. Por isso, montei um podcast com um time de 1ª.
Espero que gostem...

Podcast: http://lomez.mypodcast.com/

JAMES GADSON
Use Me
BILL WITHERS – STILL BILL, 1972
JG é um dos bateristas com mais horas de gravações (e sucessos) no currículo. Tocou com muita gente da pesada, mas sempre manteve o clima leve nas suas batidas. Leve, mas não frouxo ou mole. Essa música é um ótimo exemplo de como sabia (e ainda sabe) manter uma cadência e dividir a batida. Já ouvi outras gravações para essa música (uma até do Mick Jagger), mas ninguém chega perto dessa levada, com apenas caixa, bumbo e ximbau. Essa é a prova de que as máquinas nunca vão chegar perto dos grandes perto dos bateristas.

BILL BRUFORD
America (Single Version)
YES – SINGLE, 1971

Sempre achei o BB meio mala. Em várias vezes já o vi reclamando de música alta, de música muito fácil, de músico que não estuda. De qualquer forma, a sua bateria não tem nada de chata. Ele é um cara que entende muito de dinâmica e de espaços. Tocou nos grandes grupos de rock progressivo e mantém a sua própria banda a todo vapor. Nessa gravação (aliás, em todas que ele fez com o Yes) eu adoro o som da bateria. É uma das melhores versões que eu já ouvi das músicas de Simon & Garfunkel (apesar do clima percussivo no final).

BILLY FICCA
See No Evil
TELEVISION – MARQUEE MOON, 1977

Não entendo como esse cara pôde passar tão despercebido (pelo menos no meu universo). Acho que nunca ouvi ninguém falar da bateria desse disco. É claro que as guitarras chamam muito a atenção, mas a jeito que BF toca é muito sofisticado para a época. Ele tem técnica e swing suficientes para colocar qualquer um de sua geração no bolso. E essa música, além de muito foda, consegue mostrar bem a arte de BF: cadência, bom gosto na composição, excelente uso do ximbau dos pratos.

PRINCE
Soft And Wet
PRINCE – FOR YOU, 1978

Esse aí é um fenômeno. Miles Davis disse que sabia, sempre, quando o baterista era Prince ou um outro músico. Eu até me arrisco em alguns palpites, tamanho é o seu estilo como baterista. Note como a bateria toca simples, mas sempre no espaço certo do compasso. E a forma como ela e as palmas se completam é impressionantemente bem pensada (e executada).

DAVID GARIBALDI
Down To The Nightclub

TOWER OF POWER – BUMP CITY, 1972

O TOP é uma das bandas mais precisas que eu já ouvi. E essa bateria é uma aula de como não se deixar sobras no som. Cada nota (são tantas) de sua batida é tão bem estruturada que consegue amarrar todo o arranjo (são tão complicados). É como se DG acompanhasse todos os instrumentos de uma só vez, não apenas o baixo, independente da dificuldade implicada nesse processo. Sempre que penso em tocar uma batida mais intrínseca (mas sem perder o feeling) tento, sem sucesso, imitar Mr. Garibaldi.

FABRIZIO MORETTI
You Only Live Once
THE STROKES – FIRST IMPRESSIONS OF EARTH, 2005

Confesso que não sou especialista no som dos Strokes, muito menos na batida de FM. Mas quando ouvi esse disco, e essa música abre o disco, fiquei de cara. A levada que ele faz com a mão direita (e que som maneiro) é sensacional. E isso fica claro quando ele passa para o ximbau, soltando a batida. Isso é arranjo foda e o resto é brincadeira. Curiosidade: alguém aí também acha a intro dessa música igual a intro de “I Want To Break Free”, do Queen?

ALAN WHITE
How?

JOHN LENNON – IMAGINE, 1971

Já que incluí o Bill Bruford nessa lista, não quis deixar de fora o Alan White (que sempre me pareceu mais legal que seu antecessor no Yes). Não só por isso, mas pelas tremendas qualidades que tem como baterista. Poucos caras na história passaram pelo seu batismo de fogo: tocar num show, sem ensaio, com John Lennon e Eric Clapton. Causou tão boa impressão que acabou participando de alguns discos de JLennon. Entre todas essas gravações, gosto muito dessa. A forma com que a bateria toca e deixa os espaços é dificílima de se executar. O arranjo dessa música é complicado, mas AW, na minha opinião, se sai muitíssimo bem.

STEVE FERRONE
You Don't Know How it Feels

TOM PETTY – WILDFLOWERS, 1994

Essa música é uma aula de bateria. Steve Ferrone toca a mesma célula (com apenas uma alteração de nada) durante os quase 5’ de gravação. Já vi SF tocando com o Duran Duran (no Brasil), com o Eric Clapton (em Brasília), mas eu acho que esse esquema com o Tom Petty funcionou muito melhor. Outra coisa legal é o fato de SF usar apenas ximbau, bumbo e caixa nessa música e, ainda assim, consegue dar toda a dinâmica que a música necessita.

ROGER HAWKINS
The Weight
ARETHA FRANKLIN – THIS GIRL'S IN LOVE WITH YOU, 1970

Esse é tão foda quanto esquecido. Quer dizer, algumas pessoas ainda lembram que era ele a máquina propulsora dos Muscle Shoals (estúdio no sul dos EUA que ajudou a definir o som de Aretha Franklin, Wilson Pickett, Paul Simon entre muitos outros), mas não vejo RH ser devidamente homenageado pelos músicos de hoje. Note o balanço da bateria, veja como ela empurra a música e, ainda, consegue manter-se em seu lugar. Detalhe: nessa versão para o clássico do The Band, quem toca o slide é ninguém menos do que Duanne Allman.

NATHAN FOLLOWILL
King Of The Rodeo
KINGS OF LEON – AHA SHAKE HEARTBREAK, 2004

Essa banda é bem foda. Só fui conhecê-la com atraso, na época em que vieram ao Brasil. Uma coisa engraçada a respeito desse baterista é que ele não chama muito a atenção nem pelo som (que soa pequeno nas gravações) e nem pelo visual (usa um set limpo, econômico). Mas é só prestar atenção (de verdade) na batida para notar o quanto ele é um músico ligado. Mesmo numa banda que tem um clima meio “largado”, a bateria de NF é muito bem dividida e ajuda bastante os arranjos dos irmãos.

OMAR HAKIM
Corner Pocket
WEATHER REPORT – SPORTIN' LIFE, 1984
Omar Hakim foi um dos meus primeiros heróis da bateria. Até hoje eu o considero fodasso. Essa música resume bem todas as suas qualidades: ritmo impecável, dinâmica no lugar certo e um balanço livre-leve-e-solto. O tempo em que ele tocou com o Weather Report (até o Sting comprar o seu passe) representa, para mim, uma das 3 melhores formações do grupo. Gosto muito desse disco, apesar dos fãs da fase mais jazz do grupo desconsiderarem completamente o álbum. Detalhe para a participação de Bobby McFerrin no comecinho da música.

Era isso.
abs
Txotxa

Joey Kramer

2007-09-18T18:41:00.000-03:00

Quando fui estudar (pelo tempo recorde de 15 dias!) na prestigiosa Berklee College of Music, em Boston, lembro nitidamente de um painel com as fotos dos famosos ex-alunos da faculdade. A maioria das imagens era do pessoal de jazz, e alguns gatos pingados do R&B norte-americano. Do rock, apenas duas fotos: Muzz Skillings e Will Calhoun (ambos do Living Colour) e Joey Kramer (com um cabelo horroroso de mola de isqueiro).

Os dois primeiros eu até entendi, porque o Living Colour tinha uma pegada meio de virtuose, com muitas partes e tal. Agora, que diabos o baterista do Aerosmith poderia ter aprendido lá?
Até hoje não tenho resposta. Porque, com raríssimas exceções, os bateristas saem de Berklee com o mesmo “sotaque”, com uma pegada que não ajuda muito no universo rock’n’roll.

Vai ver a Berklee faz como o Colégio Objetivo: basta pedir informações na escola que você se torna automaticamente um ex-aluno. Não sei...
O fato é que isso deixou uma pulga atrás da minha orelha em relação ao Joey Kramer.

Quando o Aerosmith bombou de vez no Brasil, nos anos 90, comecei a prestar atenção nas baterias de JK. Mesmo naquelas baladas melosas, dava para perceber uma pegada firme e 100% dentro do ritmo. Fui atrás das coisas mais antigas do grupo, da época em que eles viviam on the edge (perdoem o trocadilho), e batida estava lá – sempre com pressão, sempre no lugar certo do compasso.

Joey Kramner consegue manter uma precisão acadêmica sem perder um milímetro de pura inspiração e influência rock’n’roll. Nas suas gravações, vc não encontra uma nota fora do tempo, nenhuma batida mais fraca que a outra, nenhuma sobra de prato ou de virada.
E como essa perfeição é tão incomum no universo musical, JK resolveu gravar algumas de suas batidas mais conhecidas, além de outras mais novas, e disponibilizou para venda o “Joey Kramer Drum Loops and Samples”.
Hoje, portanto, bastam U$ 50.00 para qualquer um ter JK no seu disco.

Para os que defendem a tese de que o Aerosmith não passa de um mistura lascada de Led Zeppelin com Rolling Stones (e essa idéia, em muitos momentos, até que procede), só peço que poupem o pequeno-grande Joey Kramer, porque ele, mesmo tendo um pouco de Charlie Watts e John Bonham, de lascado não tem nada :-)

Ah, dizem os livros que a idéia do nome da banda partiu de JK.

Vamos ao podcast, que hoje é dedicado aos irmãos Philippe e Alex Seabra, profundos conhecedores do melhor hard rock produzido nos anos 70 e 80.

Podcast: http://lomez.mypodcast.com/

SIGHT FOR SORE EYES
Draw The Line, 1977
“4 on the floor”. De novo, o termo aparece nesse blog. Aqui JK dá o gabarito da batida. Gosto do muito do som dessa bateria – aqui ele ainda não tinha optado pelos tons mais curtos. Legal também é a forma com que ele toca o ximbau. 100% de balanço.

LAST CHILD
Rocks, 1976
Para muita gente, o melhor disco do Aerosmith. Adoro o delay dessa bateria. JK amarra a música (no melhor sentido) e não deixa ninguém sair de perto do tempo. Das coisas que eu já ouvi do grupo, eu acho essa umas gravações mais bem feitas – as guitarras e as vozes são excelentes.

SWEET EMOTION
Toys In The Attic, 1975
Para mim, umas das melhores linhas de baixo de todos os tempos. A cozinha de JK e Tom Hamilton mostra porque é considerada uma das mais consistentes na história do rock. Outro detalhe importante que muitos se esquecem é que os dois reinam absolutos na categoria Seção Rítmica com o Cabelo mais Escroto, barrando todo o pessoal da Motown, todos os baixistas que passaram pela banda de James Brown (Bootsie, especialmente) e todos os bateristas brancos que encarnaram um permanente no fim dos anos 60.

NEVER LOVED A GIRL
Honkin' On Bobo, 2004
Versão moderna para o sucesso de Aretha Franklin. Escolhi essa por causa da forma com que JK toca o R&B. Ele mete a porrada, mas não esquece a essência de se tocar o blues em 3 tempos...

TOYS IN THE ATTIC
Toys In The Attic, 1975
Começa com o pé no acelerador e não pára mais. JK vai acentuando as passagens com a inflexão certa. Um dos clichês do rock é quando o baterista toca no prato de condução na hora do solo da guitarra, certo? Mesmo assim, são poucos que conseguem fazer essa transição sem derrubar a música. Ouça e veja como é que deve ser feita a passagem.

GIRL KEEPS COMING APART
Permanent Vacation, 1987
Uma versão mais moderna do que já foi o clássico R&B norte-americano. As guitarras (com exceção do solo) e a bateria tocam na melhor tradição Soul. Muito legal também é o arranjo de sopros.

MOTHER POPCORN
Live Bootleg, 1978
E por falar em tradição, nada melhor do que essa versão para o mega-sucesso de James Brown. Aqui, JK passeia por uma das batidas mais tradicionais e difíceis do cancioneiro Funky. Sem desmerecer os restante dos músicos (Joe Perry é mesmo um excelente guitarrista), a música funcionaria muito bem apenas com o sax convidado e com as baquetas de JK.

MAMA KIN
Aerosmith, 1973
Do 1º disco. Gosto dessa bateria pela qualidade técnica da execução e da gravação: podemos ouvir todas as nuances da batida. JK comanda muito bem as passagens e não faz corpo mole em acentuar TODAS as passagens da melodia. Normalmente, esse tipo de approach pode tornar a bateria busy (desculpem, não encontrei o português que se encaixasse melhor), mas JK toca no limite certo.

LOVE IN AN ELEVATOR
Pump, 1989
Apesar do clipe dessa música ser bem farofa, a bateria de JK é seriíssima e trabalha de uma forma que poderia causar ciúmes em John Bonham. Note como, nas estrofes, JK toca bem simples, de forma bem espaçada. Só quem tem o tempo muito acertado na cabeça, nos pés e nas mãos pode fazer isso sem atrasar ou atropelar a batida. Impressionante também é como ele muda o groove (não queria usar essa palavra, mas...) no bridge. Como diria o finado Carlos Imperial: “Bateria – 10, nota 10!”.

JIG IS UP
Rock In A Hard Place, 1982
Esse disco é bem renegado pelo fato de não contar com os dois guitarristas originais (Brad Whitford e Joe Perry). Mas JK toca, como sempre, muito bem. Essa música é um bom exemplo de como ele deixa o tempo assentar, mas sem nunca atrasar a batida.

WALK THIS WAY
Toys In The Attic, 1975
Clássico dos clássicos. Essa música está presente em todas as listas de grandes baterias do rock. Sua introdução poderia (e deveria) servir de teste para qualquer um queira se considerar baterista.

Era isso.
abs
Txotxa

Bill Ward

2007-08-30T16:35:00.000-03:00

Em 1º lugar, queria me desculpar pelo atraso nas postagens. Peguei umas semanas de férias e deixei de lado o blog.
Vamos lá....

Nunca fui metaleiro, confesso. Já tive a minha fase de gostar de Iron Maiden (aliás, Nicko McBrain foi o 1º baterista que eu vi num vídeo), mas nunca deixei o cabelo crescer, nunca usei tênis cano alto, jaqueta de couro e calça jeans e nunca “bati cabeça”.
Por isso, bandas como Dio, Judas Priest, Accept, Saxon, Megadeth ou Metallica nunca prenderam muito a minha atenção. E com o Black Sabbath não foi diferente. Mesmo gostando muito de Led Zeppelin e Deep Purple, nunca me esforcei para conhecer melhor a última perna da Santa Trindade do Hard Rock Proto-Heavy Metal.

Só fui começar a acompanhar o BS mais de perto quando o excelente Mike Bordin (ex-baterista do Faith No More) começou a tocar com o Ozzy Osbourne.
Numa de suas entrevistas, MB, elogiava horrores as músicas do BS e o quanto ele sempre soube todas as batidas de cor.
Fiquei intrigado, pois, até então, não conseguia fazer uma ponte entre o som do BS e o do Faith No More.

Hoje, já consigo visualizar essa ponte entre o Black Sabbath e centenas de outras bandas. Mas uma coisa que ainda me parece pouco explorada (ou divulgada, não sei) é a tremenda contribuição do baterista Bill Ward para tornar o som do BS ainda mais único.

Quando vc junta num mesmo grupo um guitarrista como Tommy Iommi (talvez o criador do riffs mais potentes da história), Ozzy Osbourne (o cantor da voz mais esganiçada e metálica que eu já ouvi) e Geezer Butler (um baixista com predileção por notas agudas e letras satânicas), a maioria dos bateristas corre o risco de passar despercebido. Mas Bill Ward é tão singular quanto os seus colegas.

A bateria de BW é rápida, com, afinação bem aberta e cheia de notas. Numa música como “Iron Man”, por exemplo, a tendência natural seria fazer uma batida carregada, puxando para trás, mas ele acelera as partes, não deixando a música sossegar. Esse estilo leve e rasteiro de tocar fica mais claro quando comparamos essa música com a versão de Ozzy (no seu disco solo ao vivo, com o ótimo baterista Tommy Albridge), ou com a versão do próprio Black Sabbath, com Vinnie Appice nas baquetas.

De uma certa forma, é como se a bateria de BW não casasse 100% com o que os outros tocam (especialmente nos primeiros álbuns). Ela fica sempre num lugar separado da música, indo e voltando, ora empurrando a música, ora planando sobre a base de titânio de Iommi e Butler. Pelo menos é a impressão que eu tenho.

Bom, a partir da seleção musical abaixo, espero explicar as coisas que eu descobri e que me fizeram gostar da bateria em Bill Ward.

Podcast: http://lomez.mypodcast.com/

THE WIZARD
Black Sabbath, 1970
Acho que BW ocupa muito bem os espaços da introdução e nas primeiras estrofes. É muito difícil conseguir tocar muito nos intervalos da voz sem atrapalhar a melodia. BW consegue fazer isso muito bem, além de criar um certo balanço. Nessa música dá para ver bem a diferença entre BW e os colegas Ian Paice e John Bonhan. Estes certamente possuíam muito mais técnica que ele, mas eu acho que BW compensa isso com muita musicalidade e, principalmente, com muita liberdade na bateria.

NEVER SAY DIE
Never Say Die, 1978
Aqui BW desce o malho. Gosto muito da forma que a bateria vai acentuando todas as passagens desse rhythm’n’blues hiper-potente – dá a impressão que a música não pára de acelerar. Eu curto a liberdade dos BSs nos arranjos desse disco. E o solo de guitarra é sensacional. Simples, mas sensacional.

SUPERNAUT
Black Sabbath, Vol. 4, 1972
Riff matador. Acho muito boa a escolha de BW por uma bateria mais reta, ao invés de seguir o balanço da guitarra e do baixo. Essa música mostra bem os dois bumbos de BW, principalmente no meio, quando o clima muda da água para o vinho. Grande música de um grande disco.

WAR PIGS
Paranoid, 1971
Clássico do metal. O Prata, meu amigo de longa data, tinha esse disco, mas eu nunca ouvia essa música, porque tinha medo. De novo, BW ocupa muitíssimo bem os espaços. Curto muito as 3 partes da música, incluindo o final mega-doente.

WICKED WORLD
Black Sabbath, 1970
Música do 1º disco do BS. BW dá um clima jazz para uma música pesadíssima. Verdade que o ximbau fica devendo à tradição jazzística, mas a escolha mostra o quanto ele tinha estilo e liberdade.

SABBRA CADABRA
Sabbath Bloody Sabbath, 1973
Aqui BW ataca um shuffle de 1ª. Quando comparamos essa versão com a do Metallica, podemos ver bem como a forma leve de tocar de BW é, realmente, diferente da maioria dos bateristas pesados. A sua pegada era meio jazz, meio rock clássico dos início dos anos 60, com afinação aguda dos tambores e com frases rápidas. Lembra muito mais Mitch Mitchell do que, por exemplo, John Bonham. E o clima de jam do final é sensacional.

PARANOID
Paranoid, 1971
Essa não poderia ficar de fora. É uma bateria que, a princípio, soa um pouco preguiçosa, mas repare como o bumbo toca todas as notas do compasso. Se compararmos essa batida com a similar “Communication Breakdown”, do Led Zeppelin, dá para ver ouvir o quanto era diferente a batida de BW. No caso do LZ, a força do grupo vinha da bateria, e no BS, o peso era todo da guitarra.

BREAKOUT
Never Say Die, 1978
Gosto dessa pela categoria com que BW leva um andamento mais lento, sem atrasar ou adiantar o compasso. Além disso, é muito doida a escolha de um solo de saxofone numa música que tem Tommy Iommi.

Era isso.
abs
Txotxa

Neil “The Professor” Peart

2007-07-13T12:09:00.000-03:00

Neil Peart é sinônimo de excelência na arte de tocar bateria.
Quando o assunto é compromisso e integridade musical ele é um dos maiores exemplos.
Ao longo de mais de 30 anos de careira como baterista do Rush, NP mantém uma imagem de músico competentíssimo (com status de lenda) e de letrista de mão cheia (é ele quem escreve os versos de 99,9% das músicas do trio canadense).

Para mim, uma de suas maiores qualidades é o som de seus tambores. NP usava (ainda usa) um kit gigante, com todos os opcionais, mas sempre em busca do timbre certo, do som mais particular. Ao contrário de muitos de seus colegas, que usavam baterias imensas mais pelo visual do que pelo musical, NP mantinha tambores de várias dimensões, com características sonoras diferentes e que serviam especialmente às músicas.

No aspecto “baterístico” das composições do Rush, NP mostrou sempre um esforço tremendo para não ficar no básico, no mais elementar. Na corrente oposta dos bateristas dos anos 60, a bateria de NP era cheia de partes, de detalhes, de variações (chegando até a quebrar o balanço, o swing). Até hoje é assim. Ele mesmo já disse que não consegue se contentar em tocar uma música inteira da mesma forma, o tempo todo. E sempre conseguiu fazer isso muito bem: criar uma composição dentro de outra. Graças a essa característica orquestral de sua bateria, basta ouvir a parte de NP (sem voz ou guitarra) para sabermos exatamente onde está a música. E mesmo caras tarimbados na arte do progressivo, como Carl Palmer e Bill Bruford, não tinham esse cuidado todo na hora de compor as suas baterias.

Uma outra qualidade de Neil Peart que muito admiro é a sua postura em relação à vida.
Explico: em 1997, NP perdeu sua filha de 19 anos num acidente de carro. Dez meses depois, sua mulher morreu de câncer. É claro que ele ficou devastado e pediu as contas do grupo. Passou os meses seguintes viajando de moto pela América do Norte.

Não quero (e nem sonho) especular aqui o que passou pela cabeça de NP nesse período (apesar de ele ter escrito um livro sobre esses anos de sofrimento), mas acredito que a sua volta às atividades musicais mostra (pelo menos para mim) uma ligação muito forte com a vida e um entendimento do curso natural da nossa existência.

Bom, vou tentar organizar melhor a minha admiração por NP a partir da seleção musical abaixo:

MALIGNANT NARCISSISM
Snakes & Arrows, 2007
Essa é do último disco deles e mostra o quanto NP ainda mantém firme a pegada. Aliás, isso é prova da dedicação com que NP trata o instrumento. Vi no YouTube uma entrevista onde ele dizia que, antes de cada turnê (principalmente as mais recentes), ele ensaia sozinho (isso mesmo!) todas as músicas do repertório. Dessa forma, na hora de tocar com a banda, ele não engasga numa virada mais complicada (são tantas) ou num andamento mais acelerado.

BENEATH, BETWEEN & BEHIND
Fly By Night, 1975
Uma das músicas que mais gosto do Rush. Esse foi o 1º disco de NP com o grupo. Acho muito legal o fato de a bateria acompanhar todas as divisões da música. Normalmente, gosto mais das pessoas que buscam dar um balanço, pensando numa linha mais simples, mas sem deixar de lado as marcações do arranjo (Matt Cameron, do Soundgarden, faz isso muitíssimo bem). Mesmo assim, a precisão de NP nesse arranjo é tamanha que se torna mais musical do que técnica. Outra coisa que adoro nessa música é o som dos pratos.

SUMMERTIME BLUES
Feedback, 2004
Disco de covers do Rush, onde eles prestam homenagem a uma turma da pesada. Essa versão é bem maneira, onde ele toca meio num clima de Keith Moon e mostra que sabe, também, manter a batida simples e no lugar.

XANADU
A Farewell to Kings, 1977
Desculpem pela duração da faixa, mas essa aqui reúne todas as características de NP: precisão cirúrgica, sonoridade rica, execução magistral, dinâmica exemplar e uma bateria orquestral – tudo isso com muita musicalidade. Outra coisa que adoro em NP é a forma com que ele usa a percussão no meio da música (essa música é cheia de ótimos exemplos). Sei que outras músicas são lembradas como mais representativas da arte de NP, mas se eu tivesse que escolher uma única música para mostrar o quanto NP é sensacional, escolheria essa.

VITAL SIGNS
Moving Pictures, 1981
Curto esse misto de som do futuro com o clima do reggae (bem anos 80). A forma com que NP toca em cima da guitarra no contratempo entorta a noção natural de tempo de qualquer um. Outra coisa legal é a forma com que ele alterna as estrofes, ora tocando na bateria eletrônica, ora na acústica. E por falar em acústica, de todas as gravações do Rush, esse o som de bateria que eu mais gosto (ouça a virada no 22’32”). Sei que todas as músicas deles, independente da época, são bem complicadas, mas eu confesso que tomaria uma surra federal se tivesse que tocar essa.

YYZ
Exit...Stage Left, 1981
O primeiro solo de bateria que eu ouvi na vida! Lembro como se fosse ontem: estava na casa da minha tia, ouvindo uma fita com os meus primos (Tutu e Nino) que havia sido gravada pelo Fábio (grande baterista e amigo de infância deles). Tinha umas coisas dos Beatles que eu conhecia meio de orelhada. Mas, de repente, entra YYZ. Até o momento, eu nunca havia prestado muita atenção numa gravação de bateria. Fiquei totalmente impressionado (com a música e, principalmente com o solo). Até hoje é assim. E não só para mim. No vídeo do tributo organizado por NP para Buddy Rich, em meio a tantos jazzistas virtuoses, o solo mais aplaudido da noite foi o de NP. E justamente porque, no meio de uma emulação do que seria um solo de baterista de big band, ele decide ser Neil Peart e toca a parte dos cowbells.

FORCE TEN
Hold Your Fire, 1987
Essa levada de caixa (na introdução e no solo de guitarra) é bem bacana, bem macia. Precisa ter muito controle para não sufocar o som. Vi o show do Rush de 30 anos e ele ainda toca do mesmo jeito. E o pior, ainda dispara todos os efeitos ao vivo.

ONE LITTLE VICTORY
Vapor Trails, 2002
Introdução matadora. Aliás, a música nem é tão bacana assim, mas a execução de NP é impecável. Não quero forçar uma comparação, mas escrevendo esse post lembrei do vídeo (Some Kind Of Monster) que mostra a gravação do disco do Metallica. Lars Ulrich é indiscutivelmente um baterista fodasso, com muito estilo e pouco caráter (hehe), mas uma coisa me chamou a atenção numa de suas conversas com o produtor do disco que viria a ser o St. Anger. Depois de suar a camisa para gravar uma passagem extremamente difícil (a bateria foi gravada de partes em partes), o produtor manda LU treinar se quiser um dia tocar isso ao vivo. Posso estar enganado, mas apostaria que NP gravou essa música, com introdução e tudo, numa tacada só. Mesmo depois de tantos anos como superstar, ele tem humildade para sentar o traseiro e praticar da mesma forma que faz um moleque de 14 anos. E não é, acredito, pela vaidade da coisa (“não posso fazer feio”), mas sim pela humildade e pelo respeito que tem pela profissão.

TOM SAWYER
Rush In Rio, 2002
Incluí na lista só por causa da platéia. A música é sensacional, mas os brasileiros que lá estavam deram um show a parte. Note como NP não deixa passar nenhum deslize – toca com a mesma diligência e compromisso de 25 atrás.

Podcast: http://lomez.mypodcast.com/
Valeu
Txotxa

Ian Paice

2007-06-22T16:20:00.000-03:00

Como deu para perceber nas postagens anteriores, falo muito da época do 2º grau. Acho que é nesse período que a gente vai definindo, para valer, os nossos conceitos musicais. É claro que à medida que o tempo vai passando a gente conhece coisas novas, abandona coisas velhas, mas o molde, eu acredito, está sendo acertado entre os 14 e 17 anos. Foi nessa idade que eu aprendi, por exemplo, a importância de tocar direito, de respeitar a música e de não estragar as composições dos outros.

Aliás, levei essa época de aprendizado tão a sério que achei melhor ficar mais um ano na escola. E foi justamente no ano em que levei bomba que tive o primeiro contato com o Deep Purple. Não sei como, mas no final de 89 caiu na minha mão uma fita do “Made In Europe”. Gostei muito do som (ainda sem entender direito) e, principalmente, do baterista. No ano seguinte, conheci um cara que era realmente ligado no DP (meu querido amigo Vinícius), e que me mostrou coisas menos conhecidas do grupo. Gostei muito do que ouvi e comecei a sacar a bateria de Ian Paice.

Ao contrário de seu contemporâneo John Bonham, a bateria do canhoto IP passa quase despercebida na música, totalmente carregada pelos teclados, guitarras e vocais. Mas é só você tentar tocar alguma coisa que percebe o quanto as coisas são difíceis. IP tinha (e ainda tem) mãos e pés são muito rápidos, que passeiam pelo kit com muita destreza. Suas baterias, em termos de estrutura, não são das mais inventivas. Na verdade, ele toca sempre o que a música pede, sem querer ofuscar ninguém. O som, também, é bem tradicional e ocupa o espaço exato deixado pelos outros instrumentos. Isso, no entanto, não representa nenhum demérito na arte de IP. Muito pelo contrário, já que a sua técnica e musicalidade garantem a ela um lugar de destaque na lista de grandes bateristas de rock.

Tentando fazer uma leitura (barata) de sua personalidade, eu diria que IP é (e sempre foi) apenas um cara tranqüilo. Não tem a necessidade de ser adorado, não possui os arroubos artísticos de seus colegas e nem está preocupado em provar tudo o que sabe de uma só vez. Ele “simplesmente” toca bateria para valer, com a seriedade e o vigor que a música exige. Talvez por isso ele seja, hj, o único membro do DP a nunca ter saído da banda (coisa raríssima numa banda que teve várias formações).

Vamos à seleção musical....

Podcast: http://lomez.mypodcast.com/

YOU FOOL NO ONE
Burn, 1974
Um dos primeiros solos de bateria que me chamaram a atenção foi o dessa música, na versão ao vivo do “Made In Europe” – eu ainda prefiro essa gravação de estúdio. A técnica de IP é impecável. Tocar dessa forma, com o bumbo acompanhando o cowbell, é muito difícil. E ele ainda consegue dar um balanço fenomenal à batida. Gosto muito do teclado na parte em que a guitarra sola. Aliás, essa formação do DP é excelente, apesar de muito criticada pelos fãs mais xiitas.

FIREBALL
Fireball, 1971
Por falar em música que começa com pé no acelerador... IP pegou um bumbo emprestado e deu uma aula de como tocar os tambores. Uma coisa que sempre me amarrei nessa música é o pandeirinho que rola no começo do solo do órgão. Ele vai dobrando as notas dum jeito tão elementar, mas que funciona muito bem.

SPACE TRUCKIN'
Machine Head, 1972
Formação clássica do DP num disco clássico do rock mundial. Gosto bastante da forma com que IP acentua as passagens da música. Não sei pq, mas essa música tem, para mim, uma energia de soul. Acho que se Otis Redding fosse vivo, certamente teria gravado uma versão. Outra coisa muito legal é o overdub de bateria no meio da música. Detalhe especial para uma percussãozinha que surge no final, bem no fundo do canal direito.

BLACK NIGHT [ORIGINAL SINGLE VERSION]
Deep Purple in Rock, 1970
Clássssssico. IP toca com maestria a batida do rhythm’n’blues. Apesar do som tosco, gosto dessa versão. É uma das músicas que, até hoje, a platéia canta o riff como se fosse uma parte da letra.

THE MULE
Fireball, 1971
A versão de IP para Tomorrow Never Knows? Brincadeiras a parte, essa música, nos anos 70, era um dos temas do solo de bateria de IP. Gosto da consistência da batida, que não muda ao longo da música.

LAY DOWN STAY DOWN
Burn, 1974
Mais uma da formação “B” do Deep Purple. Rock no melhor gabarito. A bateria de IP toca o tempo todo, preenchendo os espaços e marcando todas as partes. Me amarro muito quando Coverdale e Hughes cantam juntos. Perfeita também é a base de piano no solo de guitarra.

SMOKE ON THE WATER
Machine Head, 1972
A escolha de tocar o ximbau com as duas mãos na introdução (e com o bumbo tocando os 4 tempos) dá um clima muito novo na música. Se isolarmos a bateria, seria impossível relacioná-la a um dos mais poderosos riffs da história. Isso é a prova que uma bateria sozinha não faz verão...

GETTIN' TIGHTER
Come Taste the Band, 1975
Essa música me fez enxergar o DP de uma outra forma. No 2º grau (sempre lá), tinha uma amigo que me emprestou o disco para tiramos essa música. Chegamos a tocar alguma vezes, mas nunca chegamos perto (claro) do balanço dessa versão.

BURN
Burn, 1974
Pura energia atômica. IP consegue solar no meio da estrofe e não atrapalha em nada a voz. Isso é Ian Paice na melhor mistura de finesse com força bruta.

abs

Txotxa

Ringo Starr

2007-06-12T18:28:00.000-03:00

Toda banda, além do baterista, tem sempre um cara que toca (ou cisma em tocar) bateria. Normalmente, esse é o cara que nos deixa de orelha em pé, que reclama de alguma batida, ou que, pela simples presença, nos ameaça constantemente com seu olhar crítico.

Na maioria das vezes, os dois (baterista e quase-baterista) acabam se entendendo e seguindo em paz ao longo dos ensaios. Já em outros casos, o baterista acaba se tornando refém das opiniões desse quase-baterista, deixando de lado os seus instintos musicais para tentar agradar o colega de banda.

E o que fazer quando esses quase-bateristas da sua banda são George Harrison, John Lennon e, especialmente, Paul McCartney? Bem, Ringo Starr conseguiu, sem maiores confusões, não só agradar seus colegas geniais (que tinham noções bem avançadas de como deveria soar a bateria), como também criar um estilo que, de tão particular, até hoje não é completamente entendido pelo grande público.

Como deu para perceber, vou falar hoje sobre Ringo Starr, baterista da maior banda de todos os tempos. Já aviso logo que não sou betleamaníaco e que não sei quase nada sobre as lendas relacionadas ao grupo. Vou tentar, da forma mais honesta possível, listar algumas características de RS que me fazem gostar cada vez mais da figura.

Quando eu estava no 2º grau, era quase um sacrilégio elogiar o Ringo. Para todos os efeitos, ele era apenas um cara sortudo, com talento mediano, que estava no lugar certo, na hora certa. Nada além disso. Por isso, posso dizer que comecei a respeitar o Ringo a partir da opinião de outros bateristas que eu gostava, já que não entendia a moral que ele mantinha junto à comunidade baterística internacional. À medida que o tempo foi passando, fui conhecendo melhor os Beatles e pude mapear algumas peculiaridades da bateria de RS.

Por exemplo, ele era canhoto, mas tocava numa bateria de destro. E para piorar, ele começava as viradas com a mão esquerda. É mais ou menos como um jogador de futebol que chuta com a direita, mas carrega a bola e dribla com a esquerda. Vai tentar marcar em cara desses, ou tirar (de verdade!) as suas baterias?

Outro destaque da arte de Ringo Starr é a sua capacidade de acertar (e carregar) o tempo de uma música com uma consistência assustadora. Até hoje, sua bateria toca sempre no andamento certo, sempre no lugar certo do compasso. Já falei algumas coisas neste blog sobre bateristas que tocam na frente e atrás da batida, mas o Ringo era (ou melhor, é) um cara que sabia instintivamente o melhor lugar para as suas baquetadas. E como ele tocava SEMPRE o que a música pedia, cada coisinha a mais soava, literalmente, como música aos ouvidos, tamanho o seu bom gosto.

Se tivesse que resumir a sua essência baterística diria o seguinte: um cara que, a partir do alto entendimento que tinha das batidas de Chuck Berry, de Fats Domino e do R&B norte-americano, conseguiu impor, mesmo nos momentos mais vanguardistas de seus colegas, a melhor tradição do rock’n’roll.

Quando seu filho, o tremendo baterista Zak Starkey, começou a se interessar mais seriamente pelo instrumento, Ringo, no alto de várias décadas como superstar mundial, lhe ensinou duas coisas: a primeira, a batida mais simples que alguém aprende a tocar na bateria (o velho e bom 4/4, com o bumbo no 1 e 3, e a caixa no 2 e 4); a segunda, uma variação mais simples ainda dessa batida. E disse: “Com isso, vc consegue se virar como baterista profissional. O resto, é por sua conta”.

Antes de irmos para o podcast, queria dizer que, para mim, é impossível escrever qualquer coisa mais original sobre a obra dos Beatles. Portanto, para não correr maiores riscos, vou seguir o meu “feeeling”, e que me perdoem os especialistas.

Podcast: http://lomez.mypodcast.com/

MAGICAL MYSTERY TOUR
Magical Mystery Tour, 1967
Gosto muito da energia da bateria, que já começa com o pé no acelerador. Outra coisa bem legal é a passagem para parte mais lenta, quando RS toca a caixa com as duas mãos – essa batida é uma de suas assinaturas.

BOYS
Please Please Me, 1963
Sua voz nasalada é imediatamente reconhecida em qualquer lugar do mundo. Escolhi essa música pelo balanço e pelo som da bateria. É um ótimo exemplo de como RS entendia (e mantinha) os andamentos.

TICKET TO RIDE
Help!, 1965
Note como a bateria vai mudando a célula ao longo da música. Ringo faz isso de uma forma bem sossegada, sem querer chamar a atenção. Esse é exemplo de como alguém pode tocar para música e ainda contribuir com um “algo mais”.

TAXMAN
Revolver, 1966
Já toquei essa música várias vezes, mas sempre apanho desse bumbo. Nunca sai do jeito certo, do jeito de Ringo.

RAIN
Past Masters 2, 1966
Essa música sempre aparece em qualquer lista das melhores baterias de RS. Não podia deixar de fora, principalmente pela forma como que ele vai “atravessando” a música, sem nunca atrapalhar o baixo (e que baixo!) de Paul McCartney.

COME TOGETHER
Abbey Road, 1969
Uma coisa meio complicada em relação ao aspecto orquestral de sua bateria (principalmente nessa música) é saber de quem partiu a idéia. Veio do Ringo, ou ele “apenas” executou um conceito pensado por John Lennon e George Martin? Não conheço Beatles o suficiente para saber a resposta (aliás, nem sei se a pergunta procede). Só sei que a execução é espetacular. Para essa música, o som abafado dos toms funcionou perfeitamente.

WHILE MY GUITAR GENTLY WEEPS
White Album, 1968
Eu considero essa música uma das mais difíceis dos Beatles (e uma das melhores). A bateria começa apenas com bumbo e ximbau (num andamento complicado, que soa arrastado, mas que está sempre na frente). Na segunda estrofe, a batida entra, mas ainda de forma incompleta: Ringo toca a caixa e o bumbo, deixando de fora a mão da condução – e isso é uma coisa muito difícil de se fazer sem perder o tempo. Eu mesmo, quando toco essa música, sempre faço com a mão direita a frase dos blocks (do canal esquerdo) para não me perder no compasso. Bom, chega o refrão e RS traz de volta o ximbau e dá aquele “colorido” que faltava. Faltava, mesmo? Depois disso, a música segue macia nas mãos de Eric Clapton...

CAN'T BUY ME LOVE
A Hard Day's Night, 1964
Essa batida tem todo o clima das músicas de Chuck Berry, com um clima de R&B mais rápido e uma pitada de shuffle. Gosto muito da forma com que Ringo toca essa música, sempre colando e pontuando com o baixo. Uma coisa engraçada em 99,9% das versões que ouvi dessa música é que os bateristas sempre seguem a guitarra no refrão, acentuando na hora do “Can’t Buy Me Love”, enquanto Ringo segue firme e forte com o baixo, criando uma das bases mais sólidas que os Beatles já gravaram.

IN MY LIFE
Rubber Soul, 1965
A mágica da nota certa, no lugar certo e na hora certa. O que fazer quando um cara da sua banda chega com uma música dessas e pede para vc colocar a bateria? Eu, por via das dúvidas, ficaria quietinho, esperando que alguém (de preferência o compositor) sugerisse alguma coisa, só para não correr o risco de atrapalhar uma obra-prima. Não sei se foi isso o que fez Ringo, mas a sua levada (ou não-levada) de ximbau é fascinante (pela simplicidade e pela criatividade). Além disso, acho sensacional a condução na cúpula do prato, na hora do refrão, quando ele toca junto com a caixa.

REVOLUTION
Past Masters 2, 1968
Aqui, de novo, a dificuldade de tocar um R&B desse nível. E de novo, tocando sem a mão da condução. Outra coisa que chama a atenção é a consistência de Ringo com a batida – repare como o bumbo toca sempre da mesma forma, com a mesma força. Isso é para quem domina a bateria e não se intimida numa gravação.

CAROL
Live at the BBC, 1963
Não poderia deixar um cover de Chuck Berry de fora. Gosto do bumbo dessa versão, que vai acentuando as batidas, sem precisar tocar o tempo todo. Ouvindo essa versão, dá até pena, em termos de cozinha, da versão dos Stones :-). Outra coisa legal é que George Harrison chega a tocar as mesmas frases da guitarra de Chuck Berry.

SHE SAID SHE SAID
Revolver, 1966
Se eu tivesse que escolher uma música que melhor representasse a bateria de RS, eu escolheria essa. Tem de tudo: cadência perfeita, swing, viradas estranhas de mão esquerda que cabem perfeitamente na música e dinâmica exemplar. Se um dia eu o conhecesse, iria pedir para me mostrar essa batida.

PAPERBACK WRITER
Past Masters 2, 1966
Que energia tem essa música! A batida de RS dá todo o suporte para o baixo e para a guitarra (que são fenomenais). Gosto muito também do som dessa bateria. Eu, particularmente, aumentaria um pouquinho a bateria na mixagem (hehehe).

THE END
Abbey Road, 1969
O único solo de RS com os Beatles? Não sei... Só sei que isso soa muito bem na música (e no disco).

Era isso.

abs
Txotxa

Roger Taylor

2007-05-30T16:48:00.000-03:00

Confesso que nunca fui muito ligado nessas coisas de destino, de sinais. Não vou entrar aqui no mérito da questão, mas todo assunto mais sobrenatural dificilmente ocupa a minha cabeça. Mas algumas situações, quando a gente olha por essa lente mais esotérica (vamos chamá-la assim), fazem um sentido danado.

Tenho um exemplo desses momentos: quando estava conhecendo melhor a Geórgia (minha mulher, ou esposa, se preferir), entre mil conversas, ela falou duas coisas que me deram um estalo e me fizeram acreditar num belo futuro entre nós. Uma delas foi citar uma das piadas do filme Wayne’s World (até o momento, não conhecia nenhuma mulher que fosse ligada naquele tipo de piada). A outra foi dizer que gostava muito da bateria do Roger Taylor. Tudo bem que ela gostava também do John Taylor, excelente baixista gatão do Duran Duran, mas elogiar o RT não era algo que eu estava acostumado a ouvir. Muito menos era uma daquelas coisas que a pessoa fala para querer agradar o quase-namorado baterista. Era sincero.

Bom, como deu para perceber, o homenageado do dia é Roger Taylor, o baterista de uma das maiores bandas de todos os tempos, o Queen.

Uma coisa que sempre me chamou a atenção na bateria de RT é o quanto ela joga para o time. Ele entendia muito bem do riscado, mas estava sempre ligado na música, nos outros instrumentos e na voz. Sempre. E apesar de tocar numa bateria gigantesca, as suas batidas poderiam ser reproduzidas em qualquer kit de 4 peças. Isso mostra o quanto ele compreendia a estrutura do ritmo, coisa da escola do rock’n’roll clássico, que privilegia tanto o rock quanto o roll – mesmo nas músicas mais retas do Queen, podemos ouvir sempre um balanço.

Outra característica de RT, principalmente nos shows, era a forma como se entregava ao momento. Quando vejo algumas de suas apresentações, fico achando que ele vai morrer no meio de uma passagem, tamanha é a energia que ele carrega nas baquetas. Mas ele sempre dá um jeito de chegar e resolver a música. E o homem nunca economiza nas batidas, deixando o melhor para o final (como fazem muitos bateristas). Com RT, o show já começa a mil por hora. Talvez por isso (e claro, Freddie Mercury) o Queen tenha tido, por anos, o melhor show do planeta.

Além de suas qualidades como baterista, RT ainda cantava para burro. Tinha uma voz meio fanha e rasgada, mas conseguia chegar nas notas mais altas e cuidava de todos os backing vocals do Queen. E cantar (e tocar) junto com Freddie Mercury não é mesmo para qualquer um.

Vamos ao podcast

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COMING SOON
(The Game, 1980)
Como deve ser uma levada de música nos toms? Aqui está o gabarito. Já ouvi RT elogiando horrores o som de bateria desse disco. Realmente, a produção desse disco é fabulosa – criou um referencial para todos os discos do Queen. Grande música de um disco melhor ainda.

MUSTAPHA
(Jazz, 1978)
Não mexa no volume – essa mixagem é muito doida de propósito. RT mostra o quanto sabia estruturar as partes de sua bateria de acordo com a música. Note que para cada momento ele usa uma célula específica. Uma coisa que ele sempre fez com maestria foi prender o prato logo após a batida, pontuando os acentos. Aqui ela dá uma aula de como isso deve ser feito.

GET DOWN, MAKE LOVE
(News Of The World, 1977)
Qualquer música em que a bateria não toque o tempo inteiro é sempre muito difícil para o baterista. Quando a bateria pára, e o ritmo continua, a concentração tem que ser dobrada. E essa música é bem o caso. Mas RT toca com perfeição. E a escolha das peças que ele usa nos ataques é de altíssimo nível. Aqui o Queen mostra o talento fabuloso de seus músicos.

UNDER PRESSURE
(Hot Space, 1982)
Uma das características de RT e sempre acentuar o ximbau junto com a batida da caixa (o oposto do que fazia Charlie Watts). Isso dificulta muito tocar as músicas do Queen, pq tem um som a mais que não é nada fácil de reproduzir. Escolhi essa música pela cadência sensacional que possui e pela levada no prato de ataque (outra de suas características), no minuto 12’03” do podcast. David Bowie nunca cantou numa base tão sólida.

DRAGON ATTACK
(The Game, 1980)
Show de bola. Quem me chamou a atenção para essa música foi o meu amigo Marcello Capa, dos Resistores. A batida já é difícil (o ximbau toca todas as notas sem parar), mas RT ainda tira uma onda e acrescenta uns overdubs de bateria, aos 14'57" do podcast. Um ótimo exemplo do poder da cozinha Deacon/Taylor.

GOOD OLD FASHIONED LOVER BOY
(A Day At The Races, 1976)
Uma música meio gay (no bom sentido) em que a bateria (junto com o piano) dá todo o balanço, além de acompanhar todas as nuances do arranjo. De novo, RT mostra todo o controle que tem da bateria. E o solo de guitarra? Não sou guitarrista, mas considero o Brian May um dos maiores talentos do instrumento. Basta uma nota para que seu som seja imediatamente reconhecido. E curto também o fato de ele ter usado, durante muito anos (quando já existia o sistema sem fio), aquele cabo de guitarra igual ao de telefone.

THE LOSER IN THE END
(Queen II, 1974)
O delay da bateria e sensacional. Talvez a batida inicial e as frases finais sejam as coisas mais técnicas que RT tenha tocado. É pq é uma coisa meio de jazz, com uma sutileza diferente do rock’n’roll, com umas coisas mais sofisticadas . Esse é um bom exemplo de como ele, mesmo com um repertório imenso, jogava para o time e para a música. Ah, ele é o cantor dessa!

DON'T STOP ME NOW
(Jazz, 1978)
A Geórgia (aquela dos parágrafos iniciais) me obrigou a colocar essa música. Mas como não sou pau-mandado (até parece...), escolhi a peça por motivos exclusivamente baterísticos. A energia de RT é impressionante – note como o bumbo toca todas as notas do compasso, no melhor estilo punk rock (26'20" do podcast). Além disso, o coro é sensacional.

SHEER HEART ATTACK
(News Of The World, 1977)
E por falar em energia punk rock, essa é um ótimo exemplo de como o Queen podia soar pesado sem parecer caricato. E isso em 1977. A bateria é bem retona, mas ainda mantém aquele balanço. Gosto muito das marcações que a bateria faz nessa parte (28'51" no podcast). Em uma música com essa velocidade, qualquer derrapada da bateria pode estragar todo o conjunto. Na dúvida, a maioria dos bateristas segue adiante, sem complicação (e inspiração), mas RT chama a responsabilidade e segura as rédeas de uma das músicas mais porradas do grupo.

YOU'RE MY BEST FRIEND
(A Night At The Opera, 1975)
De novo, a dificuldade de se tocar decentemente um shuffle. Gosto da forma com que RT toca essa batida, respirando junto com a música. É um dos maiores hits do grupo, composto pelo baixista. Aliás, o baixo de JD (e eu acho que ele tocou o Fender Rhodes, também) faz toda a diferença.

BRING BACK THAT LEROY BROWN
(Sheer Heart Attack, 1974)
Gosto desse esquema do Queen com músicas e arranjos meio de jazz/cabaré. A parte da bateria é tão precisa que parece ter sido escrita, com todos os acentos bem marcadinhos. Ao longo dos anos eles acertaram ainda mais a fórmula (A Night At The Opera e A Day At The Races), mas eu curto bem essa versão, com banjo, baixo acústico e tudo mais que pede o estilo.

FAT BOTTOMED GIRLS
(Jazz, 1978)
Hit presente em qualquer coletânea do grupo. Gosto muito da forma com que a bateria e o baixo vão segurando a estrofe, para descer a mão na hora do refrão. A virada de RT, aos 39'04" do podcast, é tão simples quanto eficaz. Eu nunca fui muito fã desse som de tambor, mas, para essa virada, a escolha de som foi perfeita.

É isso aí.
abs
Txotxa

Mitch Mitchell

2007-05-19T12:58:00.000-03:00

As questões em torno da figura do crítico musical são sempre complicadas. Muitos defendem a idéia de que apenas um músico possui o conhecimento necessário para comentar o trabalho de outro colega. Outros acreditam que apenas o não-músico (jornalista, na maioria dos casos) consegue manter o devido distanciamento para analisar uma obra musical.

A minha posição é a seguinte: acredito no bom senso e na busca sincera pelo conhecimento musical, independente de se tocar ou não um instrumento. Porque já vi muito músico bom falar asneira por falta de um senso crítico mais apurado e racional. Da mesma forma, os jornais e revistas estão cheios de idiotas falando água sem nenhuma propriedade aparente.

Bom, isso tudo para deixar mais claro o que vou dizer agora sobre a arte de Mitch Mitchell (aliás, isso serve para todos os textos que já apareceram neste blog): não é possível entender a bateria de MM sem tentar (ênfase no tentar) tocá-la. Não adianta ler todas as coisas sobre as gravações do Jimi Hendrix Experience, estudar as partituras (se é que existem) de suas batidas, ou assistir aos vários vídeos da época. Nada disso dá a real dimensão da arte desse baixinho nervoso que acompanhou durante alguns anos (os principais) um dos maiores fenômenos que a música já viu.

Eu já toquei várias (várias, mesmo) músicas do grupo e nunca cheguei perto da dinâmica de MM. Talvez por seu profundo interesse pelo jazz, Mitch M. conseguia tocar rápido e suave, com viradas ferozes, dando sempre a impressão de que estava improvisando à medida que a música acontecia. Não era um baterista tradicional de rock. Não estava muito ligado na marcação do tempo, nem na cadência da batida. Ao vivo, então, era um Deus nos acuda (no bom sentido).

Se compararmos os dois principais bateristas de JH (Buddy Miles e MM), vamos ter visões diametralmente opostas sobre ao conceitos de ritmo. BM era uma locomotiva de carga, firme e compassada, focada no percurso. Já MM era um carro esporte voando baixo pela auto-estrada, cortando todo mundo e chegando, sempre, inteiro no destino.

Veja bem, não quero dizer que MM era ruim de tempo. Pelo contrário, mas o tempo para ele era uma coisa mais maleável, que podia (e devia) variar de acordo com a música. Muito da sua noção de ritmo era ligada à guitarra de JH. Tanto que muitas das sessões de gravação começavam apenas com os dois.

Vou falar mais das características de MM como baterista a partir das músicas do podcast de hoje.

Podcast: http://lomez.mypodcast.com/

MANIC DEPRESSION
(Are You Experienced?, 1967)
Essa batida é sensacional! Numa música de 3 tempos, MM consegue criar um clima quase mântrico (existe essa palavra?). A dinâmica com que ele toca o tom e os pratos é muito difícil de se repetir. Acredito que o tamanho mignon de MM acabou definindo o volume de sua bateria. Junte-se isso às técnicas de gravação da época, e temos um som impossível de ser reproduzido. Num dos muitos discos em homenagem à música de JH, lembro bem de uma versão de Manic Depression tocada por Jeff Beck e Seal. Adivinhe a única coisa que ficou devendo?

FREEDOM
(The Cry Of Love, 1970)
Que música f... O bumbo meio deslocado na estrofe é muito doido (mas funciona). Essa formação com Billy Cox no baixo é impressionante, pq o baixo, finalmente, ancora a música. Qualquer baterista que consiga tocar esse arranjo merece o respeito de todos.

KILLING FLOOR
(Jimi Plays Monterey, 1967)
Bem, o que fazer depois de uma introdução de guitarra dessas? Acho que MM segurou bem o rojão e ainda vitaminou o arranjo. Note como ele chega a ficar uns 3 compassos simplesmente solando em cima da música. Já ouvi algumas versões desse clássico de Howlin’ Wolf, mas nenhuma chegou perto desse nível de energia (nem mesmo as de JH). Esse show mostra a banda no auge. Detalhe para a vozinha de Brian Jones na apresentação.

SHE'S SO FINE
(Axis: Bold As Love, 1967)
Música do reclamão Noel Redding (ele também canta). Essa introdução de bateria é perfeita para tirar onda na hora da passagem de som. Gosto muito da forma solta com que MM toca a música. E que solo de guitarra, hein? A música tem um estilo clássico do rock dos anos 60.

LONG HOT SUMMER NIGHT
(Electric Ladyland, 1968)
O meu medo em escolher essa música é que ela faz parte de um disco muito zoneado, do qual participaram desde Steve Winwood e Brian Jones até um motorista de táxi. Por isso, a chance de MM não ter tocado essa bateria é real. Mas, pelo o que ouvi e li a respeito, eu continuo apostando em sua execução. Isso foi o máximo que ele conseguiu chegar perto de uma batida funky. Também com uma estrutura dessa, poucos conseguiriam dar uma consistência maior. Considero essa uma das melhores gravações (apesar do som) de JH.

REMEMBER
(Are You Experienced?, 1967)
De novo, a dinâmica. Ele toca a música inteira na caixa e nos tom, não usa nem o ximbau e nem o prato em nenhuma marcação. De novo, mais uma que eu tentei tocar e levei uma surra. Li que JH havia se inspirado em Otis Redding para compor essa música. Tem tudo a ver, mesmo.

UP FROM THE SKIES
(Axis: Bold As Love, 1967)
Aqui temos o jazzista MM. Ele mostra que tem o controle das vassourinhas, mas não se contenta em marcar a pulsação para os colegas. Gosto muito da forma como ele faz viradas em diferentes tempos e climas ao longo dessa música. Música excelente de um disco excelente. Esse som de bateria eu considero algo bem perto da perfeição.

CROSSTOWN TRAFFIC
(Electric Ladyland, 1968)
A música começa com o pé na porta. Nenhuma das versões que já ouvi dessa música chega perto do clima funky dela. Note como a bateria de MM está sempre um pouco atrasada em relação à batida da estrofe. Se essa gravação fosse realizada por Buddy Miles, certamente, seria mais conhecida no meio baterístico (não sei...).

HIGHWAY CHILE
(Are You Experienced?, 1967)
Sempre falo disso em quase todas as postagens: não é nada fácil tocar essas batidas meio R&B, meio shuffle. Ainda mais quando ela vai mudando o tempo todo, como nesse exemplo. Acho a execução de MM impecável, mesmo com o erro engraçadão que acontece no solo de JH. Note no minuto 26’22” do podcast com a caixa some da música por uns dois compassos. A baqueta dele deve ter caído, ou qualquer coisa do tipo. Mas a bateria está tão em cima, que eles acharam (com razão) melhor nem mexer.

BOLD AS LOVE
(Axis: Bold As Love, 1967)
Balada belíssima com letra doidíssima. Gosto muito da forma como MM vai crescendo com a bateria ao longo da música. Considero a batida meio suspensa do refrão a mais clássica da cozinha Mitchell/Redding. O Pretenders fez uma versão dessa músicas, mas não conseguiu o mesmo balanço – e olhe que o baterista deles é sensacional.

CAN YOU SEE ME
(Jimi Plays Monterey, 1967)
De novo, o pé na porta ao invés da campainha. Do mesmo impressionante show de Killing Floor. Nem tenho muito o que dizer, apenas que se eu estivesse escalado para tocar depois dessa turma, fingiria uma dor de barriga e voltaria para casa. Sei que o The Who tocou no mesmo festival (não sei se foi na mesma noite), mas a parada deve ter sido feia...

SPANISH CASTLE MAGIC
(Axis: Bold As Love, 1967)
Talvez pelas paradas da música, MM não tenha alucinado tanto como de costume. Note como a batida dessa música é a mesma que de Bold As Love. Esse clima é puro funky. Experimente acelerar o andamento e vc terá uma base para qualquer música de James Brown. Gosto muito da forma bem estruturada dessa bateria, principalmente o bumbo nas estrofes.

FIRE
(Are You Experienced?, 1967)
Se tivesse que escolher apenas uma músicas para mostrar o quanto MM era sensacional, escolheria essa. Para cada uma das paradas que a música faz, a bateria vem com algo novo e extraordinário. Nenhuma banda (ou baterista) conseguiu chegar perto desse misto de agressividade e balanço.

MAY THIS BE LOVE
(Are You Experienced?, 1967)
Para encerrar, uma experiência de estéreo bem bacana. Note como a bateria vai mudando de canal ao longo da música. Sensacional...

valeu
Txotxa

Topper Headon

2007-05-15T19:11:00.000-03:00

Eu fui um dos muitos que conheceram o The Clash por meio daquelas coletâneas de rock dos anos 80. Mesmo sem entender um verso sequer da música (ou mesmo a sua estrutura), meus amigos e eu dançávamos loucamente ao som de “Should I Stay Or Should I Go” nas festinhas da escola.

Só fui compreender melhor o Clash enquanto grupo (com discografia e história próprias) quando estava no 2º grau. O Carlos, que é meu amigo e membro do Prot(o), falava sem parar o quanto esse grupo era o melhor de todos os tempos. De tanto ouvir a sua conversa, acabei comprando o vinil do “London Calling”. Ouvi o disco, entendi mais algumas coisas (não tudo, claro) e adorei as músicas. Mas continuava ainda sem entender a real grandeza do Clash.

Precisou de mais alguns anos e de um convite para me juntar ao Clash City Rockers (projeto do meu patrão e amigo Philippe Seabra, da Plebe Rude) para que o quebra-cabeça começasse a fazer sentido. Percebi que uma das coisas que tornava o The Clash fora do comum era a capacidade do grupo de tocar e entender vários estilos musicais. Não só isso, mas, principalmente, eles conseguiam imprimir a forte personalidade musical do grupo em todos esses estilos, sem perder de vista a tradição.

Não quero desmerecer o talento de J. Strummer e cia (coisa impossível de se fazer), mas eu acho que boa parte dessa fluência musical do Clash é de responsabilidade do super-baterista Topper Headon, o homenageado do dia.

Topper Headon não é da primeira formação do Clash, mas deu corpo e alma para o período clássico da banda. Ele entrou logo após o lançamento do 1º disco e só saiu depois da gravação do último. Na verdade, parece até que ele teria sido demitido, já que os colegas não agüentavam mais o vício em heroína de TH. Uma pena...

De qualquer forma, o talento de TH está acima de qualquer problema que ele possa ter tido nos anos em que foi o baterista do Clash. Sua perícia musical não se restringia apenas às baquetas. É dele, por exemplo, a composição, o arranjo e a execução (bateria, baixo e piano) do sucesso “Rock The Casbah”.

Sua noção de tempo era impecável. As baterias de TH sempre soavam muitíssimo bem no estúdio, com dinâmica e cadência inéditas nos bateristas de punk rock da época. Talvez pelo vício (não sei), TH nunca foi um cara de muita força na bateria. Sua pegada era firme, claro, mas não tinha o apelo físico de muitos de seus contemporâneos. Mesmo assim, sua batida era suficientemente empolgante para dar fama aos shows do Clash. Aliás, numa entrevista, Joe Strummer afirmou “que uma banda é tão boa quanto o seu baterista“ (algo do tipo), listando as qualidades de TH como músico. Não quero puxar a sardinha para a minha turma, mas concordo com JS em gênero, número e grau.

Vou tentar explicar melhor a minha admiração por TH a partir da seleção musical dos seus tempos de The Clash.

Vamos lá...

Podcast: http://lomez.mypodcast.com/

ATOM TAN
(Combat Rock, 1982)
A bateria tem um clima de “crescendo constante” que é sensacional. Normalmente, eu penso, o baterista iria tocar o tempo dobrado, seguindo a guitarra, num clima meio Rolling Stones. Mas a opção pelo half time de TH fez toda a diferença. Dá uma sensação (pelo menos para mim) da batida do Bo Diddley. Grande música!

RADIO CLASH
(Super Black Market Clash, 1980)
Aqui TH mostra o domínio da linguagem do funk. Ele consegue manter a batida e ainda preenchê-la de acentos – a peteca não cai nunca. Gosto muito dos efeitos e das pausas da bateria. Já toquei essa música algumas vezes, mas a minha versão sai cheia de buracos...

STRAIGHT TO HELL
(Combat Rock, 1982)
Uma aula de composição para a bateria. São duas baterias que se completam o tempo todo. Dá para notar umas 4 linhas diferentes ao longo da música. Nem consigo imaginar a dificuldade de gravar uma bateria depois da outra, sem perder o tempo e a dinâmica de cada uma das partes. E ainda mais numa música como essa, cheia de climas diferentes. Se tirarmos todos os outros instrumentos da jogada, a música ainda fica de pé apenas com TH e JS. Isso é estrutura e o resto é brincadeira...

TOMMY GUN
(Give 'Em Enough Rope, 1978)
Por falar em estrutura, mais um exemplo de como TH conseguia pensar em várias partes para a sua bateria, sem nunca esquecer a sua função principal: manter a batida firme para uma banda de rock. De novo, pelo menos umas 4 partes diferentes de bateria. O Clash City Rockers fez um show nesse domingo e tocamos, com o mesmo arranjo, Tommy Gun. Confesso que é a hora em que eu suo a camisa para fazer jus a essa gravação.

ARMAGIDEON TIME
(Black Market Clash, 1980)
Não me lembro de ouvir alguém tocar reggae dessa forma. Toda a estrutura clássica está lá, mas tem um punhado de notas a mais que fazem uma diferença absurda. TH tinha o desprendimento necessário para inventar e ousar em cima de uma batida quase dogmática. Qualquer baterista que tenha aprendido (de verdade) o reggae jamaicano não consegue tocar dessa forma. São muitas batidas “fora do lugar”, muitas viradas estranhas ao estilo... E ainda assim, a coisa toda soa perfeitamente “roots”.

DEATH OR GLORY
(London Calling, 1979)
Clássico de um dos melhores discos de todos os tempos. Acho interessantíssima a escolha de TH em não tocar essa música do jeitão hard rock, com o ximbau aberto (principalmente na hora refrão). A introdução (e a parte do meio) é uma coisa fora do comum – ele vai construindo a batida aos poucos até chegar ao topo da música. Em homenagem aos meus amigos Pedro, do Prot(o) e Rafa (Bois de Gerião), vou indicar um ótimo exemplo de como o baixista pode fazer TODA a diferença. Repare que o baixo de P. Simonon vem seguindo a idéia da introdução (a partir de 21'22" no podcast) até o momento em que muda a linha e leva a música para um outro caminho (21'50").

WASHINGTON BULLETS
(Sandinista!, 1980)
TH mostra como se deve tocar o ximbau. O ritmo dessa música é meio complicadinho, porque está cheio de pequenos acentos na batida (que devem permanecer pequenos). Além disso, a música faz várias paradas que, normalmente, são prato cheio para o baterista voltar com o tempo adiantando. É claro que com TH não vamos ver nem ouvir coisas desse tipo. Não é à toa que um dos produtores do Clash o apelidou de “Human Drum Machine” (no bom sentido, é claro).

JULIE'S BEEN WORKING FOR THE DRUG SQUAD
(Give 'em Enough Rope, 1978)
Só toca esse balanço quem compreende bem o ROLL que nasceu junto com o ROCK. Eu sempre achei que o baixo (não sei se é o PS que toca) “apanha” um pouco do clima swing desse tempo. Gosto muito também dos sons dos tambores nessa música – não entendo pq TH sempre teve um som de tom tão fechado ao longo da carreira. Podia tanto ser sempre assim...

HATEFUL
(London Calling, 1979)
Adoro essa divisão matemática da bateria para seguir as guitarras e a melodia. É uma bateria que parece fácil, mas não é. Cada parte da música tem uma batida diferente, com instrumentos diferentes. Essa é um bom exemplo da dinâmica de TH na hora de tocar. À medida que a música vai mudando, a baterista segue junto, ajudando a mudança de clima e de estrutura.

abs

Txotxa

Bernard Purdie

2007-05-08T17:15:00.000-03:00

Vou fazer aqui uma analogia bem safada: imagine que o tempo de uma música é um cavalo selvagem, daqueles indomáveis, que levam uma eternidade para serem enquadrados no esquema da sela e do cabresto. Ao longo dos anos, vários bateristas conseguiram controlar esses animais. A maioria, eu penso, apelando sempre para o chicote (ou metrônomo). Esse processo é realmente eficaz, mas sempre nos deixa com aquela sensação de que a qualquer momento o bicho-tempo vai nos dar um coice na cara e sair em disparada.

Brincadeiras a parte, queria falar hoje de um baterista que conseguiu amansar a fera do tempo sem precisar levantar um dedo sequer. Esse músico se chama Bernard Purdie.

Tive a oportunidade única de entrevistá-lo para o meu projeto final de graduação. Estava tão apavorado diante dele, que nem me lembro do que perguntei. Apesar disso, o resultado foi surpreendente para mim, pois havia lido coisas a seu respeito que indicavam sempre uma certa malice, um excesso de ganância e uma falta de educação. Mas nesse dia, BP me tratou com paciência, cordialidade e uma certa camaradagem. Tive sorte...

BP é considerado um dos bateristas com mais gravações de sucesso no currículo. Nos anos 60 e 70 (principalmente), 1 em cada 5 hits das paradas de R&B norte-americana tinha a batida de Bernard na fita. Ele já gravou com gente do naipe de Aretha Franklin, Steely Dan, Marvin Gaye, B.B. King, Issac Hayes, Miles Davis (isso mesmo!), Quincy Jones, Roberta Flack, Nina Simone, Cat Stevens, entre outros.

E é aí que começa um pouco da polêmica sobre os seus feitos. Por exemplo, ele jura de pé junto que gravou a maioria das baterias dos Beatles nos primeiros anos de EUA do grupo. Isso nunca foi provado, e eu duvido muito que vá ser algum dia, já que podemos ouvir as particularidades de Ringo em todos esses discos.

Outra coisa que ele faz muito bem é o marketing pessoal. Hoje, ele é conhecido como o criador do estilo acid jazz (o que quer que isso queira dizer) e faz questão de lançar discos com esse título. Nos anos 70, quando gravou com o Steely Dan, a dupla Fagen e Brecker não entendia nada quando ele colocava ao lado da bateria, no estúdio, um cartaz gigante dizendo Bernard “The Hitmaker” Purdie.

Bom, deixando de lado essas (e outras) polêmicas, BP é um dos gênios da bateria. Possui um senso rítmico tão natural que passa a idéia de que a coisa é muito mais simples do que parece. Seu toque é firme e poderoso, mas não ataca os ouvidos e nem atrapalha os outros instrumentos. Ele consegue tocar nos andamentos lentos (mais difíceis) com a mesma desenvoltura que comanda uma banda de 15 instrumentos a 1000 BPM. E o seu backbeat (aquilo que as pessoas instintivamente acompanham com as palmas) é um dos mais consistentes da história da música.

Para encerrar, mais uma historinha...

Logo nos meus primeiros anos de bateria, tinha um primo meu que almoçava lá em casa todos os dias. Como eu gostava muito dele, a gente ficava conversando sobre várias coisas enquanto a comida assentava. Numa dessas conversas, ele tentou me convencer a largar as baquetas, já que, com a expansão da bateria eletrônica (programada), os bateristas estariam com os dias contados. Mesmo sem entender bem o porquê, sabia que ele estava falando asneira.

Se na época eu conhecesse Bernard Purdie, poderia calar a boca do primo falastrão simplesmente mostrando algumas batidas do “Faraó do Funky”. Sério, mesmo depois de tantos avanços na área dos ritmos eletrônicos, ninguém chegou perto do swing puro de BP. A prova disso é que caras modernos como Beck nem perdem tempo tentando programar as batidas de BP: vão direto na fonte, copiando e colando (e no caso do Beck, dando os devidos créditos).

Vamos à seleção de hoje:

RESPECT
Aretha Franklin (Aretha Live at Fillmore West, 1971)
esse é um bom exemplo de como Purdie “empurra” a banda a todo vapor. gosto muito da parte em que a música dá uma abaixada para Aretha F. saudar o público (é a 1ª música do show). eu roubei de Purdie o jeito de acentuar a última batida antes de a música cair na dinâmica.

MEMPHIS SOUL STEW
King Curtis (Live at Fillmore West, 1971)
essa gravação é do mesmo show acima, com a banda de apoio de AF criando o clima de abertura. e que banda! é como se fosse o dream team da soul music dos anos 70. não vou listar os nomes, já que King Curtis (sax e diretor musical) vai apresentando o pessoal ao longo da canção. a música é um clássico que dá a receita de como preparar um autêntico “caldo soul de Memphis” (mais ou menos assim). outra coisa que tento copiar de BP é o ximbau que ele faz nessa música.

THE CAVES OF ALTAMIRA
Steely Dan (The Royal Scam, 1976)
aqui BP é colocado à prova pelos caras mais chatos para gravar que já existiram: Donald Fagen, Walter Brecker e o produtor Gary Katz. já li várias coisas sobre esse time. eram caras meticulosos ao extremo, que não toleravam (no caso dos bateristas) qualquer variação de tempo ou de dinâmica. já vi grandes bateristas dizerem que a coisa era feia com esses 3 – nenhum detalhe passava despercebido. mas o mais assustador é que BD gravava tudo de 1ª, super rápido, enquanto eles ainda acertavam o som da bateria.
essa música é um exemplo de como ele entendia o tempo como ninguém.

ROCK STEADY
Aretha Franklin (Young, Gifted and Black, 1971)
clássico dos clássicos. isso é o gabarito para qualquer coisa que queira soar funky. o baixo, a percussão, o órgão, os sopros, a voz, tudo se encaixa perfeitamente. a parada de bateria é uma coisa de outro mundo. e de novo, o ximbau...

SPANISH HARLEM
Aretha Franklin (Single, 1971)
mais uma de AF (nunca é demais, né?). me amarro muito nesse arranjo. é engraçado que eles tentaram dar um clima meio hispânico, mas não conseguiram deixar de lado a batida sólida e funky da bateria e do baixo. preste atenção na cadência da bateria. ouça como ele toca o tempo todo, com várias notas em vários tambores, mas não perde nunca o balanço.

HOME AT LAST
Steely Dan (Aja, 1977)
essa batida é conhecida como Purdie Shuffle. no documentário da gravação desse disco, BP explica, com um certo desdém e malice, que os Steely Dans não sabiam bem como queriam a batida. foi quando Berrnard disse: “vou fazer o Purdie Shuffle e vcs vão ficar mais que satisfeitos”. isso é que é autoconfiança. essa batida, eu acredito, deve ter influenciado bastante a bateria de “Fool In The Rain”, do Led Zeppelin.

ATTICA
Bernard "Pretty" Purdie (Purdie Good, 1971)
aqui uma das versões da banda de Purdie. a música é bem contagiante. a bateria já é bem mais presente do que nas gravações em que BP apenas “acompanhava” os outros.

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abs
Txotxa

Sly Dunbar

2007-05-03T21:57:00.001-03:00

Seu nome vem sempre atrelado ao do parceiro Robbie Shakespeare, baixista com quem toca, produz, mixa e remixa há mais de mais 30 anos. O duo jamaicano Sly & Robbie é mundialmente conhecido como a maior cozinha (formação de baixo e bateria) de reggae de todos os tempos. Pela qualidade dos dois, eu tiraria o reggae do título e deixaria assim: "Uma das Melhores Cozinhas de Todos os Tempos".

Os dois já tocaram em mais de 200 mil gravações (essa conta eu tirei do All Music), acompanhando gente como Bob Dylan, Rolling Stones, Gilberto Gil, Joe Cocker, Cindy Lauper, além dos principais nomes do reggae jamaicano. Como produtores, trabalharam com uma outra penca de artistas.

Na minha opinião, o que faz os dois tão especiais é que sempre tocam para a música. Não querem mostrar tudo o que sabem em 3’ de canção. O som é sempre firme, com pegada, no tempo, sem falhas e com muita propriedade. E para melhorar o que já é excelente, os dois entendem horrores de colocação de baixo e bateria (e guitarra, e voz, e teclados, e sopros...) numa sessão. Podem reparar: nenhuma de suas gravações falta ou sobra som. Os graves, médios e agudos estão sempre nos lugares corretos, os timbres sempre funcionam perfeitamente.

Além de todas essas qualidades musicais, Sly Dunbar, principalmente, é um profundo conhecedor dos equipamentos eletrônicos. Ele foi um dos primeiros a usar as Simmons Drums sem preconceito, apostando certo nas possibilidades sonoras dessas novas tecnologias. Até onde sei, SD continua assim. Mas quando é necessário, sabe tocar um kit acústico como poucos.

Quando comecei a tentar tocar reggae (tento até hoje), conhecia o Sly & Robbie apenas de nome, ouvindo as entrevistas dos Paralamas. Comprei, com atraso, o disco “Rhythm Killers” e fiquei meio de cara. Não tinha nada que me lembrasse o som de Bob Marley (a minha referência de reggae na época). Era uma coisa moderna, forte para burro, com a uma batida de hip-hop e funk. E hoje, 15 anos depois do dia que comprei esse disco, toda vez que escuto alguma coisa dos dois, qualquer coisa, tenho ainda a mesma sensação: uma batida muito estruturada, que é cerebral sem perder uma gota de inspiração, e que só é possível por algum acidente da natureza.

Para o podcast de hoje, escolhi alguns momentos da dupla Sly & Robbie tocando com alguns artistas que, de certa forma, foram influenciados pelo som da dupla.

Vamos à seleção:

NIGHTCLUBBING

Grace Jones (Nightclubbing, 1981)
essa versão para a música de Iggy Pop é maneiríssima. o que me impressiona é a bateria manter a mesma batida durante toda a música. e olhe que a batida é meio chatinha, com uma mudança no final do compasso. é coisa de quem sabe de cor a essência don ritmo. não deixa sobrar e nem faltar nada.

YOU'LL NEVER KNOW

Gregory Isaacs (Sly & Robbie Present Gregory Isaacs, 1973)
para mim, essa é uma das músicas mais felizes do mundo. de novo, a bateria entra num mantra e vai embora. o baixo (e que baixo!) ainda dá umas variadas, mas a bateria segue firme. já toquei essa música algumas vezes e sempre estrago tudo, dando uma virada sem necessidade. como disse anteriormente, tocar como SD é para quem pode, e não para quem quer.

YOUTH

Black Uhuru (The Dub Factor, 1983)
aqui já entra a onda do DUB. os dois amarraram o som do Black Uhuru de tal forma que acabaram influenciando a forma de composição do grupo. gosto dessa música pela caixa, principalmente, que entra e sai, volta com delay, sempre com a mesma dinâmica. e o bongô (que eu acho que é tocado por SD com a baqueta) é sensacional.

RING OF FIRE

Grace Jones (Private Life: The Compass Point Sessions, 1982)
se alguém souber tocar a introdução da bateria, por favor, me ensine. não consigo nem chegar perto da dinâmica entre as peças. a versão para esse country é fantástica (principalmente a guitarra e a voz). e o clima de ensaio é sensacional. desesperador (pq faz parecer fácil tocar desse jeito), mas sensacional.

(YOU GOTTA WALK) DON'T LOOK BACK

Peter Tosh (Bush Doctor, 1978)
música muito maneira e alegre da carreira rebelde de Peter Tosh. Mick Jagger divide os vocais com ele. nas primeiras semanas de Maskavo Roots (meu grupo nos anos 90), tentamos tocar essa música. os outros conseguiram, mas eu fiquei devendo. até hoje não consigo reproduzir a dinâmica entre bumbo, caixa e, principalmente, ximbau. acabo sempre tocando um country safado ou um shuffle capenga.

ASSAULT ON STATION 5

Sly & Robbie (Reggae Greats: A Dub Experience, 1985)
faz parte de um dos discos solo da dupla. coloquei essa versão mais pelos efeitos – gosto muito das palminhas. e o andamento bem para frente é bem legal. serve também para mostrar o quanto eles entendiam de mixagem.

"MOSES" THE PROPHET

Peter Tosh (Bush Doctor, 1978)
do disco clássico de Peter Tosh. apesar da flautinha doida e da letra, adoro essa música. a bateria é cheia de detalhes – reparem como ele alterna o timbale (mais agudo) com o tom (grave). e SD faz soar muito natural. é um bom exemplo de como a sua bateria é elaborada e, ainda assim, cheia de feeling. me amarro muito também na batida do bridge instrumental.

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Valeu
Txotxa

Alex Van Halen

2007-04-30T16:43:00.000-03:00

4 x zona = zona total!

É sempre essa a impressão que tenho ao ouvir as músicas do Van Halen. Até mesmo nas coisas mais sérias e dramáticas consigo imaginar os 4 (principalmente nos primeiros anos) enchendo a cara, brigando e/ou sacaneando uns aos outros no estúdio.

Mas é uma zona no bom sentido, que lembra um clima de juventude, de desprendimento, de inconseqüência. Tudo isso, acredito, juntamente com o talento fenomenal de seus integrantes, faz do VH um dos sons mais poderosos de todos os tempos.

É claro que a genialidade de Eddie Van Halen é a responsável direta por todo e qualquer crédito criativo do grupo (e por uma revolução na forma de tocar guitarra), mas eu não acredito que a banda existiria tão perfeitamente sem a batida de Alex Van Halen, seu irmão.

Alex e Eddie são dois holandeses (criados na Califórnia) quase da mesma idade. Por influência do pai, os dois sempre se interessaram pela música, mas AVH tocava violão e EVH, bateria. Com o tempo, acabaram trocando de instrumentos e tornaram-se parceiros musicais em diversas bandas. Daí para frente, a história é conhecida.

Mas o que teria de tão especial a bateria de AVH a ponto de definir o som de uma banda pela qual passaram estrelas como David Lee Roth e Sammy Hagar, além dos sócios-fundadores Michael Anthony e Eddie Van Halen?

Bom, eu diria que a principal qualidade de AVH é a sua consistência, tanto na batida quanto nas viradas. Ele toca o que a música pede, sempre, e não faz corpo mole. Nesse ponto ele se parece muito com John Bonham, uma de suas principais influências. Aliás, o som de caixa mais próximo de JB que já ouvi foi o de AVH.

O vigor com que AVH toca não deixa a música cair nunca. Uma coisa interessante é que ele, muitas vezes, toca o bumbo em todos os tempos do compasso. Quando o VH surgiu, o único lugar em que se ouvia isso era nas pistas de discoteca. Mas AVH fazia de uma forma que a música ganhava balanço sem perder a força.

Outra curiosidade é a sua predileção (em vários pontos de sua carreira) pelos rontotons, ao invés dos tradicionais tons (mais do que presentes nas bandas de hard rock). Isso criava uma combinação interessante com o peso do baixo e da guitarra. Era suave, porém mantinha a pegada agressiva.

Para mais qualidades, vamos ao podcast do dia:

SINNER'S SWING! (Fair Warning, 1981)
essa é de um disco meio obscuro do VH. a batida da estrofe é sensacional. AVH consegue imprimir o swing de um jazz tradicional em uma batida pesadíssima. acho bem legal a forma como ele cola nos riffs de baixo e bateria.

PANAMA (1984, 1984)
clássico dos clássicos. nunca fui a nenhum show deles, mas acredito que essa música deve balançar o esqueleto de qualquer um. é um belo exemplo de como AVH usa o bumbo nos quatro tempos da batida. a dinâmica no meio da música também é muito legal. e que som do bumbo...

WHERE HAVE ALL THE GOOD TIMES GONE? (Diver Down, 1982)
cover dos Kinks num disco cheio de covers. escolhi essa porque é puro Van Halen: baixo e bateria colados, batida bem reta, ximbau meio fechado/meio aberto, condução no prato de ataque. além disso, gosto muito do andamento dessa versão. na minha opinião, eles acertaram (em termos de batida) mais aqui do que na versão de “You Really Got Me”.

OUTTA LOVE AGAIN (Van Halen II, 1979)
gosto muito da batida quebrada que ele faz, principalmente no solo de guitarra. aqui ele ainda usa os tons tradicionais. e como usa... e David Lee Roth mostra porque é considerado um dos maiores cantores de rock de todos os tempos.

SUNDAY AFTERNOON IN THE PARK (Fair Warning, 1981)
essa é pelo efeito. além disso, a bateria é muito bem tocada e a música muito maneira.

WHY CAN'T THIS BE LOVE (5150, 1986)
muitos fãs do VH consideram a fase Sammy Hagar fraca. independente do cantor (era também um ótimo guitarrista, além de manter um visual horroroso), acho que eles produziram coisa bem legais nesses anos. e esse disco é um bom exemplo. escolhi essa música pela pressão do andamento e pelo som de bumbo. AVH foi um dos poucos que soube usar a bateria eletrônica sem perder a qualidade e a pegada do som. preste bem atenção na colocação do bumbo – ele entra e sai da música nos lugares certos para aumentar o balanço da batida.

LOSS OF CONTROL (Women And Children First, 1980)
pura energia da 1ª formação do VH. gosto muito do jeito que AVH toca o refrão (cantado baixinho, com voz fina).

MEAN STREET (Fair Warning, 1981)
um exemplo do swing de AVH e Michael Anthony. hoje, eu não acho que alguém tocaria dessa forma, com as duas mãos tocando todas as notas do ximbau. ele sabe muito bem que a música não teria a metade da força se não fosse assim. tanto que depois do solo, ele muda a batida e toca o ximbau apenas com a mão direita, deixando a pegada mais mansa.

HOT FOR TEACHER (1984, 1984)
é um terremoto. não sei tocar com dois bumbos, mas, se soubesse, queria tocar desse jeito. a condução também é impecável. isso é o máximo de zona que uma banda pode promover em termos de música e letra. mega hit de um disco que tornou o VH conhecido e adorado mundialmente.

podcast: http://lomez.mypodcast.com/

abs

Txotxa

Butch Trucks & Jaimoe Johanson

2007-04-24T18:25:00.000-03:00

Quando pensamos em duas baterias, uma coisa vem à cabeça: barulho em dobro!!
E mesmo com todos os grandes exemplos de double drums existentes no rock e no jazz (Frank Zappa, John Coltrane, George Harrison, Steely Dan, Genesis, Ornete Colleman), poucas bandas mantiveram, em sua formação, dois bateristas tocando ao mesmo tempo todas as músicas.

Um dos motivos para isso é a dificuldade de criar partes consistentes para cada um dos bateristas e, ainda, encontrar músicos com toque e sensibilidade suficientes para não encobrir o som dos outros instrumentos com os pratos e tambores em dobro. Se uma bateria já incomoda muita gente...

Mas mesmo com essas (e outras) dificuldades, o grupo norte-americano The Allman Brothers Band conseguiu, ao longo de quase 40 anos de existência (estão juntos até hj), manter a sua seção rítmica funcionando a todo vapor com dois excelentes bateristas: Butch Trucks (de pé, na foto) e Jaimoe Johanson.

Desde as primeiras jams que deram origem aos AB, a parceria entre BT e JJ mostrou-se tão espontânea quanto eficaz. Em poucos momentos do rock dois músicos se completaram de tal forma. Ouvindo os discos dos AB, fica claro que essa simbiose (vamos chamar assim) é pra lá de musical. Veja só: um completava a virada do outro; tocavam, naturalmente, contra a batida do colega e mantinham as mesmas dinâmicas ao longo da música.

É claro que com ensaio tudo é possível. Até mesmo esse tipo de cooperação intrincada acaba funcionando depois de horas e horas de prática. Mas no caso do rock, e em especial o rock dos AB, a coisa não é tão simples assim, já que falamos de um dos grupos que, no começo dos anos 70, “jantava” todos os outros em matéria de improviso no estrado – algumas músicas chegavam a durar 30’. E mesmo nas versões ao vivo do grupo, essa química funcionava perfeitamente.
Não quero entrar aqui no campo do espiritual, mas a parceria entre JJ e BT se dava num outro plano...

Bom, vou deixar de conversa mole e listar as faixas escolhidas para este post.

CRAZY LOVE (Enlightened Rogues, 1979)
note com a batida de cada um está invertida. na introdução, nos versos e no solo, um toca o tempo dobrado, e o outro, pela metade. ouça bem o estéreo e repare esse balanço fenomenal. no final, note como um baterista completa os fills do outro.

TROUBLE NO MORE (The Allman Brothers Band, 1969)
eu considero essa batida muito difícil de ser tocada. ainda mais quando precisa estar travada com outro baterista. mas os dois fazem isso perfeitamente. nesse caso, as duas baterias estão praticamente tocando a mesma coisa – acho que a idéia era reforçar ainda mais o ritmo. repare bem nas viradas que antecedem o último verso (6’45” no podcast). por causa dessas viradas, aliás, a versão ao vivo dessa música foi listada pela conceituada revista "Modern Drummer" como um dos melhores momentos de double drums da história.

ONE WAY OUT [Live] (Eat A Peach, 1972)
clássicos do AB. uma bateria marca bem a batida e a outra vai acentuando as nuances, e as duas dão a impressão de que uma locomotiva empurra a música. o engraçado é que na volta do pequeno solo de bateria, a banda (eu acho que o baixo se perde na batida contrária de uma das baterias) volta no outro tempo, e o 1 muda de lugar. faça o teste: venha batendo palmas junto com a caixa (ou nos tempos 2 e 4) a partir de 9’45” no podcast.

HOOCHIE COOCHIE MAN (Idlewild South, 1970)
essa versão é impossível de ser tocada por qualquer outras banda no planeta. as chamadas das baterias antes das estrofes são espantosas. o arranjo das duas é fenomenal, assim como a música. esse é um ótimo exemplo de como se criar partes consistentes para cada um dos bateristas. não vou nem falar das frases das guitarras...

HOT 'LANTA [Live] (At Fillmore East, 1971)
aqui, os AB mostram um pouco de suas influências jazzísticas. o jazz, aliás, era uma das praias de JJ. nessa faixa instrumental, da para perceber a soberba técnica dos dois, com rufos muito bem colocados e com a dinâmica funcionando perfeitamente entre os solos. detalhe para o sofisticadíssimo solo dos dois. essa é boa de ouvir no fone.

DON'T WANT YOU NO MORE [Live] (Wipe The Windows, Check The Oil, Dollar Gas, 1976)
música do 1º disco, numa versão ao vivo de 1973 (eu acho). a sua batida funky deixaria os dois bateristas de James Brown com uma certa inveja. aliás, cabe aqui um parênteses: não listei os bateristas de JB como exemplo de double drums pq a idéia dele era diferente. como JB sempre foi rigoroso com o andamento de suas músicas, mantinha os bateristas (chegou a ter 3) num sistema de revezamento: “fulano toca os versos e cicrano, o refrão”. assim, segundo sua lógica, o ritmo não iria nunca cair, já que nenhum baterista se cansaria.
bem, de qualquer forma, vou falar disso nas próximas postagens...

JESSICA (Brothers and Sisters, 1973)
essa é uma das músicas mais conhecidas do grupo. sinceramente, não me lembro de uma situação onde a equação composição/arranjo/execução/gravação/mixagem tenha sido tão perfeitamente resolvida. de novo, uma bateria cuida da batida e outra vai seguindo os acentos das inúmeras partes. de vez em quando, dá para ouvir uma caixa meio perdida, mas pela intensidade que deve ter tido essa sessão, eles (sabiamente) não mexeram em nada das baterias. ah, e não se esqueça que nessa época não existia o Pro Tools, ou qualquer outro software de edição de áudio. ou seja, Jaimoe e Butch tiveram que tocar tudo de uma só vez, sem cortes, durante os 7’ de música.

Podcast: http://lomez.mypodcast.com/

Valeu.

Ginger Baker

2007-04-20T20:02:00.000-03:00

Eu considero o Cream um dos Top 5 power trios da história, mesmo quando comparados a “assassinos” como The Police, Rush, Jimi Hendrix Experience, Band of Gypsies, Nirvana, The Jam, Hüsker Dü etc. Não podia ser diferente, tratando-se de uma banda que conta com Eric Clapton (no auge de sua forma), o virtuosíssimo Jack Bruce e o mago (detesto essa palavra, mas não achei outra) Ginger Baker.

De certa forma, o que eles produziram no curtíssimo espaço de tempo que estiveram juntos, principalmente ao vivo, é uma coisa que ainda não foi superada. Que banda poderia improvisar, AO MESMO TEMPO, durante 20’, sem deixar a música desandar, sem perder a pegada do estilo e sem descambar para o virtuosismo chato e egoísta? Poucas, não?

Pq, normalmente, vc tem os caras que até vão bem longe no improviso, mas que só funcionam se tiverem uma estrutura minimamente sólida por baixo. No caso do Cream, essa estrutura era o próprio improviso. E esse caminho surgiu naturalmente. Não foi nada estudado. Quer dizer, algumas substâncias ilícitas ajudaram bastante, mas o potencial musical dos 3 era algo puro e espantoso. Uma pena que isso não tenha sido o suficiente para mantê-los juntos por mais tempo.

Bem, voltando ao improviso em conjunto, isso é, no caso do baterista, muito complicado, já que uma alteração na batida ou uma virada muuuuuito exagerada pode desandar a música, derrubando o(s) solista(s). Mas Ginger Baker conseguiu, de uma forma belíssima, manter o ritmo e ainda interagir com seus colegas “fominhas”.

Jazzista de formação e rockeiro de espírito, Ginger Baker é daqueles bateristas que, quando o vemos tocar, temos a certeza de que ele não vai chegar a tempo nas viradas. Mas ele sempre chega. E ainda é super rápido e preciso. Além disso, usa dois bumbos de uma forma 100% musical, bem afinados e afiados (quando necessário).

A sua bateria tem um som bem aberto, de jazz, e os pratos quase nunca são batidos com força. Ele é um exemplo do músico que faz o instrumento soar por ele, sabe? Para que descer a marreta se a pele pode vibrar e fazer todo o serviço?

Confesso que custei muito para entender as suas qualidades como músico. Não entendia nada ao ver aquela figura com cara de caveira, sofrendo a cada batida, com os braços duros e retos, tocando com dois fenômenos do rock. Pensava que GB era apenas o cara sortudo e menos talentoso do grupo. Só isso. Mas foi só eu me arriscar a tocar as suas baterias (tocar mesmo, de verdade), que eu comecei a entender pq ele sempre foi um dos grandes (até o próprio A. Ertegun, da Atlantic Records, acostumado a lidar com a nata dos bateristas norte-americanos de jazz e rock, só tinha elogios para GB).

Entonces, o podcast de hoje vai tentar mostrar as inúmeras qualidades da bateria de Ginger Baker.

É bom lembrar que deixei de fora o clássico “Toad”, música para o solo de GB. Queria mostrar como funciona a sua bateria dentro do ambiente de uma banda, ok?

Vamos ao playlist:

I FEEL FREE (Fresh Cream, 1966)
é impressionante a cadência dessa batida. GB acentua o ximbau e carrega uma música muito difícil (meio shuffle/ meio rock) nas costas. o estéreo é uma boa oportunidade para ver como cantavam bem Eric Clapton e Jack Bruce.

BORN UNDER A BAD SIGN (Wheels Of Fire, 1968)
a batida de GB é incrivelmente diferente de todas as versões já feitas para essa música. como diriam os críticos de música: “uma batida sincopada e cheia de swing”. concordo.

WELL...ALL RIGHT (Blind Faith, 1969)
essa versão do Blind Faith deu uma remexida no original de Buddy Holly. esse grupo tinha tanta coisa para dar certo, que acabou sendo o maior fracasso de todos. a levada com o cowbell na hora da estrofe dá um clima bem ritmado para a música. gosto também do timbre da bateria, um pouco mais aberto que o das gravações do Cream.

OUTSIDE WOMAN BLUES (Disraeli Gears, 1967)
blues muitíssimo bem tocado. repare como o baixo e a bateria não param um só instante. gosto do fato de GB usar pouco os pratos na levada. apenas um cara com a suavidade dele pode tocar uma música dessa forma, variando a batida o tempo inteiro, tocando em todos os tambores (fazendo de uma forma que isso se torna a uma única célula), mas sem atrapalhar a voz.

I'M SO GLAD [Live] (Those Were The Days, 1968)
essa é para mostrar o quanto a banda era impressionante ao vivo. é um bom exemplo de como eles solam ao mesmo tempo, mas não perdem nunca o norte. aumente o som e boa audição...

WHITE ROOM (Wheels Of Fire, 1968)
40 anos depois, Eric Clapton ainda toca essa música em seus shows. E mesmo com todos os grandes bateristas que tocaram com ele, ninguém chegou perto desse feeeling. de novo, o estéreo dá um nó na cabeça: veja como o bumbo parece quase separado no canal esquerdo – é como se fosse uma peça independente, tocada por outra pessoa. essa, aliás, é uma característica de GB: consegue tocar uma peça de cada vez, na sua hora, sem açodamento, e trata cada uma de uma forma diferente.

POLITICIAN (Wheels Of Fire, 1968)
me amarro nesse vai-e-vem da batida. o tempo forte está sempre mudando de lugar (e quando não está, dá essa impressão). além disso, o prato tem uma condução bem atípica para o estilo. acho que ninguém nunca tocou um blues dessa forma. muito bom os dois solos de guitarra juntos.

SWLABR (Disraeli Gears, 1967)
de novo, a altura das peças em perfeita harmonia com a bateria e com os outros instrumentos. e não falo da mixagem, mas sim da execução. música que começa com força total, e a bateria não deixa a desejar.

SUNSHINE OF YOUR LOVE (Disraeli Gears, 1967)
clássico dos clássicos. GB carrega a música nos toms, o que aumenta ainda mais o peso e a pressão. gosto muito da forma como ele deixa a música respirar entre as partes do refrão. é uma aula de como entrar e sair da música sem prejudicar o contexto e nem deixar a peteca cair.

Podcast: http://lomez.mypodcast.com/

Ah, continuando as comparações, o animal (ou animago, como diria Harry Potter) de GB é a girafa.

abs
Txotxa

Stewart Copeland

2007-04-19T16:46:00.000-03:00

Primeiramente, queria me desculpar pela demora na postagem. Estou apanhando um pouco dos podcasts. Espero resolver isso até o final da semana.

Acredito que toda a geração dos anos 80 tenha sido fortemente influenciada por S. Copeland. E essa influência, na minha opinião, se refletiu muito pouco no aspecto musical.

Exemplo: quando alguém quer listar as influências de um baterista como João Barone (grande músico dos Paralamas), o primeiro nome que vem à cabeça é o de SC, correto? E essa associação não se dá por causa do som de JB, mas, sim, pela forma como ele posicionava (hj, nem tanto) os seus tambores, pelo uso de octabans, pela forma com que segurava (hj, nem tanto) a baqueta ou pelo fato dos PDS declararem abertamente o seu amor ao The Police.

Pq se formos analisar os aspectos rítmicos de Barone, vamos encontrar muito mais influência de Bonham (que ele já citou como um de seus ídolos, assim como Ringo Starr), do que de Copeland. Anote aí: batida carregada, com swing, tocando do meio para trás do andamento e agressividade contida. Ou seja, características opostas às de SC.

E essa conta serve também para outros bateristas que beberam nessa fonte, como Charles Gavin (Titãs), Taylor Hawkins (Foo Fighters), Adrian Young (No Doubt), entre outros. Quer dizer, são caras que, apesar de declararem a sua paixão por SC, não mantêm muitas das características essenciais (a meu ver) de sua música.
E isso não é, quero deixar claro, demérito algum para esses grandes bateristas. É apenas uma constatação de que a verdadeira arte de SC permanece ainda pouco estudada.

Considero S. Copeland quase como um extraterrestre em termos baterísticos. Ele surgiu na época do punk, onde, com exceção de Rats Scabies, baterista do Damned (*), ninguém tocava, de uma só vez, com força, rapidez e pressão. Só que no caso de RS, dá para ouvir a forte influência de Keith Moon (numa versão muuuuito mais vitaminada).
(*) valeu, André X.

Já o Copeland é um troço esquisitíssimo. É como se fosse um meteoro, sabe? Vc pode até medir a radiação da pedra, descobrir alguns componentes parecidos com os terrestres, mas, no geral, ninguém tem a menor idéia de como classificar ou reproduzir a sua estrutura.

E, para mim, é assim até hoje. Ninguém chegou perto. Nem mesmo ele, que, com essa volta do Police, não encara o Copeland de 20 anos atrás.

Bom, então quais seriam essas características tão diferentes e especiais assim?
Vou listá-las ao longo da seleção abaixo.
Vejam se as minhas idéias fazem algum sentido para vc...

NO TIME THIS TIME (Reggata de Blanc, 1979)
já começa com o pé na porta. note como a batida está sempre à frente do centro do compasso. ele empurra a banda o tempo inteiro, quase ao limite de correr com o andamento (no começo da carreira, ele adiantava e tomava esporro dos outros dois). outra marca de SC: os acentos na condução e o ximbau tocando todas as notas junto com o bumbo. quem é que consegue fazer isso numa velocidade dessas? e o detalhe: são duas baterias tocando ao mesmo tempo.

AWAY FROM HOME (Klark Kent: Kollected Works, 1980)
esse é o seu projeto solo dos anos 80, onde ele toca TUDO e canta. curiosamente, essa é uma das poucas vezes em que ele toca com certo swing. no geral as suas batidas são retas e vão direto na cara do freguês. outro detalhe nessa música é a clareza e precisão com que ele toca o ximbau. ximbau, aliás, que já foi elogiado por John Bonham. segundo Jason Bonham (filho), seu pai o levou para um dos shows do Police e pediu que prestasse atenção na forma que SC tocava a peça.

DRIVEN TO TEARS (Zenyatta Mondatta, 1980)
clássico do Police. para provar a sua falta de swing, ouça a versão do Sting, com Omar Hakim na bateria. SC toca reto, sem detalhes ou entonações. a sua dinâmica é sempre “do meio-dia para tarde”, e nunca vai do forte para o fraco. uma vez que a música começa, não tem arrego. outra marca: o rimshot tocado com toda a baqueta, sem descansar a mão na pela de caixa (como sempre fizeram os bateristas de reggae), o que deixa o som muito mais definido e potente.

TRUTH HITS EVERYBODY [Live] (Message in a Box: The Complete Recordings)
ouça o bumbo e os acentos do ximbau! aliás, essa é uma coisa interessante sobre a sua bateria: ele usava um ximbau de 13”, ao invés da tradicionais 14”, que dava chance para acentuar o ximbau à vontade sem atrapalhar o resto da batida.

HOLE IN MY LIFE (Outlandos d'Amour, 1978)
adoro essa música. é um dos pouco momentos onde ele entra na música de igual para igual, sem empurrar ninguém (pelo menos até o final :-). gosto muito do momento do bridge, quando ele vai para os pratos, acentuando nos lugares mais surpreendentes. as viradas no final também são fodas.

LOW LIFE (Single, 1981)
ótima música que foi ressuscitada por Sting no início de sua carreira solo. veja como a bateria vai misturando o clima de blues com a pegada do reggae ao longo da música (principalmente no final, depois do solo de sax, exatamente em 19’59” desse podcast). isso é coisa de quem tem a estrutura da batida totalmente sobre controle.

THE BED'S TOO BIG WITHOUT YOU (Reggata de Blanc, 1979)
que batida, que música! na minha opinião, é um standard do reggae. outra característica de SC: o uso inteligentíssimo dos splashs. note em 22’58” que o bumbo entre fora do tempo. isso é até um alento para o resto da população: SC erra e ainda deixa gravado.

MURDER BY NUMBERS (Synchronicity, 1983)
essa é uma aula de matemática. a batida começa no ¾ clássico. quando Sting entra, dá um certo nó. qual o tempo da voz? com os outros instrumentos, fica fácil. eu acho essa introdução muito bem sacada. é um outro exemplo de como ele dominava completamente a divisão do ritmo. o final é na mesma onda de “Low Life”. um exercício lega é contar a batida de blues em cima da primeira voz. muito doido... para mim, prova o quanto essa banda era especial.

MAN IN A SUITCASE (Zenyatta Mondatta, 1980)
clássico Copeland. tem de tudo: batida na frente, bumbo no contratempo, variações no ximbau, o som aberto e agudo dos toms, os splashs e a caixa mais seca e dura do planeta. excelente música, com uma linha de baixo tão foda quanto.

DARKNESS (Ghost In The Machine, 1981)
essa eu só prestei atenção por causa do Prata (meu amigo e colega dos anos de Maskavo Roots). tem que ouvir de fone para entender os efeitos do ximbau. além disso, a batida da bateria é tão discreta e precisa que parece programada. como é foi feita? com delay? não tenho a menor idéia... música futurística que deve ter sido composta pelo Sting de “Duna”.

NEXT TO YOU (Outlandos d'Amour, 1978)
1º música do 1º LP da banda. ao longo dos anos, ela foi triplicando de velocidade, mas o balanço (sem swing) continuou o mesmo. é muito legal a forma de usar os toms na batida, numa estrofe ainda, sem sobrecarregar a voz. essa música é um ótimo exemplo do que disse Sting no filme Bring On The Night: “No jazz, vc tem um tempo para esquentar durante a música; no rock vc tem que incendiar desde o primeiro compasso”.

Aproveito este post para iniciar uma série bem doente de analogias entre os bateristas desse blog e os animais selvagens.

Até o momento, são eles:

John Bonham – Urso Polar
Zigaboo Modeliste – Cavalo Alazão
Greg Errico – Puma
Charlie Watts – Bisão
Stewart Copeland – Leopardo

O podcast é o seguinte:

http://lomez.mypodcast.com/

abs
Txotxa

Charlie Watts

2007-04-17T23:21:00.000-03:00

Já li muita coisa sobre a aparente incompetência de Charlie Watts, lendário baterista dos Rolling Stones, com as baquetas. Eu mesmo já defendi que muitas gravações dos Stones eram frouxas e descansadas (no mau sentido). Ainda mais quando comparadas às dos Beatles. E essa “moleza”, em parte, seria culpa do baterista, não é verdade?

Mas daí, eu vejo caras como Stewart Copeland (The Police) e Mike Fleetwood (Fleetwood Mac) falarem muitíssimo bem de CW, elogiando a sua cadência e a forma como ele se coloca na música, e fico sem saber o que estou deixando passar nos discos dos RS.

Então, esse post vai tratar exatamente das qualidades pouco lembradas de Charlie Watts, um velhinho que toca na maior banda de rock de todos os tempos, mas que, como ele faz questão de deixar claro em todas as suas entrevistas, tem o interesse musical estacionado no jazz dos anos 30. Vai entender...

Ah, é importante lembrar que não vou tratar da sua carreira com seu grupo de jazz (que, aliás, já veio no Brasil) e nem das suas participações em discos de outros artistas. A seleção musical é toda de discos dos Rolling Stones.

Outro ponto: com exceção das sessões do disco Exile on Main St. (em que algumas músicas foram tocadas pelo produtor Jimmy Miller), vou considerar que o restante foi REALMENTE gravado por Charlie Watts. Portanto, se algum especialista em Rolling Stones tiver alguma informação diferente sobre as versões abaixo, por favor, me passe as coordenadas.

Vamos, então, às escolhidas:

CHERRY OH BABY (Black and Blue, 1976)
é um dos capítulos jamaicanos no livro dos Stones. essa versão da música de Eric Donaldson realmente não chega perto da original, mas tem o seu estilo. e esse estilo é exatamente a displicência com que é tocada. a batida de CW não tem a consistência dos bateristas de reggae, mas, mesmo com o bumbo mudando de lugar toda hora, com o rimshot funcionando de vez em quando e com a nítida sensação de que ele está dormindo ao longo da sessão, eu adoro essa versão. muito disso porque eles não quiseram falsificar o som. foram eles mesmos, o que, nesse caso, é uma virtude.

STREET FIGHTING MAN (Beggars Banquet, 1968)
a métrica da melodia engana a batida o tempo todo, mas a bateria de CW amarra bem os versos. gosto também da forma como o ximbau entre e sai na música. a gente ouve o chocalho o tempo todo, mas quando a mão direita de CW entra, faz toda a diferença (e dessa vez, tocando todas as notas do compasso).

EMOTIONAL RESCUE (Emotional Rescue, 1980)
4 on the floor. é assim que essa batida é conhecida (o bumbo toca os 4 tempos do compasso). o baixo de B. Wyman é o que faz a diferença, mas a bateria cumpre muito bem o seu papel. sem adiantar ou atrasar; sem muita força, mas com firmeza, CW cria um clima hipnótico que casa bem com a voz.

RIP THIS JOINT (Exile on Main St., 1972)
como disse nas observações, vou considerar essa gravação obra de CW (não vi nem e nem ouvi nada que provasse o contrário). realmente, a coisa se parece com ele. fico feliz com a energia da bateria, que começa com o pé no acelerador logo no primeiro segundo e vai até o final sem engasgar. música foda de um disco mais foda ainda.

SLAVE (Tattoo You, 1981)
CW dá todo o balanço. acho que o cowbell foi gravado depois (ou por outra pessoa), mas não diminui o swing dessa música. além disso, manter essa batida numa música que tem mais de 6 minutos não é para qualquer um. não é, mesmo. Ah, dei uma encurtada na versão original.

PAINT IT BLACK (Aftermath, 1966)
já ouvi várias versões dessa música. uma que é muito legal é a do Echo & The Bunnymen, com a excelente bateria do falecido Pete de Freitas. mas a forma tocada por CW é impossível de imitar – desde a altura das peças até a cadência da batida. e além disso, ele consegue sair de uma linha bem pesada (quando toca os toms) para o tradicional ximbau/caixa sem perder um centímetro de pegada (muito pelo contrário, até). particularmente, adoro a virada da volta para a estrofe (ali no meio da música).

LET ME GO (Emotional Rescue, 1980)
CW no seu melhor estilo. o guizo dá todo o diferencial. é uma das boas músicas desse disco e que fez muito sucesso ao vivo nos anos seguintes em que os Stones viajaram o mundo em turnês gigantescas.

AIN'T TOO PROUD TO BEG (It's Only Rock & Roll, 1974)
Benny Benjamin (lendário baterista das gravações da Motown) não teria vergonha dessa versão do clássico dos Temptations. a bateria funciona como uma luva. esse é um ótimo exemplo de como CW se enquadra bem no ritmo dos outros instrumentos. ele marca o ritmo, mas sem precisar ficar mostrando onde acaba e começa o compasso. ele coordena o tempo sem precisar “gritar” com os colegas.

HEAVEN (Tattoo You, 1981)
a combinação de vassourinha e baqueta desce macia nos ouvidos. lembra até a batida de bossa nova, mas o toque é muito mais cool. ótima música de um disco meio renegado.

Podcast: http://lomez.mypodcast.com/
Valeu
Txotxa

Greg Errico

2007-04-16T12:10:00.000-03:00

Não dá para escrever sobre Greg Errico sem falar antes do supergrupo Sly & The Family Stone. Formado no meio dos anos 60 em São Francisco, STFS ficou conhecido pela mistura explosiva do rock psicodélico californiano com o soul/ funk dos grandes centros urbanos. E numa época onde negros cantavam para negros e brancos para brancos, o grupo estendia os conceitos do flower power e pregava a união entre os dois lados. Nada mais apropriado, já que a família Stone incluía negros e brancos.

Pois bem, é nesse cenário que surge uma das seções rítmicas mais poderosas de todos os tempos, formada por G. Errico e pelo lendário baixista Larry Graham.

Diferente de tudo o que se tocava de funk na época, a bateria de GE era rápida, leve e tocava na frente do tempo (sem correr, é claro). Ele não tocava o tradicional pocket, atrasando um milionésimo o compasso para deixar o ritmo bem carregado. E essa sua batida, quando se encontrava com o baixo de LG (o "Rei do Ritmo", na minha opinião), criava uma onda hipnótica, onde o início e o fim do compasso dão lugar a uma contínua linha rítmica do mais puro funky (até mesmo quando tocavam rock).
Cada nota de GE era tocada com extrema precisão e firmeza. Como poucos, ele pensava, de uma só vez, cada peça da bateria separadamente. E, além disso, contribuía para as harmonias e melodias de seus "irmãos", com dinâmica e timbres únicos.

Sua fama de excelente baterista acabou ficando meio esquecida, já que fazia parte de um grupo de supergênios, como o líder desequilibrado Sly Stone e o já citado Larry Graham. Mas para os músicos da época, Greg Errico era tido em altíssima conta. Tanto que Joe Zawinul e Wayne Shorter, as cabeças por trás do Weather Report, tentaram de todas as formas comprar o seu passe nos anos 70.

Bom, vamos, então, às músicas escolhidas (todas são de STFS):

TRIP TO YOUR HEART (A Whole New Thing, 1967)
psicodelia com pegada funky e duas baterias de uma só vez. se é efeito ou não, não dá para saber, mas o bom gosto é de alto nível. muito bom também os pratos no refrão.

SING A SIMPLE SONG (Stand!, 1969)
clássico do grupo STFS. como a bateria está apenas num canal, dá para ouvir muito bem os detalhes. introdução tradicional de GE, com rufos muito bem tocados. a cadência é impressionante. bate qualquer metrônomo existente :-).

RUN, RUN, RUN (A Whole New Thing, 1967)
tocar o bumbo com essa dinâmica e cadência é para pouquíssimos. aliás, essa bateria só poderia ser tocada por ele, mesmo. até Mitch Mitchel, outro fodasso que tem o toque parecido com o seu, suaria a camisa para chegar perto desse resultado.

LOVE CITY (Life, 1968)
isso é uma aula de balanço. sem comentários...

UNDERDOG (A Whole New Thing, 1967)
1ª música do 1º disco do STFS. a combinação de ximbau e bumbo é um bom exemplo da batida hipnótica dita anteriormente. detalhe para o refrão, quando GE dá o clima com um rufo extra.

INTO MY OWN THING (Life, 1968)
introdução sampleada por Fat Boy Slim há uns anos atrás (música daquele clipe com o Christopher “Crazy” Walken dançando). GE desloca o tempo forte do 1 para o 1 ½ do compasso sem perder o ritmo.

IF THIS ROOM COULD TALK (A Whole New Thing, 1967)
de novo, duas baterias. o jeito que uma complementa a outra é muito bem pensado (e executado). além disso, é bem legal a inversão (acredito que não foi proposital) entre o baixo e a bateria. no refrão o baixo dá o balanço e bateria fica reta, nas estrofes, acontece o contrário. nota 10.

EVERYDAY PEOPLE (Stand!, 1969)
essa entrou nem tanto pela bateria, mas por ser uma das minhas Top 10 de todos os tempos. note bem como as linhas dos sopros vão se entrelaçando com os coros. é apenas uma pequena porção da genialidade de Sly Stone. uma pena o que as drogas fizeram com ele...

DOG (A Whole New Thing, 1967)
de novo, a mão direita e o bumbo. além disso, a precisão nas viradas (incluindo rufos) é impressionante. no fim do refrão, GE toca no melhor estilo de Clyde “Funky Drummer” Stubblefield, da banda de James Brown.

DANCE TO THE MUSIC (Dance To The Music, 1968)
clássico dos clássicos. “all we need is a drummer for people who only need a beat”. não há muito mais o que se dizer....

http://lomez.mypodcast.com/

abs
Txotxa

Zigaboo Modeliste

2007-04-13T15:36:00.000-03:00

Para muitos, ele é um dos pais do funk.
É baterista e sócio-fundador do The Meters, grupo surgido em New Orleans, no meio dos anos 60.

A batida de Joseph "Zigaboo" Modeliste é diferente de tudo o que se tocava na época. Desde a pulsação até a divisão das notas, o seu funk, até hoje, é o mais funky que existe.

Existe uma vertente da história musical norte-americana que coloca New Orleans como berço legítimo do jazz, do funk e do rock'n'roll. Em parte, concordo com a afirmação. E no caso do funk, os louros recaem sempre sobre Zigaboo Modeliste.

Hoje, qualquer baterista que quer tocar funk de um jeito modernoso, mesmo sem saber, acaba coipiando as gravações dos Meters de 35 anos atrás.

A seleção de hoje é a seguinte (*) :

1. Stretch Your Rubber Band

2. Hey Pocky A-Way

3. Cissy Strut

4. Live Wire

5. Look-Ka Py Py

6. Out In The Country

7. Funky Miracle

8. Chicken Strut

9. Doodle-Oop

(*) todas as gravações foram feitas entre 69' e 74'

E aqui vai o link do podcast:
http://lomez.mypodcast.com/

abs

Txotxa

John Bonham 2 (1948 - 1980)

2007-04-13T14:37:00.000-03:00

Levando em conta as observações dos amigos, vou escrever um pouco sobre os homenageados e sobre as músicas escolhidas.

No caso de JB, sempre achei uma coisa muito curiosa: apesar de ter levado uma vida de excessos, sua música sempre foi sóbria e enxuta. Era um dos poucos que fazia uma coisa extremamente complicada soar estupidamente fácil aos ouvidos. Agora, vá tentar tocar para ver o estrago...
Além disso, conseguia reduzir o ritmo à sua essência, sem uma nota sobrando ou faltando.

Outra coisa interessante é a associação que fazemos quando o assunto é a bateria de JB.
Todos se lembram da força com que tocava, dos tambores gigantes, dos solos com a mão e do visual hippie-sujo.
Quanto ao hippie-sujo, realmente, não há muito o que dizer, mas em relação à arte por trás de sua batida existe um universo pouco explorado...

Força x Jeito
Várias pessoas que conviveram intimamente com "Bonzo", juram (e eu acredito) que ele tirava o mesmo som de sua Ludwig 24" na bateria de brinquedo de seu filho, Jason. Isso quer dizer que o seu volume era muito mais jeito do que força bruta. Batia no lugar certo, na hora certa.

Influências
Era muito fã do igualmente pesado Carmine Appice (Vanilla Fudge e Rod Stewart), mas o seu diferencial para os colegas de geração era o profundo conhecimento que tinha dos ritmos negros (Motown, Stax, James Brown etc). Sabia como poucos o lugar que a bateria deveria ocupar na música, qual o melhor andamento, quais peças usar.

Tambores
A associação de JB com os tambores gigantes é imediata, né? Mas não consigo me lembrar de nenhuma música do LZ que seja carregada pelos toms (coisa que ouvimos com Bill Ward, do Black Sabbath).

Agora, sobre as músicas do podcast:

1. Black Dog (How The West Was Won - 1972)
clássico numa versão ao vivo, que mostra porque o LZ é considerado um dos maiores shows de todos os tempos. a a sua cadência é uma coisa impressionante.

2. The Crunge (Houses Of The Holy - 1973)
um ótimo exemplo de como ele torna uma batida quadrada agradável aos ouvidos.

3. Good Times Bad Times (Led Zeppelin - 1969)
o bumbo! o bumbo! numa reportagem, li que Jimi Hendriz dizia que JB tinha o pé rápido como o de um coelho!

4. Ramble On (Led Zeppelin II - 1969)
a batida suspensa no refrão é sensacional e só perde para a entrada do solo.

5. Celebration Day (Led Zeppelin III - 1970)
como a bateria e o baixo carregam a música... tire a voz e a guitarra e vc tem o funky dos anos 60 da Atlantic e Stax.

6. Misty Moutain Hop (Led Zeppelin IV - 1971)
que som! a batida é uma locomotiva gigante, firme e sem sair da velocidade. detalhe para o bom gosto da virada que chama o refrão final.

7. Communication Breakdown (Led Zeppelin I - 1969)
para mim, é a sua batida mais "punk". sobra energia no jovem JB.

John Bonham 1 (1948 - 1980)

2007-04-12T18:44:00.000-03:00

Como não podia deixar de ser, começo as postagens com John H. Bonham.

Montei um podcast bem simples, com 7 músicas que trazem algumas das características mais marcantes de sua batida.

O playlist é o seguinte:

1. Black Dog (How The West Was Won - 1972)
2. The Crunge (Houses Of The Holy - 1973)
3. Good Times Bad Times (Led Zeppelin - 1969)
4. Ramble On (Led Zeppelin II - 1969)
5. Celebration Day (Led Zeppelin III - 1970)
6. Misty Moutain Hop (Led Zeppelin IV - 1971)
7. Communication Breakdown (Led Zeppelin I - 1969)

Para não ficar pesado, comprimi em 96 Kbps, ok?

Aqui vai o link do podcast
http://lomez.mypodcast.com/

Grande abraço
Txotxa

Lomez Inc.

EC e seus bateristas

Will Calhoun

﻿﻿﻿Liberty DeVitto

Joe Morello

Chad Smith

Coletânea, vol. 4

Carlton Barrett (1950 – 1987)

Matt Cameron

Coletânea, Vol. 3

João Barone

Larry Mullen Jr.

Max Roach (1924 – 2007)

Art Blakey (1919 – 1990)

Keith Moon (1946 - 1978)

Coletânea, Vol. 2

Coletânea, Vol. 1

Joey Kramer

Bill Ward

Neil “The Professor” Peart

Ian Paice

Ringo Starr

Roger Taylor

Mitch Mitchell

Topper Headon

Bernard Purdie

Sly Dunbar

Alex Van Halen

Butch Trucks & Jaimoe Johanson

Ginger Baker

Stewart Copeland

Charlie Watts

Greg Errico

Zigaboo Modeliste

John Bonham 2 (1948 - 1980)

John Bonham 1 (1948 - 1980)

Liberty DeVitto